VIVIR PARA SIEMPRE (Ways to Live Forever)

País: España, Reino Unido. Dirección y guión: Gustavo Ron. Intérpretes: Robbie Kay, Alex Etel, Ben Chaplin, Ella Purnell, Emilia Fox, Greta Scacchi, Phyllida Law, Natalia Tena. Música: César Benito. Fotografía: Miguel P. Gilaberte. Distribuye en Cine: European Dreams Factory. Duración: 95 min. Público apropiado: No recomendada para menores de siete años. Género: Drama. Estreno: 29-10-2010.

Interrogantes

Sam es un muchacho de doce años, inquieto, al que le gustan los hechos curiosos, escribir y usar su cámara de video para reflejar lo que ocurre a su alrededor. Pero una grave enfermedad ha puesto límite a su joven vida. Antes de morir escribe una lista de lo que le gustaría hacer. Pero también dejará constancia en un diario, y en la memoria de su cámara, de una serie de cuestiones a las que ningún adulto le sabe responder con claridad: por qué tiene que morir tan joven, el sentido del dolor y su relación con la existencia de Dios, el más allá, etc. Para abordar tales dilemas, Sam contará con la ayuda de Félix, un amigo enfermo de leucemia como él pero con un carácter mordaz, su maestra y su propia abuela.

Gustavo Ron cambia de registro tras su debut hace cinco años con la comedia Mia Sarah, y nos traslada ahora a un drama en tierras inglesas. Como sello inconfundible del estilo de este director madrileño permanecen una bella fotografía (del entrañable Miguel P. Gilaberte, antiguo colega de docencia universitaria) y una banda sonora exquisita. Y a pesar de su previsible dramatismo, Vivir para siempre se ve con agrado, posee un tono amable y logra que el espectador sonría en varias ocasiones.

Tal vez se eche en falta una postura más nítida, algo más de definición, respecto a los temas de fondo que plantea. Es cierto que nos sentimos interpelados por las preguntas del protagonista y el filme nos hace pensar –que no es poco, tal y como va el cine actual más taquillero–. También es posible descubrir en la cinta de Gustavo Ron una apuesta por la trascendencia, pero todo ello sugerido de un modo que, para mi gusto, resulta demasiado tenue, como buscando evitar la polémica. Algo que otros realizadores españoles no suelen eludir, incluso para defender lo indefendible o proponer ideologías más que dudosas.

LOS SEDUCTORES (L'ARNACOEUR)

País: Francia, Mónaco. Dirección: Pascal Chaumeil. Intérpretes: Romain Duris, Vanessa Paradis, Julie Ferrier, François Damiens, Héléna Noguerra, Andrew Lincoln, Jacques Frantz, Amandine Dewasmes. Guión: Laurent Zeitoun, Jeremy Doner, Yohan Gromb. Música: Klaus Badelt. Fotografía: Thierry Arbogast. Distribuye en Cine: A Contracorriente. Duración: 105 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 16 años. Género: Comedia Romántica. Contenidos: SD. Estreno: 22-10-2010.

Rompecorazones S.L.

Alex trabaja en una curiosa empresa –junto a su hermana y su cuñado– que se dedica a romper parejas abocadas a formar un matrimonio infeliz. A petición del cliente, que suele ser alguien cercano a la pareja (el padre de la novia, o un amigo o amiga de uno de ellos), Alex desplegará sus dotes de galán y seductor para impedir el enlace. Eso sí, no todo vale; incluso una empresa tan surrealista como ésta tiene sus normas: No aceptar un encargo cuando hay pruebas evidentes de la felicidad de los novios y, por supuesto, no enamorarse del “objetivo”. Todo se complica cuando Alex empieza a descuidar esta segunda norma.

Los seductores ha arrasado en la taquilla francesa, y no es para menos, pues se trata de una comedia romántica cercana al estilo clásico de Hollywood. De hecho, y salvando las distancias, resulta inevitable citar aquí obras como Sucedió una noche, con Clark Gable y Claudette Colbert, o Historias de Filadelfia, con Cary Grant y Katharine Hepburn. Como es de suponer, la trama de Los seductores, a pesar de su intrascendencia, es divertida e ingeniosa, y los guionistas han sabido sortear con cierta elegancia los toques frívolos o sensuales de un film de estas características.

ENTREVISTA CON JIM CAVIEZEL

El actor americano Jim Caviezel dispone en su haber de una larga trayectoria en la gran pantalla: Frequency, La delgada línea roja, La venganza del Conde de Montecristo, Mentes en blanco, Déjà Vu, etc. Pero es mundialmente conocido por su intensa interpretación en una cinta que combina grandes dosis de violencia con un inequívoco mensaje de esperanza y redención: La Pasión de Cristo.

En estos días, Caviezel visita Madrid para presentar su última película: La verdad de Soraya M., una obra que tampoco dejará indiferente al público pues reconstruye unos hechos terribles que tuvieron lugar en 1986, en Kapuyeh, una pequeña aldea de Irán. En concreto, nuestro actor interpreta a un periodista que descubre la trama urdida por varios hombres de la localidad en torno a una mujer. El complot desembocará en la condena a muerte de Soraya: será cruelmente lapidada por un supuesto delito de adulterio. El film obtuvo los premios del público en los festivales de Toronto y Los Ángeles.

Jim Caviezel nos recibió amablemente en la sala de un céntrico hotel de la capital (a pesar de la dura jornada de entrevistas que llevaba sobre su metro noventa de estatura, y de una noche casi en vela por culpa del café hispano, más fuerte, al parecer, que el yanqui). Durante unos quince minutos nos habló, al hilo de nuestras preguntas, de esa selva llamada Hollywood, dónde bajo un velo de tolerancia se esconde una dictadura de lo políticamente correcto que no perdona a las personas que, siendo fieles a sus principios, no buscan el éxito a cualquier precio y desean hacer del cine una potencia educadora. De modo particular, se refirió a la marginación que padecen en Hollywood algunos profesionales que, como él, profesan los valores cristianos de la paz, el perdón y el amor.

SHREK, FELICES PARA SIEMPRE (Shrek Forever After)

País: EE.UU. Dirección: Mike Mitchell. Guión: Josh Klausner, Darren Lemke. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Yong Duk Jhun. Distribuye en Cine: Paramount. Duración: 93 min. Público apropiado: Apta para todos los públicos. Género: Animación, aventuras y comedia. Estreno: 09-07-2010.

¡Qué bello es vivir!

Llega la última entrega del Ogro más famoso de Muy Muy Lejano. En su querida ciénaga, Shrek vive con su esposa Fiona y sus tres hijos. La fama del hombre verde es tal que los curiosos y admiradores le visitan como si fuera una atracción turística de la zona. Shrek es feliz, pero su vida ha entrado en la rutina de un padre de familia atareado y sin tiempo para él. Y sin darse cuenta, caerá en la tentación de pensar que con otra vida sería plenamente dichoso. En ese momento de debilidad y falta de lucidez, aparece un antiguo enemigo de Shrek, el mago Rumpelstiltskin, que le ofrece un trato: le dará un día de su vida como soltero, a cambio de que el Ogro le regale al mago uno cualquiera de sus días.

Shrek, felices para siempre, supone un digno broche para la saga, aunque no llegue a la altura de la primera entrega. Y aunque la historia parezca demasiado simple y previsible, encierra un valioso mensaje sobre el valor de lo cotidiano y sobre el secreto de la felicidad. Para ello los autores acuden a referentes cinematográficos como ¡Qué Bello es vivir! o Braveheart, junto a números musicales y gags cómicos que hacen de este filme uno de los estrenos familiares del verano.

LA ÚLTIMA CIMA

Año de producción: 2010. País: España. Dirección y Guión: Juan Manuel Cotelo. Fotografía: Alexis Martínez. Distribuye en Cine: European Dreams Factory. Duración: 82 min. Público apropiado: Para todos los públicos. Género: Documental. Estreno en cines: 04-06-2010.

Un cura cercano

En febrero de 2009 se encuentran en el Moncayo los cuerpos sin vida de dos montañeros que habían ascendido a la cumbre el día anterior y que habían caído por una pendiente helada de 1900 metros. Se trataba de Sara Gómez, una profesora de la Universidad Francisco de Vitoria y de Pablo Domínguez, sacerdote y decano de la Facultad de Teología de San Dámaso de Madrid.

Juan Manuel Cotelo, que ya nos sorprendió hace años con su primer largometraje, El sudor de los ruiseñores, nos ofrece ahora un documental lleno de ritmo, buena música y que nos hace reír, llorar y reflexionar a un tiempo.

Hablar sobre un documental, que para colmo trata de un cura que no hizo nada espectacular, ni fue misionero en un remoto lugar del mundo, ni tampoco estuvo envuelto en ningún escándalo, podría parecer una pérdida de tiempo o una tomadura de pelo. Y es cierto que Pablo no hizo nada llamativo, pero algo tendría cuando acudieron 3000 personas a su entierro. Y ese “algo” es lo que nos muestra La última cima, a base de entrevistas con gente de la calle, amigos, familiares, alumnos y alumnas del sacerdote madrileño.

Al hilo de las conversaciones, y con una puesta en escena y un tono provocador, que recuerdan al de Michael Moore, pero sin trampa ni cartón, se plantean temas como la accesibilidad o la distancia que a veces se da entre la gente de la calle y los curas, el celibato, la celebración de la Misa, cómo debe ser un sermón, la confesión, la vocación, la pobreza y el dinero de la iglesia, el consuelo y la cercanía en los momentos de dolor, el misterio de la muerte y el más allá...

Y no pienses, querido lector/a, que La última cima es una película beatorra o pietista, destinada a gente creyente o mística, más bien todo lo contrario, este documental se ha hecho con la intención de mostrar a los que desconocen o tienen prejuicios contra la Iglesia la figura de un sacerdote que, en su cotidianidad, intentaba reflejar la maravilla del Amor de Jesucristo por todos, su entrega incondicionada a todo el que se cruzaba en su camino, sin excluir a nadie por su ideología o sus opiniones.

La última cima es, sin duda, una apuesta cinematográfica valiente en un momento, como el actual, y que no dejará indiferente a nadie, como ya muestran los primeros datos de taquilla tras su estreno en Madrid.

LEGIÓN (LEGION)

País: EE.UU. Dirección: Scott Stewart. Intérpretes: Dennis Quaid, Doug Jones, Paul Bettany, Kevin Durand, Kate Walsh, Tyrese Gibson, Adrianne Palicki, Lucas Black, Charles S. Dutton. Guión: Scott Stewart, Peter Schink. Música: John Frizzell. Fotografía: John Lindley. Distribuye en Cine: Sony. Género: Acción, Thriller sobrenatural. Duración: 102 min. Contenidos: V. Público apropiado: No recomendada para menores de 16 años. Estreno: 28-05-2010.

¿Teología-ficción?

Bob, propietario de un remoto bar de carretera, y su socio Percy se ocupan de su negocio como un día cualquiera. Charlie, la camarera, está en su último mes de embarazo y sirve el desayuno a una acomodada pareja de una zona residencial que junto a su hija esperan a que les reparen su coche.

De pronto la emisión de televisión se ve interrumpida y la línea telefónica se cae. Mientras intentan aclarar lo qué está ocurriendo, una candorosa anciana que acude al local empieza a comportarse de modo violento y con una fuerza sobrenatural.

En medio del caos provocado por el inesperado ataque de la mujer llega un coche patrulla con un desconocido armado hasta los dientes y que dice llamarse Miguel. El misterioso visitante informa a Charlie de que el bebé que espera es la única esperanza para la humanidad, y que está dispuesto a hacer todo lo que sea necesario para mantenerlo a salvo.

La premisa inicial de Legión es de lo más peregrina y rancia (desde el punto de vista teológico, claro está): Dios ha perdido la fe en el ser humano, a causa de sus excesivas maldades, por lo que da órdenes a sus ángeles para que desaten el apocalipsis. Pero el arcángel Miguel se niega a cumplir esa orden, y baja a la tierra decidido a proteger, metralleta en mano, a los humanos.

Una trama así está abocada a la acción, los efectos especiales, mucho tiro y puñetazo; en definitiva, demasiada ficción y fantasía y muy poca teología. Esto es así hasta el punto de que los guionistas nos muestran a unos ángeles “más listos y sensatos” que Dios, al que enmiendan la plana, y que pelean entre ellos: ¿hay algo más grotesco que una pelea a muerte entre san Gabriel y san Miguel?

Por otra parte, ¿quién es ese niño (el hijo de la camarera) y por qué la humanidad depende de él? ¿Quién le ha destinado para esa misión? ¿Es que Dios no lo sabe? La verdad es que no merece la pena seguir poniendo en evidencia la torpeza de esta película que, en contra de lo que piensa su director, no suscitará reflexiones sino que quedará como mero entretenimiento pasajero y caduco.

ROBIN HOOD

País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Intérpretes: Russell Crowe, Cate Blanchett, Mark Strong, Danny Huston, William Hurt, Max Von Sydow, Oscar Isaac. Guión: Brian Helgeland, Ethan Reiff, Cyrus Voris. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: John Mathieson. Distribuye en Cine: Universal. Duración: 141 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Aventuras. Estreno: 13-05-2010. Contenidos: VSD.

Robin versus Gladiator

Robin Longstride es un arquero al servicio de Ricardo Corazón de León que ha recorrido medio mundo siguiendo al monarca inglés en sus cruzadas. Cuando el rey muere durante el asalto a un castillo francés, Robin deserta con un grupo de compañeros, pero una serie de sucesos fortuitos le llevan a tener que asumir la identidad de un noble muerto en una emboscada. Robin deberá dirigirse a casa del padre del caballero fallecido para cumplir una promesa. Allí conocerá a su viuda, una mujer bella y fuerte llamada lady Marian.

Ridley Scott lleva a la gran pantalla a un personaje legendario retratado más de treinta veces por el celuloide. Para ello, siguiendo la táctica habitual en estos casos, nos ofrece una precuela, es decir, la historia de cómo Robin Longstride se convirtió en Robin Hood. El saldo positivo de la película se reduce a un reparto de lujo y una recreación de la Edad Media magistral, a nivel de decorados y escenarios, porque en cuanto al rigor histórico, el director inglés vuelve a caer en sus errores habituales: demasiados tópicos, carencia de matices y un enfoque de los temas demasiado políticamente correcto.

Por otra parte, el metraje del film resulta excesivo y puede llegar a cansar al espectador, aunque abunde la acción trepidante. Y es que todo en este Robin Hood sabe a déjà vu (incluso se permite Scott imitar a Spielberg en la escena del desembarco en la playa), y sin embargo no logra provocar emoción alguna en el público, que asiste impasible al espectáculo visual que exhibe el director inglés; un error imperdonable en un filme de aventuras, épico y de forja heroica, como es éste. La idea de Scott de hacer una especie de Gladiator medieval ha fracasado sin remedio.

Pues lo más difícil es conseguir un buen guión, pero una vez conseguido todo se vuelve sencillo: historia, historia, historia, suele remachar el realizador inglés. Pero en este caso, como en otros, no se ha aplicado la lección. Un defecto que mancha la irregular filmografía de Ridley Scott. Pero los nostálgicos nos consolaremos volviendo a ver una y otra vez su obra maestra indiscutible y no superada: Blade Runner y cuatro o cinco cintas más.

IRON MAN 2

País: EE.UU. Dirección: Jon Favreau. Intérpretes: Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Mickey Rourke, Samuel L. Jackson, Gwyneth Paltrow, Jon Favreau, Don Cheadle. Guión: Justin Theroux. Música: John Debney. Fotografía: Matthew Libatique. Duración: 124 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 12 años. Género: Acción, Cómic. Estreno: 30-04-2010. Contenidos: SV

Los desvaríos del héroe

Con un reparto de lujo, y el mismo director, llega la secuela de Iron Man gracias al éxito de la primera entrega, que recaudó más de 572 millones en todo el mundo.

Como ya se desveló al final de la primera entrega, el industrial Tony Stark ha declarado públicamente en rueda de prensa que él es Iron Man, que usa una sofisticada armadura de combate, diseñada por él, y de alta tecnología. Poco después de inaugurar Expo Stark, donde muestra las innovaciones tecnológicas realizadas en su empresa, y sus aplicaciones para lograr la paz y seguridad del país, los senadores pretenden que el empresario revele los secretos de su novedosa armadura al ejército. Por otra parte, aparece un villano ruso, Ivan Vanko, experto en tecnología e informática, que culpa al padre de Stark de la desgracia de su familia y que se ha propuesto vengarse enfrentándose a Iron Man con ayuda de sus propios inventos.

Iron Man 2 cumple con creces su función de entretenimiento, con acciones a ritmo de la música de AC/DC, y que parece prometer un poco más de penetración, tampoco demasiada, en el personaje principal, su pasado y sus conflictos. Pero al fin y a la postre todo resulta bastante lineal y plano: desde los personajes, véase los interpretados por la Paltrow, Scarlett Johansson (aunque sepa latín) o Samuel L. Jackson, que saben a muy poco, o la propia trama del film, un tanto errática y trivial.

LOURDES

País: Alemania, Austria, Francia. Dirección y guión: Jessica Hausner. Intérpretes: Sylvie Testud, Léa Seydoux, Bruno Todeschini, Elina Löwensohn, Gerhard Liebmann, Gilette Barbier, Katharina Flicker, Linde Prelog. Fotografía: Martin Gschlacht. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 99 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 7 años. Género: Drama. Estreno: 31- 03-2010.

Milagros y felicidad

Christine, una joven paralizada por la esclerosis, llega a Lourdes en peregrinación junto con otros enfermos. Allí asiste, sin especial ilusión o fervor, a las diversas ceremonias: la visita a la gruta de las apariciones, los baños en las fuentes de agua milagrosa, la bendición con el Santísimo y la confesión. Le acompaña una joven voluntaria que parece más interesada en flirtear con los jóvenes de la Orden de Malta que en atender a la enferma. Entonces, una anciana ocupará el lugar de la enfermera y pedirá con piedad y recogimiento por la curación de Christine. Un día, de modo imprevisto, empieza a mover un brazo. ¿Será un milagro o el efecto pasajero de la sugestión?

No hay duda de que con esta película nos encontramos ante un auténtico milagro: que una directora no creyente refleje de modo tan respetuoso, sobrio, pausado, casi documental, la vida cotidiana en este santuario mariano, constituye un auténtico regalo. Un prodigio que debería ser habitual, pero que se nos antoja insólito gracias a las bochornosas caricaturas a las que nos tienen acostumbrados los Amenábar y los Fesser de turno.

Del mismo modo, parece evidente que esta joven realizadora austriaca, Jessica Hausner, busca una explicación o se siente admirada por el misterio, aunque su película no nos brinde una única lectura posible y nos ofrezca, en cambio, un muestrario coral de diversas posiciones ante ese enigma del dolor y del sentido de la vida: fe, alegría, envidia, incomprensión, burla...

EL CONCIERTO (Le concert)

País: Bélgica, Francia, Italia, Rumanía. Dirección: Radu Mihaileanu. Intérpretes: Aleksei Guskov, Mélanie Laurent, Dmitri Nazarov, Valeriy Barinov, François Berléand, Miou-Miou, Lionel Abelanski, Anna Kamenkova. Argumento: Héctor Cabello Reyes (historia original), Thierry Degrandi. Guión: Radu Mihaileanu, Matthew Robbins, Alain-Michel Blanc. Música: Armand Amar. Fotografía: Laurent Dailland. Distribuye en Cine: Vértigo. Duración: 119 min. Público apropiado: Todos los públicos. Género: Comedia dramática y musical. Estreno: 12-03-2010.

Tchaikovski visita París

Andrei Filipov fue el mejor director de la célebre Orquesta del Bolshoi en la época de la Unión Soviética. Pero mientras alcanzaba pleno éxito en su labor, las autoridades comunistas le despidieron por negarse a expulsar a los músicos judíos de su orquesta, entre los que estaba su mejor amigo, Sacha. Años después, sigue trabajando en el Bolshoi, pero como limpiador. Una noche, Andrei, mientras limpia el despacho de su director, encuentra un fax dirigido a la dirección del Bolshoi: es una carta del Teatro Châtelet con una invitación para dar un concierto en París. Andrei decide ocultar el mensaje a su jefe y se le ocurre una idea disparatada: reunir a sus antiguos compañeros músicos, que viven de hacer trabajos y chapuzas muy ajenos a la música, y llevarlos a París, haciéndose pasar por los intérpretes oficiales del Bolshoi.

El concierto no es sólo es una película para melómanos –que disfrutaran sin duda con las diversas secuencias musicales del filme– sino una coproducción europea entrañable que suscita, a un tiempo, sonrisas y momentos emotivos para un público amplio. Tampoco falta en El concierto una aguda reflexión sobre el arte como instrumento de rebelión contra la tiranía (la marxista en este caso) y la capacidad de la música para crear una especial solidaridad entre las personas.

MEDIDAS EXTRAORDINARIAS (Extraordinary Measures)

País: EE.UU. Dirección: Tom Vaughan. Intérpretes: Harrison Ford, Brendan Fraser, Keri Russell, Courtney B. Vance, Dee Wallace, Jared Harris, Patrick Bauchau. Argumento: Geeta Anand (libro). Guión: Robert Nelson Jacobs. Música: Alex Wurman. Fotografía: Andrew Dunn. Distribuye en Cine: Sony. Género: Drama. Duración: 105 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 7 años. Estreno: 12-03-2010.

La enzima de la vida

John Crowley es un prestigioso ejecutivo americano. Está casado y tiene tres hijos, pero a los dos pequeños, Megan y Patrick, se les ha diagnosticado una enfermedad incurable: el síndrome de Pompe. Después de convertirse casi en un experto en esa rara enfermedad, contacta con un científico brillante, atípico y con carácter detestable, el Dr. Robert Stonehill. Juntos crean una compañía para poner en funcionamiento una enzima que mitigue la enfermedad. John aportará su experiencia empresarial y de marketing junto al deseo invencible de curar a sus hijos; y el doctor, por su parte, intentará probarse a sí mismo y sus teorías científicas. En esta extraña coalición saltarán las chispas en muchas ocasiones, pero los dos personajes están destinados a entenderse y a luchar contra el frío racionalismo del sistema médico para lograr sus objetivos.

La trama de Medidas extraordinarias puede sonar a algo déjà vu o recordar a filmes como El aceite de la vida, pero sin la profundidad temática de éste. Sin embargo, la película se ve con agrado, sortea casi siempre las escenas lacrimógenas (lo que no quita que los sollozos estén asegurados para algunos espectadores), y a pesar de no poder ocultar su condición de producción cercana al telefilme, la buena química entre los protagonistas y la veteranía interpretativa de Harrison Ford (en un papel atípico en él) salvan una película que podía haber resultado insulsa y plana.

AL LÍMITE (EDGE OF DARKNESS)

País: EE.UU. Dirección: Martin Campbell. Intérpretes: Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, Shawn Roberts, Bojana Novakovic, Jay O. Sanders. Guión: William Monahan, Andrew Bovell. Música: John Corigliano. Fotografía: Phil Meheux. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 126 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 12 años. Género: Thriller. Contenidos: VD. Estreno: 26-02-2010.

Amor de padre

Tom Craven es un agente de policía de Boston que acude a la estación de tren a recoger a su hija a la que hace tiempo que no ve. Una vez en casa ella empieza a sentirse indispuesta y cuando acuden al médico es violentamente asesinada por un tirador desconocido. Su padre desolado, y sus compañeros, creen que el objetivo del disparo era él, tal vez realizado por algún delincuente rencoroso. Pero con el paso del tiempo, se abre camino otra hipótesis más relacionada con el trabajo de su hija: ingeniera nuclear en una central privada que trabaja para el gobierno.

Al límite supone el regreso a la pantalla de Mel Gibson tras siete años dedicado a la dirección y la producción. El actor australiano estuvo en Madrid el pasado día 1 de febrero presentando su película y reconoció en la rueda de prensa que le llena más dirigir que actuar. Lo que no quita que su interpretación en Al límite sea más sobria y contenida que en sus anteriores películas. Todo ello junto a algunas escenas de acción bien llevadas (no muchas, pues la edad de Mel ya no lo permite) y cierta crítica y denuncia social hacia empresarios, científicos y políticos sin escrúpulos.

NUEVA NORMATIVA DEL ICAA PARA LA CALIFICACIÓN DE PELÍCULAS

Cuando todavía está reciente la polémica sobre la valoración como película X que ha sido aplicada al filme Saw VI por el ICAA (Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales), y la calificación de un filme que juguetea con el porno, El cónsul de Sodoma, como no recomendada para menores de 13 años, aparecen las nuevas normas emanadas por este organismo del Ministerio de Cultura.

Es cierto que desde hace años se venían oyendo numerosas voces de expertos y de asociaciones de usuarios solicitando la reforma de un sistema –el español– que se encuentra a la cola de gran parte de sus homólogos de la Unión Europea.

Es de agradecer que el decreto firmado por Ignasi Guardans haya introducido dos nuevas categorías de películas: las no recomendadas para menores de 12 y 16 años, que salvan la distancia que existía en la anterior normativa entre los 13 y los 18 años, y unos pictogramas que hacen más visible esta calificación por edades.

También resulta útil que se haya hecho un esfuerzo por definir con más detalle, sobre todo después de la polémica antes citada, los criterios para catalogar las películas X (pornografía y apología de la violencia).

Pero ahí termina el saldo favorable de esta nueva normativa. Los que ansiábamos esa modificación nos hemos quedado con la miel en los labios y con un regusto bastante agridulce. Y es que una vez más, una reforma española sigue sin lograr la eficacia, trasparencia y sentido común que caracterizan a otros países de nuestro entorno.

¿Por qué digo esto? Por varios motivos:

1) Las nuevas normas de Guardans-Sinde no permitirán alcanzar el principal objetivo que se proponen: informar a padres y educadores sobre el contenido de lo que verán los menores en las pantallas.

2) Un escollo que se podría haber solventado introduciendo unos pictogramas (como ocurre en Holanda) que aludan a los contenidos, y no los que se presentan, que resultan reiterativos y no facilitan a los adultos información concreta sobre los contenidos (violencia, discriminación, drogas, sexo, etc.) que los menores se van a encontrar en el filme en cuestión; o introduciendo información detallada en la web del ICAA (como se hace en Inglaterra o USA) sobre los contenidos de cada película calificada.

3) Otro defecto de la nueva normativa, y que llama poderosamente la atención, es el permiso para incluir desnudos en un contexto sexual en la categoría de película o programa de televisión “apto para todos los públicos”. No sabemos si esta inclusión se debe a falta de información de los miembros del ICAA, o hay otros motivos ocultos, porque este criterio no es común en otros países. En esta categoría, se suele admitir únicamente el desnudo inocente y casual, sin connotación erótica (como ocurría en la anterior normativa española), y sólo a partir de la categoría de “no recomendado para menores de 12 años” se admite, y de modo breve y fugaz, alguna escena de este tipo (por ejemplo en el sistema regulador inglés, uno de los más eficaces, según un informe de la Unión Europea).

4) Por todo esto, y si es sincera la apuesta del Ministerio de Cultura por la implicación de los padres y educadores en este proceso de protección de nuestros menores, se debería incluir otra categoría que ya es común en países como Estados Unidos o Inglaterra: PG (Parental Guidance), orientada sobre todo a facilitar y fomentar el control parental. La calificación PG advierte a los padres sobre la necesidad de informarse sobre un film o programa que muestra contenidos inadecuados para los niños, pero ellos deben decidir.

Confío en que tanto la ministra, Ángeles González-Sinde, como el director general del ICAA, Ignasi Guardans, tengan en cuenta estas sugerencias para que sea más eficaz su servicio público en defensa de un correcto desarrollo físico, intelectual y moral de nuestros jóvenes.

INVICTUS

País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Patrick Mofokeng, Matt Stern, Julian Lewis Jones. Argumento: John Carlin (libro). Guión: Anthony Peckham. Música: Kyle Eastwood, Michael Stevens. Fotografía: Tom Stern. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 133 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 7 años. Género: Drama Histórico. Estreno: 29-01-2010.

Perdón y reconciliación

Nelson Mandela es elegido presidente de Sudáfrica después de pasar más de 26 años en prisión por su oposición al apartheid. A pesar de todo, decide olvidar el pasado y reconstruir un país ferozmente dividido entre blancos y negros. Comienza tomando medidas que sorprenden a unos y a otros, como mantener a los asesores y funcionarios del anterior gobierno, o agrupar a agentes blancos y negros en su escolta personal.

Pero su medida más simbólica y llamativa consistirá en enarbolar una bandera aparentemente poco política o urgente para la economía del país, pero que intuye que puede reconciliar a todos los sudafricanos: el rugby. Se trata de una estrategia muy audaz, propia de un político de raza como es Mandela, pues si consigue unir a sus habitantes en una causa común, “un equipo, un país”, todo el mundo será testigo de ello, al ser elegida Sudáfrica como sede del Mundial de Rugby de 1995. Para asegurar el éxito, Mandela pide ayuda a Francois Pienaar, capitán de la selección nacional.

Clint Eastwood realiza un filme conmovedor que da fe de su evolución como cineasta, si no en la forma –sigue siendo el último gran clásico del cine– sí en el fondo, al apostar por mantener ese giro que ya inició en Gran Torino y que ha llevado al casi octogenario director a dar un vuelco radical en su filmografía. En efecto, años después de Sin Perdón –y repitiendo con Morgan Freeman como intérprete– nos ofrece en Invictus una emotiva lección sobre la fuerza del perdón, una actitud que parece casi sobrehumana y que no en vano nos permite vislumbrar algo del misterio de Dios; tal vez esto explique el progresivo interés que manifiesta últimamente Clint Eastwood por la religión y las preguntas fundamentales sobre el sentido de la vida.

UP IN THE AIR

País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Intérpretes: Vera Farmiga, George Clooney, Jason Bateman, Anna Kendrick. Guión: Jason Reitman, Sheldon Turner. Fotografía: Eric Steelberg. Distribuye en Cine: Paramount. Duración: 109 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 16 años. Género: Drama. Contenidos: SD. Estreno: 22-01-2010.

Solo y sin compromiso

Ryan Bingham trabaja para una empresa especializada en gestionar el despido de empleados de otras compañías con el fin de ahorrar un mal trago a los directivos; algo muy socorrido si se tiene que hacer un recorte en el presupuesto o el infausto y tristemente famoso ERE. Tal cometido obliga a Ryan a pasarse casi todo el año viajando en avión por USA, lo que le impide crear relaciones valiosas y estables con los demás: no se ha casado, no tiene hijos, pero sí citas sexuales ocasionales, y apenas trata a sus dos hermanas, una de las cuales va a celebrar en breve su boda. Pero su trabajo experimenta un cambio de rumbo cuando en su empresa le piden que adiestre a una joven recién contratada que pretende introducir un nuevo método para despedir a los empleados por videoconferencia.

Jason Reitman, como ya hiciera en su premiada película Juno, refleja con perspicacia cierto tipo de mentalidad actual basada en el individualismo, la falta de comunicación y la ausencia responsabilidad; a ello se puede añadir el peligro de las nuevas tecnologías en las relaciones personales: en Up in the air se puede echar a alguien de su trabajo por Internet o cortar una relación amorosa con un simple SMS.

Pero Up in the air no se centra principalmente en esa generación de jóvenes profesionales veinteañeros, sino más bien en esas personas absorbidas por su trabajo, como Ryan, que han rechazado cualquier compromiso personal en materia amorosa y cuando empiezan a rondar la cincuentena, se enamoran y pretenden asentar la cabeza, para acabar comprobando con estupor que la cosa no es tan sencilla como pensaban.

Aunque no ofrece soluciones, Up in the air origina una interesante reflexión sobre las consecuencias a largo plazo de ciertas conductas egoístas que huyen del compromiso personal y la entrega a los otros.

LA DECISIÓN DE ANNE (My Sister's Keeper)

País: EE.UU. Dirección: Nick Cassavetes. Intérpretes: Abigail Breslin, Cameron Díaz, Jason Patric, Sofia Vassilieva, Evan Ellingson, Alec Baldwin, Joan Cusack, Thomas Dekker, Emily Deschanel. Guión: Nick Cassavetes, Jeremy Leven. Música: Aaron Zigman. Fotografía: Caleb Deschanel. Distribuye en Cine: Tri Pictures. Duración: 109 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama. Estreno: 15-01-2010

Niña medicamento

Anne es la menor de los tres hijos del matrimonio Fitzgerald. La familia sufre con desigual actitud la enfermedad de Kate, la hija mayor, que padece una leucemia muy agresiva. La madre abandonó su brillante trabajo de abogado para dedicarse plenamente al cuidado de su hija, pero con una obsesión tal que descuidó el trato con su hijo. En un momento de desesperación por la falta de soluciones clínicas, y aconsejados por un médico, los Fitzgerald deciden tener otro hijo más con la esperanza de que pueda paliar los efectos de la enfermedad de Kate.

De ese modo llega Anne al mundo: por fecundación in vitro y selección genética. Desde su más tierna infancia, las dolorosas operaciones y los internamientos médicos se han convertido en algo habitual para la pequeña Anne. Se le extraen todo tipo de sustancias de su pequeño organismo, con peligro para su propia salud, con el fin de intentar sanar la leucemia de su hermana mayor.

Con el tiempo, comienza a hacer preguntas a sus padres sobre el porqué de su vida. Ella creía que había sido concebida, como los otros niños, por amor: “Cuando era pequeña, mi madre me dijo que yo era un pequeño pedazo de cielo que había venido a este mundo porque ella y papá me querían mucho. No fue sino tiempo después cuando me di cuenta de que eso no era exactamente verdad.”

Al cumplir los 11 años decide acudir a un famoso abogado e interponer una demanda contra sus padres para conseguir una emancipación médica y que su cuerpo no sea utilizado como un objeto.

La decisión de Anne es una cinta valiente, y en cierto sentido una producción que va contra corriente, pues no duda en apuntar hacia los riesgos de la manipulación genética y los así llamados “niños a la carta”, como evidenciar la insensatez del ensañamiento terapéutico con enfermos terminales.

Por otra parte, ante el misterio del dolor, La decisión de Anne no recurre al tópico fácil basado en la huida o en la desesperación, sino que intenta aceptarlo con serenidad; es verdad que se echa en falta algo más de trascendencia, pero para lo que se oferta en el cine actual, no está nada mal. Por tanto, una película interesante y que suscita la reflexión, aunque sea algo lacrimógena, y lleva la firma de un director miembro de un conocido clan del mundo de la gran pantalla: Nick Cassavetes.

La decisión de Anne me ha recordado filmes muy diferentes como Gattaca, La isla o Blade Runner, y novelas como Nunca me abandones, que acusan a una sociedad en la que ciertos sujetos (sean políticos, científicos, etc.) pretenden convencer a incautos matrimonios para “fabricar” personas-medicamento. Algo muy valioso puede llegar a perderse si la opinión pública ignora estos mensajes y no reacciona a tiempo.

KATYN

País: Polonia. Dirección: Andrzej Wajda. Intérpretes: Artur Zmijewski, Maja Ostaszewska, Andrzej Chyra. Guión: Andrzej Mularczyk, Wladyslaw Pasikowski, Andrzej Wajda. Música: Krzysztof Penderecki. Fotografía: Pawel Edelman. Distribuye en Cine: Karma Films. Duración: 118 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama Histórico. Estreno: 09-10-2009. Contenidos: V.


La "otra" memoria histórica

En 1940 más de 20.000 oficiales del ejército polaco, entre los que también había ingenieros, intelectuales y clérigos, fueron vilmente asesinados (tiro en la nuca) por los rusos y enterrados en una fosa común en los bosques de Katyn. Mientras tanto, los familiares desconocían el trágico destino de los suyos, hasta el descubrimiento de los cadáveres en 1943. Los comunistas, haciendo gala de su eficaz estrategia manipuladora, atribuyeron el crimen a los alemanes, y esta obscena falacia se mantuvo durante mucho tiempo en el régimen de silencio impuesto por la dictadura marxista en Polonia.

Casi setenta años después, el veterano realizador polaco Andrzej Wajda pone a salvo la memoria histórica de su país –y también la personal, pues su padre fue unos de los ejecutados– al relatar con valentía este negro suceso de la historia europea. Y lo hace con una sobriedad y elegancia encomiables. Cabe destacar la fortaleza de sus personajes femeninos, sobre los que pivota casi toda la trama, y la profunda fe y esperanza de unos protagonistas enmarcados en un bello y dramático relato coral.

Katyn se estrenó en España a la vez que Ágora pero no contó con un equivalente despliegue publicitario, tal vez porque representa el reverso o la otra cara de la moneda de lo que pretende vendernos Amenábar con su filme. En Katyn se muestra como una nación de profundas raíces católicas es aplastada tanto por el ateísmo marxista como por esa ola neopagana que fue el nacionalsocialismo alemán.

Katyn es un tipo de filme que requiere un coraje del que Amenábar carece. Si es verdad, como no se cansa de repetir, que su intención con Ágora era criticar los fundamentalismos, ¿por qué arremete contra los que casi siempre han sido a lo largo de la historia víctimas y muy pocas veces verdugos? Tal vez porque tiene la certeza de que saben perdonar y no iniciarán contra él ningún tipo de persecución.

MI VECINO TOTORO

Año de producción: 1988. País: Japón. Dirección y Guión: Hayao Miyazaki. Música: Joe Hisaishi. Distribuye en Cine: Aurum. Duración: 86 min. Público apropiado: Recomendada para todos los públicos. Género: Animación. Estreno: 30-10-2009. Título original: Tonari no Totoro.

Gente buena

Vuelve a la gran pantalla, veinte años después de su estreno, otra deliciosa película del maestro nipón Hayao Miyazaki. Mi vecino Totoro cuenta la historia de dos niñas, Satsuki y Mei, que se han trasladado al campo a vivir con su padre en una misteriosa casa abandonada, mientras su madre se recupera de una grave enfermedad en un hospital de la zona. En el bosque cercano, Satsuki y Mei descubren la existencia de seres extraordinarios, los espíritus del bosque, que sólo pueden ser vistos por personas de corazón puro. Cuando Mei, intentando llegar al hospital para ver a su madre, se extravía, Satsuki recurre a Totoro, el rey del bosque, para que le ayude a encontrar a su hermana pequeña.

Mi vecino Totoro se ha convertido en uno de los grandes clásicos del cine de animación realizado por el director que antaño participó en las legendarias series de Marco y Heidi. Miyazaki es el realizador de cine japonés más célebre de los últimos veinte años que, con un estilo cuidado y minucioso, unos personajes cargados de humanidad y su gran amor a la naturaleza, ha conquistado para sus obras el respeto y el reconocimiento de la comunidad cinematográfica internacional. Muestra de ello es el Oscar que tiene en su haber por El viaje de Chihiro, así como el privilegio de ser el único director que ha conseguido el Oso de Plata del Festival de Berlín con una película de animación.

ÁGORA

País: España. Dirección: Alejandro Amenábar. Intérpretes: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Sami Samir. Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Xavi Giménez. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 126 min. Público apropiado: Mayores de 16 años. Género: Drama Histórico. Contenidos: VS. Estreno: 09-10-2009.

Alejandro el maniqueo

La mítica ciudad de Alejandría a finales del siglo IV después de Cristo es un auténtico mosaico de culturas y religiones. También es un hervidero de tensiones políticas a causa de un Imperio (el romano) en decadencia. En medio de tanto vendaval social la escuela de Hipatia aparece como un remanso de paz en el que maestra y discípulos (de diversos credos y procedencias, aunque todos de clases altas) se dedican en cuerpo y alma al cultivo del saber.

Tras cuatro años, y un Óscar por Mar adentro, regresa a la gran pantalla l’enfant terrible del cine español: Alejandro Amenábar, y lo hace con otro filme polémico, como el anterior. Aunque es cierto que en Ágora ha suavizado un poco –sólo un poco– las formas; pero lo que no ha hecho este joven cineasta español, a pesar de sus declaraciones a la prensa, es abandonar su peculiar cruzada contra el cristianismo.

Para ello no duda en simplificar una época tan compleja como la relatada en Ágora, protagonizada por la también oscarizada Rachel Weisz, que interpreta su papel con una frialdad acorde con el tono general del filme, sobre todo en lo referente a la temática astronómica que resulta aburridísima.

Tampoco podía faltar en Ágora la habitual manipulación de los hechos a la que ya nos tiene acostumbrados Amenábar; pues si ya lo hizo con una historia reciente en Mar adentro, mucho más fácil le ha resultado tergiversar un pasado del que tenemos pocos datos y muchas leyendas.

(Permítanme, queridos lectores, una última maldad: ¿por qué no ha rodado Amenábar en griego y latín –después de Mel Gibson ya no es un imposible ni una pedantería– y así hacer más verosímil la historia? ¿Tal vez desconoce esos idiomas?, no sé, no sé...).

La mentiras de Ágora

Jesús Trillo en un artículo publicado en La Razón, destaca algunos hechos históricos deformados o manipulados descaradamente por Alejandro Amenábar en su último filme Ágora:

-Hipatia no fue asesinada siendo una joven tan hermosa como Rachel Weisz, de 38 años, sino que murió en el año 415 y tenía 61. No fue famosa por sus dotes de astronomía por más que en la película se empeñen terca y cansadamente, atribuyéndole haberse adelantado a Kepler más de mil años; sino porque era una “divina filósofa” platónica, en palabras del obispo cristiano Sinesio de Cirene –única fuente coetánea que se conserva sobre ella–, a la que llama en sus cartas “madre, hermana, maestra, benefactora mía”.

-Ella fue virgen hasta el final, pero vivió la castidad por un motivo que el filme silencia: Hipatia, coherente con su filosofía, ejercía la Sofrosine, es decir el dominio de uno mismo a través de las virtudes entendidas como el control de los instintos y las pasiones.

-Hipatia nunca fue directora de la Biblioteca de Alejandría, ni ésta fue destruida por los talibanes cristianos. La biblioteca fue incendiada por Julio César, saqueada junto con el resto de la ciudad por Aureliano en el año 273, y rematada por Diocleciano en 297. Es verdad que en el año 391 fue destruido lo que quedaba del templo del Serapeo después de la destrucción por los judíos en tiempos de Trajano, y también el repaso que le pegó Diocleciano, quien, para conmemorar la hazaña, puso allí su gran columna, razón por la cual los cristianos lo destruyeron, ya que él era el símbolo de las persecuciones que sufrieron durante trescientos años. El paganismo siguió existiendo en Alejandría hasta que llegaron los árabes. Y el neoplatonismo siguió floreciendo, hasta que lo recuperó el renacimiento cristiano. Por cierto, que yo sepa, su más brillante exponente se llamaba San Agustín, coetáneo de Hipatia.

-Una de las grandes mentiras de la historia que se quiere propagar es que la mujer fue libre en Grecia y en Roma hasta que llegó el cristianismo y la sometió la sujeción del hombre; a esta idea también contribuye la película. Lo cierto es que en Grecia la mujer era considerada una cosa más de la casa, y en Roma, no era una “sui iuris”, es decir, titular de derechos, sino que era considerada “capiti diminutio”, como un niño o un incapacitado y, por tanto, estaba sometida a la tutela o la “manus” del padre o del marido. Por el contrario, fue el cristianismo el que consideró al hombre y a la mujer iguales en naturaleza, pues ambos son hijos de Dios y hermanos en Cristo; y prueba de ello es que las primeras manifestaciones de mujeres libres autodeterminándose, pese a la voluntad de sus padres o del estado, fueron las primeras mártires cristianas víctimas de las persecuciones romanas, tales como Inés Ágata o Cecilia.

-Y es precisamente Cirilo quien más ha exaltado en la historia de la humanidad la condición femenina, pues a él se debe la expresión “Theotokos”, palabra griega que significa madre de Dios. El personaje del que hablamos, al que la película presenta con caracteres parecidos a Bin Laden, (…) efectivamente es San Cirilo de Alejandría. Cirilo consiguió que se convocase un concilio en Éfeso, puesto que era el lugar donde vivió sus últimos años la Virgen María, y logró que la Iglesia declarase el primer dogma mariano de la historia: María, Madre de Dios. Hasta aquel momento nadie en la historia había conseguido colocar a un ser humano mujer por encima de cualquier hombre.

EL SECRETO DE SUS OJOS

País: Argentina. Dirección: Juan José Campanella. Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino. Guión: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri. Música: Federico Jusid, Emilio Kauderer. Fotografía: Félix Monti. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 127 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 18 años. Género: Cine negro, Drama, Thriller. Estreno: 25-09-2009. Contenidos: VX.

La persistencia de los recuerdos

Benjamín Esposito es un funcionario de los juzgados de Buenos Aires que se acaba de jubilar. Para matar el tiempo libre y huir del vacío intenta escribir una novela sobre el pasado para así resolver sobre el papel dos hechos que le marcaron treinta años atrás, y que aún le siguen obsesionando: el caso de asesinato y violación de una joven maestra que se cerró sin un veredicto justo y su amor secreto hacia Irene, su antigua jefa.

El director de El hijo de la novia y El mismo amor, la misma lluvia, vuelve a la gran pantalla, después de haberse dedicado a la televisión en USA, con una historia ambientada a caballo entre la Argentina de los años setenta y la época actual. Se trata de un peculiar thriller, con toques de cine negro y románticos. El ritmo, salvo en algún momento de la segunda parte del filme, no decae y Campanella rueda con maestría, sobre todo esos primeros planos de los ojos que se repiten en momentos clave de la trama.

La interpretación de los actores también es notable, de gran naturalidad, tanto en el dúo Esposito (Darín)-Irene (Soledad Villamil), que rezuma emotividad y contención, como en el de Esposito con su compañero Sandoval, que provoca el mayor número de carcajadas de la película.

Como única objeción a este filme brillante que es El secreto de sus ojos recordar que Campanella vuelve a incidir en una constante de su cine: la ausencia de personajes con unos criterios morales claros y nítidos, y el recurso –esto tal vez sea nuevo en su cine– a dos breves escenas algo desagradables por su carácter explícito en cuanto a la violencia y el sexo. Es cierto que el argentino no se recrea en ellas, pero tal vez se podían haber rodado con más sutileza.