lunes, 3 de noviembre de 2008

BELLA






















País: EE.UU., México. Dirección: Alejandro Gómez Monteverde. Intérpretes: Eduardo Verástegui, Tammy Blanchard, Manny Perez, Ali Landry, Angélica Aragón, Jaime Tirelli, Ramón Rodriguez, Tawny Cypress, Sophie Nyweide.. Guión: Patrick Million, Leo Severino, Alejandro Gomez Monteverde. Música: John Reese. Fotografía: Andrew Cadelago. Duración: 91 min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Drama, Romántico. Estreno: 07-11-2008.

¡Qué bello es vivir!

José es un prestigioso futbolista mexicano con un futuro prometedor, pero un trágico suceso cambió su vida. Ahora trabaja en Nueva York, como chef en el restaurante de su hermano Manny. El negocio es prestigioso, pero José no ve con buenos ojos el tono de excesiva exigencia que su hermano ejerce con los empleados. Su paciencia llega a un límite cuando Manny despide a una de las camareras, Nina, por llegar tarde al trabajo. Ante el estupor de todos, José abandona la cocina y sale en búsqueda de Nina, la cual le confiesa que el motivo de sus retrasos es algo que acaba de descubrir y para lo que no está preparada: un embarazo.

Bella es una película sencilla, de bajo presupuesto pero con una gran carga de humanidad, y que afronta con valentía, pero sin estridencias ni beligerancia alguna, el drama del aborto en nuestra sociedad. Todo ello con una visión optimista de la existencia, fruto de la cultura de la vida, y abierta a la trascendencia. Una actitud vital que se propone con naturalidad y sin humillar al que piensa de modo diferente.

Bella es la primera película de Metanoia Films, una productora independiente fundada por Eduardo Verástegui (actor), Alejandro Monteverde (director, que también ha colaborado en el simpático cortometraje Historia de un letrero http://en.zappinternet.com/video/nilSqaMboM/HISTORIA-DE-UN-LET) y Leo Severino (productor), con el propósito de fomentar en el cine los valores positivos y la dignidad humana como un pilar básico de la sociedad. Por otra parte, también pretenden reivindicar la auténtica cara, costumbres y tradiciones de la comunidad Latina. Por eso Bella está basada en testimonios de inmigrantes que viven en Estados Unidos.

Bella se ha exhibido en 15 festivales y ha recibido galardones como el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto del 2006, el de mejor fotografía y mejor actor del MovieGuide en 2008 y el Premio Legacy del Instituto Smithsonian Latino Center, entre otros.

El aborto en el cine
En estos últimos años están proliferando largometrajes que abordan el conflicto que se le plantea a una mujer ante una situación de embarazo no deseado. De un modo más o menos explícito, estos filmes se cuestionan la temática del aborto como única salida a ese trance por el que pasa la protagonista. Y salvo algunas excepciones, todos apuestan por una salida creativa que beneficie a todos. Es el caso de películas como la citada Bella, Juno, Solas o incluso la aparentemente ambigua película rumana 4 meses, 3 semanas, 2 días, cuyas duras imágenes hacen reflexionar sobre las consecuencias, para la mujer y para el feto, de la decisión de abortar.

He citado, a propósito, películas de directores ideológicamente muy diversos (los hay tanto de izquierdas como de derechas, progresistas o conservadores, por emplear una terminología que detesto), pero que ofrecen la misma solución humana y creativa al dilema de la mujer embarazada. Con ello el séptimo arte nos enseña que la problemática del aborto no es una cuestión tan sólo de creencias o de posiciones políticas, sino de respeto a la ley natural y de soluciones constructivas.

Sí el cine hace esto, ¿por qué algunos políticos y médicos pretenden convencernos de lo contrario? Sólo se me ocurre una explicación: que el cine, y el arte en general, suele ser más sensible ante el misterio de la vida humana, y en cambio muchos dirigentes y científicos sucumben ante el poder (político, económico y científico) que les presta la tecnología disponible.

Nadie duda de que el dominio científico-técnico de lo real es necesario y conveniente. La calidad de nuestra vida ha mejorado gracias a ello. Hemos derrotado muchas enfermedades y poseemos un sinfín de artefactos que hacen más confortable nuestra vida. El peligro estriba en que confiemos sólo en las soluciones técnicas para resolver los problemas humanos. Recurrir al poder destructor de los instrumentos quirúrgicos es mucho más pobre e inhumano que ofrecer una salida positiva a la mujer que no encuentra soluciones para su problema. Todas las películas citadas ofrecen esa salida, baste citar tan solo la genial oferta de Zambrano en Solas: la sorprendente aparición de un abuelo adoptivo.

Y es que una sociedad hipertécnica como la nuestra corre el peligro de convertir a las cosas en categoría modélica para juzgar casi todo. Tal tendencia dominante pretende eliminar todo lo que no sea cosa, tanto en el pensamiento como en la conducta. Una de estas consecuencias, advertía Julián Marías, consiste en considerar al niño engendrado y concebi­do como una ‘cosa’, ‘un puñado de célu­las'. Olvidando de ese modo la comunicación incipiente que existe entre la madre embarazada y su hijo.

Igualmente, los partidarios de la cultura de la muerte, en su afán por borrar del diccionario social la noción de persona y hablar solo de individuo, también pretenden que ni siquiera veamos el cuer­po humano como algo personal, puesto que se puede ‘deci­dir’ sobre él, como si fuero un objeto de usar y tirar. Pero para los defensores de la cultura de la vida, el ser humano no tiene un cuerpo, sino que también es corpóreo, porque éste es un ámbito de manifestación de la persona y merece el mismo respeto que ella. Si debemos tratar a todo ser humano como un fin, también debemos hacerlo con su cuerpo, aunque éste se encuentre en fase de formación.

Conspiración del silencio y cultura de la muerte
Algunos dirigentes políticos, con la colaboración de ciertos medios de comunicación y ciertos colectivos minoritarios pero con mucha presencia mediática, no se conforman con eludir esa salida creativa para un embarazo imprevisto, sino que ocultan toda declaración que se mueva en contra de sus intereses de poder. Una estrategia que les deja el camino libre para difundir la cultura de la muerte.

En este sentido, el objetivismo informativo contribuye, a veces sin querer, a una conspiración de silencio. En ocasiones se sustituye la explicación de la noticia por el impacto visual, creando, al menos, una manipulación involuntaria de los hechos. En nuestros días se siente mucho y se reflexiona poco, lo que da lugar a la desorientación. Hay una especie de acceso visual instantáneo y universal a todo, pero sin espacio para el pensamiento. Resulta así una paradójica desproporción entre la razón científica y la razón ética: sabemos mucho sobre chismorreos y cotilleos de famosos, o sobre avances científicos y técnicos, pero muy poco sobre el sentido de la vida.

Parece que los medios solo dan cobertura a opiniones o posturas y no a razonamientos o argumentos. Se considera que todas las actitudes son iguales, o carecen de base y son la expresión de poderes ocultos. El objetivismo manipula la información omitiendo datos esenciales o enfatizando determinados aspectos y quitando importancia a otros. Por ejemplo, no se permite emitir en televisión un video sobre la realización de un aborto o una explicación real del mismo, para obtener el apoyo de la opinión pública con vistas a lograr –o ampliar– su aprobación legal.

La Psicología social habla de las presiones que determinados grupos de individuos ejercen sobre los demás generando el conformismo ante una supuesta opinión de la mayoría y demonizando a los que no piensan así (como la absurda polémica sobre las recientes declaraciones de la Reina de España sobre el aborto). Pero con el paso del tiempo se descubre que esa mayoría no era tal. Es de sobra conocido que, tanto en Francia como en USA, la campaña a favor de la legalización del aborto manejó cifras falsas. Lo reconocieron años más tarde el Instituto Na­cional de Estudios Demográficos y uno de los autores de la campaña, el doctor Nathanson.

jueves, 30 de octubre de 2008

RED DE MENTIRAS

Título original: Body of Lies. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Russell Crowe, Mark Strong, Golshifteh Farahani, Carice van Houten, Oscar Isaac. Guión: William Monahan. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: Alexander Witt. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 128 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Género: Drama, Thriller. Estreno: 07-11-2008.

Infiltrados en Oriente Medio

Ferris es un agente infiltrado de la CIA en Iraq, Jordania y donde le envíen su jefe, Ed Hoffman. A veces, se hace pasar por árabe, gracias a su barba y su dominio de la lengua de Arabia. Pero para localizar y atrapar a un dirigente islamista que ordena atentados en Europa necesita el apoyo de los servicios de inteligencia jordanos, cuyo jefe le exige como prueba de confianza poder acceder a toda la información que posea el americano. Pero su inmediato superior en la CIA no está dispuesto a desvelar todas sus cartas a los jordanos. Ferris se encuentra atrapado entre dos mundos.

Ridley Scott nos ofrece un filme que como ya sucedió con American Gangster y el mundo del narcotráfico, no ofrece nada nuevo sobre el gran problema del terrorismo internacional. Eso sí, el director de Blade Runner nos entrega un excelente producto comercial lleno de acción, explosiones, persecuciones, torturas y con unas interpretaciones notables y una excelente factura visual (su sello característico como director). Además, Red de mentiras, aunque cae en cierto pesimismo sobre la condición humana también denuncia las violaciones de los derechos humanos por parte de unos (algunos occidentales) y otros (algunos orientales).

viernes, 24 de octubre de 2008

TRANSSIBERIAN


















País: Alemania, España, Lituania, Reino Unido. Dirección: Brad Anderson. Intérpretes: Woody Harrelson, Emily Mortimer, Kate Mara, Eduardo Noriega, Thomas Kretschmann, Ben Kingsley, Etienne Chicot. Guión: Brad Anderson, Will Conroy. Música: Alfonso Vilallonga. Fotografía: Xavi Jiménez. Distribuye en Cine: Filmax. Duración: 111 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Género: Thriller. Estreno: 24-10-2008.

El tren de la droga

Un joven matrimonio americano visita China para ayudar a una ONG que recoge niños abandonados con el patrocinio de la iglesia a la que pertenece el marido (Roy). Para el regreso deciden utilizar el tren (El famoso Transiberiano) y así hacer algo de turismo y superar sus crisis conyugales. En el mítico ferrocarril ruso, Roy y Jessie conocen a otra pareja (Carlos y Abby) que vienen de Japón, donde han impartido clases de español, y aunque es una extraña pareja, con no muy buena pinta, al final hacen amistad con ellos. También viaja en ese tren el inspector de narcóticos Gringo, un hombre muy peculiar.

Transsiberian consigue mantener la intriga en varios momentos y tiene algunas escenas de acción aceptables, pero cae en lo desagradable y violento en varias ocasiones. La trama tiene unos giros poco creíbles, aunque pretendan sorprender al espectador, y Eduardo Noriega vuelva a interpretar un papel tosco, endeble y totalmente amoral. Sólo se salvan las interpretaciones de Emily Mortimer y Ben Kingsley.

jueves, 9 de octubre de 2008

CAMINO




País: España. Dirección: Javier Fesser. Intérpretes: Nerea Camacho, Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés, Pepe Ocio, Ana Gracia, Lola Casamayor, Jordi Dauder. Guión: Javier Fesser. Música: Rafael Arnau, Mario Gosálvez. Fotografía: Alex Catalán. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 143 min. Género: Drama. Publico apropiado: Adultos. Estreno: 17-10-2008.


Un cóctel explosivo
Javier Fesser asegura que se ha inspirado, para rodar Camino, en la vida de Alexia González-Barros, una muchacha que falleció con fama de santidad en 1985 tras una dolorosa enfermedad causada por un tumor maligno. El heroísmo, entereza y serenidad de la muchacha ante el dolor, y el gran número de devotos que suscitó (y sigue suscitando) su vida y su muerte, dieron lugar a que se iniciara el proceso canónico para su beatificación y canonización.
Sorprende el cambio de registro que esta película supone en la filmografía del autor, pues salvo uno de sus cortometrajes (Binta y la gran idea), todo su trabajo se mueve en el ámbito de la comedia y la parodia (El milagro de P. Tinto, La gran aventura de Mortadelo y Filemón). Tal vez por eso, cuando aborda un drama como Camino el resultado sea una película con un metraje desmesurado.
Alejado del género burlesco, del gag ingenioso, irreverente o sarcástico, Fesser pierde la frescura que le caracteriza a la hora de contar historias, sobre todo si se trata –como sucede en este caso– de relatos que requieren un poco más de seriedad y ponderación. Tal vez por eso tiene que recurrir cada dos por tres a parches (escenas demasiado largas, morbo en las escenas de quirófano o insertos de películas de animación como la Cenicienta) que disimulen la falta de ritmo de su guión. Sólo cabe destacar en Camino su buena factura visual y la actuación natural y encantadora de Nerea Camacho.
(Trailer Camino)
Fesser ha elaborado su relato cinematográfico a partir de frases tomadas de las biografías de Alexia publicadas en castellano.[1] En ese sentido, en la película aparecen escenas y diálogos literalmente copiados de estos libros, pero cambiados de contexto, con la intención de darles un significado radicalmente opuesto al original. Por citar un pequeño ejemplo: las enfermeras de la clínica universitaria de Pamplona trataban con gran cariño y simpatía a Alexia, le indicaban que las avisara cuanto sintiera dolor y que no tuviera reparo en quejarse de las molestias ocasionadas por el tratamiento. Pues Javier Fesser traslada estos diálogos a las enfermeras de una clínica madrileña, que en realidad fueron muy frías con la muchacha, y presenta como unas antipáticas a las profesionales de la clínica navarra.
(Alexia González-Barros)
La deformación de los familiares de Alexia también es patente. Su padre, Francisco, aparece en la película como un hombre pusilánime, lleno de dudas y que muere en un trágico accidente antes que su hija. Pero en realidad el padre de Alexia era una persona de fuertes convicciones cristianas, que sobrevivió a su hija, y tras la muerte de ésta pidió ser admitido como supernumerario en el Opus Dei.
La madre de Alexia, Ramona (Moncha) es, sin duda alguna, el personaje que peor trato recibe en Camino. Se la presenta como una especie de fanática religiosa, hábil manipuladora y sin otra ambición  que convencer con planteamientos pueriles a sus hijas. Sin embargo, Moncha era una mujer culta y amable, interesada en que sus hijos conociesen el mundo, aprendiesen idiomas y viviesen su libertad con responsabilidad. Por eso se preocupó de que recibiesen una adecuada formación humana y religiosa.
(Alexia con sus padres)
(Reportaje sobre el estreno del documental Alexia)
(Victoria Molins habla sobre Moncha)

Fesser tampoco es muy sutil a la hora de dibujar el retrato de la hermana de Alexia. La representa como una mujer débil, sin personalidad, manipulada por su madre, y que se incorpora al Opus Dei como numeraria a causa de un desengaño amoroso. Sin embargo, Mª José, la hermana de Alexia en la vida real, es una mujer con varios títulos universitarios, independiente y con una fuerte personalidad. Pidió la admisión como numeraria a los 22 años y, al enfermar su hermana, iniciaba su vida laboral después de terminar sus estudios en Farmacia y Antropología americana, en la Universidad Complutense de Madrid.

Otra de las estrategias que más chirrían en la película Camino es la alusión al “novio” de la protagonista. Camino está platónicamente enamorada de un chaval que se llama Jesús. Lo cual le permite al director de la película jugar con el nombre del adolescente y la figura de Jesús, el hijo de Dios, a quien la niña acude en sus conversaciones y en sus plegarias. Una vez más, nos encontramos, en este caso, con una verdad a medias. Como resulta natural, a Alexia le gustaba un niño que se llamaba Alfonso, al que conoció durante el verano de 1984 en Vall-Llobrega. Ella, como hacía con otros temas de su vida personal, se lo refirió a su madre. Y era tal la confianza entre las dos que, un día, su madre le regaló una pegatina con el texto: “I love Alfonso”. Al dársela, Alexia comentó ruborizada: “¡Qué cosas tienes, mamá!”.

Javier Fesser
 Wim Wenders

a)        Grandes maestros y pequeños burlones
Nuestro director no parece disponer de la cultura humanística de realizadores cinematográficos de la talla de Wim Wenders (no hace falta más que comparar la espantosa visión de los ángeles que nos ofrece el español, con la audaz y genial del alemán en Cielo sobre Berlín





o Richard Attenborough en su genial retrato del sentido cristiano del dolor en Tierras de penumbrabiopic sobre el escritor inglés C.S. Lewis. También se encuentra Fesser a años luz de ese canto a la vida y a la dignidad de la persona (incluso gravemente enferma) que es Despertares. El director de Camino, por el contrario, se encuentra más cerca de directores que exhiben una antropología precaria, de andar por casa, como le sucede, por ejemplo, a Ron Howard (El código Da Vinci).
 Despertares
Tierras de penumbra

(Dios nos cincela con el dolor. Escena de Tierras de penumbra)

(Tierras de penumbra. El dolor es parte de la felicidad)
Otra actitud ausente en Fesser es la de los grandes directores clásicos (Zinneman, Pasolini, Rossellini, Bergman, etc.) caracterizados por su respeto y comprensión (no identificación) hacia los personajes retratados por sus filmes, sobre todo si eran históricos (santos, o incluso el mismo Jesucristo) y el director no compartía sus creencias o incluso era ateo. Con citar unos pocos títulos, entre cientos, será suficiente: Francesco, juglar de Dios, El evangelio según san Mateo, El séptimo sello o Un hombre para la eternidad.
La óptica de Fesser se asemeja más a la de Ray Loriga en la fallida Teresa, el cuerpo de Cristo[2]. Una visión que no intenta comprender el fenómeno relatado sino adaptarlo y comprimirlo a su particular visión beligerante. Tales posturas reflejan lo que el director de cine ruso Andrei Tarkovski denunciaba en su ensayo Esculpir en el tiempo, cuando advertía que el “arte moderno ha entrado por un camino errado, porque en nombre de la mera autoafirmación ha abjurado de la búsqueda del sentido de la vida. Así, la llamada tarea creadora se convierte en una rara actividad de excéntricos, que buscan tan sólo la justificación del valor singular de su egocéntrica actividad”[3].
(Teresa de Jesús interpretada por Concha Velasco)
(Paz Vega en Teresa, el cuerpo de Cristo)

b)        Machismo progresista
Los dardos de Fesser apuntan innegablemente a las mujeres del Opus Dei. Casi todas las ironías y críticas se vierten sobre ellas. Da la impresión de que Fesser ha bebido en aguas demasiado turbias y no se ha preocupado por examinar la vida real de las mujeres de esa prelatura de la Iglesia Católica. Incluso se atreve a sostener que su película es una radiografía del Opus Dei, pero una radiografía, habría que matizar, hecha a despojos o esqueletos, no a un ser real, vivo y de carne y hueso.
Tampoco le parece relevante a Javier Fesser respetar la libertad de la mujer para elegir el tipo de vida que quiera. Tras el visionado de la película podría deducirse que sin el hombre la mujer no es nada. Y resulta cuanto menos curioso que el director de Camino no se atreva a señalar lo que Santa Teresa de Jesús decía con orgullo acerca de su condición y libertad de mujer célibe, una elección personal que le otorgó una independencia superior a la de muchas otras mujeres de su tiempo. Y aunque Fesser cite a la santa en la película, una vez más demuestra no comprenderla. Y junto a ella, muchas otras féminas que viviendo su celibato en la Iglesia han manifestado una autonomía y creatividad superior a la de otras damas de su época: es el caso de  Santa Hildegard Von Bingen, una intelectual de gran carácter, que influyó mucho en una época (siglo XII) en que la mujer tenía menos libertad de movimiento que en la actualidad. Se relacionó con Papas, obispos e incluso con el emperador Barbarroja. Fue escritora, teóloga, compositora, abadesa, médica, mística y profetisa[4].

(Visión película sobre santa Hildegard)
Y otro tanto sucede con la vida de las mujeres del Opus Dei (con la diferencia, respecto de las mujeres citadas anteriormente, de las condiciones de su vida en pleno siglo XX o XXI y el carácter secular o laical de su vocación cristiana al Opus Dei; no son religiosas o mujeres consagradas) que Fesser parece conocer sólo de oídas. Las supernumerarias son mujeres casadas que suelen conjugar su vida familiar con una exigente vida profesional. Y las numerarias auxiliares son mujeres célibes que trabajan en la administración doméstica de los centros del Opus Dei (tanto de hombres como de mujeres). Algunas numerarias también desempeñan esta tarea, aunque no de manera exclusiva, pues también ejercen, al igual que el resto de miembros de la Prelatura, cualquier tipo de trabajo profesional honrado.
Las numerarias auxiliares se dedican profesionalmente a estas tareas hogareñas, necesarias para que todos los centros del Opus Dei tengan ese ambiente de familia cristiana tan característico –pero no como empleadas en casa ajena, sino como madres o hermanas de familia en su propio hogar, aunque por su profesionalidad, se las pueda denominar, según las costumbres de cada país, empleadas del hogar, administradoras, etc.Esta labor para hacer más humanas y habitables las viviendas de los miembros del Opus Dei tiene su origen en el hogar de los Escrivá. Un ambiente de familia que, años después, el fundador trasladó a las casas de la Obra, como se refleja en el filme There be dragons.


(Dos historias con más de un punto en común Andrea Feehery, una numeraria auxiliar norteamericana)

En definitiva, se echa en falta en Fesser el rigor de John Allen[5] o de Vittorio Messori[6], que entrevistaron a muchas personas y vivieron en centros de la Obra durante su investigación, ofreciendo un testimonio creíble, que no excluye alguna crítica. Da la impresión de que Fesser se ha limitado a tomar como fuente de su relato unos pocos testimonios de gente más o menos resentida tras su contacto con la Obra: a eso se reduce su radiografía del Opus Dei[7].



























c)         Mr. Peebles y la verdad
Todos los reproches de Javier Fesser a la Iglesia y al Opus Dei tienen su raíz última en la postura intelectual de este cineasta madrileño[8]. Fesser se encuentra instalado en posturas filosóficas descartadas por gran parte de los pensadores de nuestros días (es el caso de Habermas, Vargas Llosa o Karl Popper, por citar unos pocos ejemplos de pensadores agnósticos abiertos al diálogo religioso), pero que todavía gozan de gran predicamento en ciertos sectores de la opinión pública: se trata de una gran desconfianza en la razón humana y en su capacidad para alcanzar la verdad. El pensamiento débil característico de la posmodernidad reniega de la fascinante tarea de encontrar (o más bien, de dejarse encontrar) por la verdad. Una actitud que impide el debate y el diálogo entre posturas diversas. El relativista se aferra empecinadamente a su postura, no con argumentos racionales, sino con la actitud del rival futbolístico: o tú o yo.
(Habermas y Ratzinger)

Por eso, para Fesser da lo mismo hablar de Mr. Peebles (el enano mágico de Camino), que de un gnomo, un hada o Dios. En el fondo, todo sería producto de nuestra imaginación, o de nuestros deseos de placer o de poder sublimados (es lo que insinúan las escenas surrealistas de la película, que pretenden descubrir un mundo imaginario en el que la protagonista vive feliz). Pero más bien habría que decir que nuestra psicología profunda es mucho más rica que todo lo que las escenas oníricas de Camino sugieren: porque está abierta a la infinitud de lo real. No sólo nos interesa dominar o disfrutar. También la verdad, el amor y la belleza mueven al hombre.

El psicologismo característico de la sociedad hiperindividualista parece no advertir que los deseos humanos remiten más allá de ellos mismos. No podemos reducir el misterio del hombre a lo que se encuentra en su inconsciente. Es necesario salir de ese reducido ámbito de nuestra psicología y advertir que la fuente que sacia nuestros anhelos está fuera de nosotros, tal y como lo descubrió Alexia en su vida real. De ahí que muchos psicólogos humanistas actuales (Viktor Frankl, Daniel Goleman, Oliver Sacks, Lou Marinoff o Enrique Rojas) hayan superado las deficiencias del psicoanálisis al reconocer que la madurez humana no se basa en el equilibrio obtenido por la satisfacción de los impulsos primarios (el célebre tópico: ¡comamos y bebamos que mañana moriremos!), sino en el esfuerzo por trascenderse, ir más allá de sí mismo y buscar un significado a la existencia.


Este sentido no es creado por la persona, más bien es algo o alguien que encuentra en su vida. Muchas veces son otras personas las que permiten que lleguemos a conocer el sentido de nuestra vida y superar una crisis vital que nos atenaza. Pero da la impresión de que a Fesser se le escapa que el amor, el trabajo creativo, la religión e incluso el sacrificio constituyen una serie de facetas antropológicas que confieren pleno significado a la vida humana.

d)        El supuesto ateísmo de Fesser
Javier Fesser es muy libre para alegar que no existe la verdad, o que no cree en ningún ser trascendente a este mundo. Lo que sí se le puede exigir es que sea consecuente con esas afirmaciones y no las esgrima como si fueran algo inocente y tan inocuo como cualquier otra opinión.
La verdad es que algunos ateos son muy hábiles en el juego de tirar la piedra y esconder la mano[9]. Por fortuna, algunos pensadores de nuestra historia más o menos reciente reconocen las consecuencias que acarrea para la vida humana la negación de Dios. “Si Dios no existiera, todo estaría permitido”, se afirma en la novela de Dostoievski Los hermanos Karamazov. La negación del Absoluto hace que todo se vuelva relativo.
A la misma conclusión llegan Nietzsche y Sartre. Estos autores irrumpen en el escenario de la historia de nuestra cultura como lúcidos delatores de las incongruencias de una ética basada en la negación de la existencia de Dios. Sirva de ejemplo el caso de Sartre:
“El existencialismo se opone decididamente a cierto tipo de moral laica que quisiera suprimir a Dios con el menor gasto posible.(...) El existencialista, por el contrario, piensa que es muy incómodo que Dios no exista, porque con él desaparece toda posibilidad de encontrar valores en un cielo inteligible; ya no se puede tener el bien a priori, porque no hay más conciencia infinita y perfecta para pensarlo; no está escrito en ninguna parte que el bien exista, que haya que ser honrado, que no haya que mentir.”[10]
        La única norma que regiría las conductas sería la voluntad del más fuerte: llámese ciencia, opinión pública o política. Por eso la muerte de Dios anunciada por Nietzsche, dio lugar a la muerte del hombre anunciada por los filósofos estructuralistas y llevada a cabo en los genocidios nazis y soviéticos. El siglo XX tal vez pase a la historia como uno de los más crueles que haya habido nunca. Y los inicios del XXI no están siendo muy halagadores al respecto.


El nihilismo ateo (a veces disfrazado de verborrea religiosa o nacionalista) y el subjetivismo, producen conductas como la del terrorista que disimula su horrenda masacre con la sofística afirmación de que actúa en nombre de Dios o de la nación. El miembro suicida de una secta cree que está haciendo un acto meritorio para llegar al más allá, cuando nadie es dueño absoluto de su propio cuerpo. También el defensor de la eutanasia cae en el subjetivismo cuando opina que el enfermo terminal ya no puede encontrar un sentido para su vida.


        Si Dios no existiera –algo de lo que Fesser pretende convencernos con su filme– nuestros derechos serían muy precarios, por no decir inexistentes. Llegados a este punto conviene no olvidar que Camino, en último término, no es una película contra el Opus Dei, sino más bien una cinta opuesta a la noción de Dios y a la visión cristiana de la vida, el amor, el sufrimiento y la muerte. Por todo ello, es necesario recordar lo que se deriva de una antropología atea: que el ser humano más débil (no nacido, anciano o enfermo terminal) acaba dependiendo siempre de la decisión de los demás para conquistar su derecho a existir. Es algo que empieza a ser habitual en la coyuntura presente, en la que cierta parte de la sociedad, y algunos parlamentos, han asumido el papel de la divinidad. Pero nuestro mundo no tendrá la suficiente fuerza moral para salir del infierno iniciado en el siglo pasado –y llegar a respetar el valor incondicional de toda vida humana– mientras no se reconozca que el fundamento último de esa vida es un ser personal absoluto y trascendente: Dios.



[1]Alexia, experiencia de amor y dolor vivida por una adolescente, de Mª Victoria Molins, una religiosa del colegio donde estudió la niña; Alexia: alegría y heroísmo en la enfermedad, de Miguel Ángel Monge, capellán de la clínica universitaria de Pamplona; y Un regalo del cielo, del filósofo y crítico de cine Pedro Antonio Urbina. Además de estas biografías, recomendamos visitar su web www.alexiagb.org, y el artículo de Ninfa Watt, teresiana y crítica de cine: “Camino, de Javier Fesser, y la verdadera historia de Alexia”; www.zenit.org.

[2] Este filme, protagonizado por Paz Vega, pretende ser una biografía revisada de la santa de Ávila. Su director y guionista, el escritor Ray Loriga, aborda la figura de una mujer emblemática para la historia de España y del cristianismo. Loriga afirma que ha leído todos los escritos de Santa Teresa, pero viendo el filme da la impresión de que el director está contando la historia de otra persona. La película arranca con un prólogo en el que reduce el siglo XVI a la Inquisición y a unas imágenes de orgías que no vienen demasiado a cuento. De ahí nos traslada a una Teresa de Cepeda y Ahumada coqueteando de modo lascivo con un joven caballero. Pero como lo suyo no son los amores del mundo ingresa en un convento carmelita. A partir de este momento, la película parece acercarse más fidedignamente a la historia de la santa. Pero para no hacernos ilusiones, se nos presentan una serie de escenas de gran calidad visual que representan las experiencias místicas de santa Teresa en clave erótica –el dogma que parece querer imponernos cierto cine actual: no hay vida posible sin sexo. Volviendo a dar otro giro radical, la película, después del cóctel descrito, quiere mostrarnos los deseos de santidad y unión con Cristo, que llevarán a la santa de Ávila a reformar la orden del Carmelo. En la realización de Teresa, el cuerpo de Cristo, ha trabajado lo mejor del cine español, tanto desde el punto de vista técnico como artístico. Y el resultado podría haber sido algo innovador e interesante. Sin embargo, el saldo final es una película que no interesa a nadie: pues ofende a los católicos y a los que admiran a santa Teresa como escritora y renovadora de la lengua castellana, y deja indiferentes a los que son ajenos al mundo de la experiencia religiosa. Y una prueba de ello fueron los pobres resultados de taquilla obtenidos por el filme. Algo que se podría haber resuelto sometiendo la película a pases previos con diferentes tipos de público, que hubieran aportado sugerencias para el montaje definitivo. Se trata de los famosos preview habituales en el cine americano, pero no en el español, que es muy celoso de la autoría personal y ve como censura cualquier sugerencia para modificar una película. En definitiva, esta producción no llega a la altura de la serie televisiva Teresa de Jesús, dirigida por Josefina Molina y protagonizada por Concha Velasco, o al interés que despierta la cinta experimental realizada por Rafael Gordon, a modo de entrevista televisiva, Teresa, Teresa, protagonizada por Isabel Ordaz.
[3] Tarkovski, A., Esculpir en el tiempo. Rialp. Madrid, 2000, p. 62
[4] Es tal vez  menos conocida que otras santas doctoras de la Iglesia como Teresa de Jesús y Catalina de Siena. Pero recientemente se ha hablado más de ella gracias a la película Visión (2009), de la directora y guionista también alemana Margarethe von Trotta. El papa Benedicto XVI le ha dedicado varios discursos en los últimos años y ha anunciado su decisión de otorgar a esta santa el título de Doctora de la Iglesia.
[5] Opus Dei: una visión objetiva de la realidad y los mitos de la fuerza más polémica dentro de la Iglesia católica. Editorial Planeta. Barcelona, 2006.
[6] Opus Dei: una investigación. Ediciones Internacionales Universitarias, Madrid, 1997.

[7] “En el Opus Dei es fundamental que cada uno se convierta a diario y sepa pedir perdón con humildad a Dios y a aquellos a quienes ha podido herir u ofender”. (Entrevista con el prelado del Opus Dei, Monseñor Javier Echevarría, realizada por Francesco Ognibene. Avvenire (Milán). 07-07-2001). “Es cierto que los fieles del Opus Dei viven su entrega a Dios con plena libertad, y que esa entrega les ayuda a experimentar la felicidad, una felicidad relativa dentro de lo que es posible en este mundo. Por eso, la inmensa mayoría de los hombres y mujeres que se acercan a los centros de la Obra guardan afecto de por vida. Pero no siempre es así, y no me parece negativo, al contrario, que un libro como el de John L. Allen se haga eco de esos casos que considero excepcionales. Cuando el autor preguntó al Prelado por esta cuestión, monseñor Echevarría dijo que a las personas que no se han sentido bien tratadas, les pedimos perdón de todo corazón.” (Entrevista a Marc Carroggio, responsable internacional de la Oficina de prensa del Opus Dei en Roma, publicada por la agencia Zenit. 2005/12/22; http://www.opusdei.org).

[8] Ante la tibia respuesta del público a su película, Javier Fesser, a la semana del estreno, se lanzó desesperadamente a provocar una campaña de ruido mediático arremetiendo contra la familia de Alexia y contra el Opus Dei, responsabilizándoles del fracaso comercial de Camino. Pero no sirvió de nada, los números del box-office son implacables y la recaudación de la película fue bastante modesta. Tras el fracaso de esta estrategia, el productor de la película, Jaume Roures, desplegó todo su aparato de influencias, y su lobby empezó a moverse para hacer campaña ente los miembros de la Academia del cine español –de cara a la ceremonia de los Premios Goya de ese año. Y esta vez la jugada la salió bien, sus amigos (o más bien súbditos de su holding audiovisual) gratificaron con creces a Camino (seis premios), pero la taquilla, el público, que no se mueve por amiguismos ni prebendas, siguió sin responder, y Camino pasó por la gran pantalla con más pena que gloria. Sólo obtuvo más repercusión tras su emisión en TVE, con más de tres millones de espectadores.
[9] En sus entrevistas con la prensa, Javier Fesser declaró que: “siempre he tratado de dialogar con aquél que ha intentado entender la película”. Eso sí, como todo relativista, desplegó una doble estrategia: de cara a la galería exhibe un talante abierto, pero de puertas para adentro se cree en posesión de la única interpretación válida de fenómenos que apenas conoce: la vida de Alexia, y por supuesto, el Opus Dei, aunque nunca haya visitado un centro de la Obra, pues ni siquiera está al tanto –como se puede apreciar en la película– de algo tan básico como su estilo de mobiliario o cómo se desarrolla una comida en una casa del Opus Dei. Y prosiguiendo con su táctica sibilina no teme contradecirse, por eso a la vez que asegura que le “irrita el hecho de que una institución básicamente dañina se llame la obra de Dios”, confiesa, tras recibir el Goya, que “estoy aquí por mis padres que me han criado con amor, cariño y buen humor”; pero sin desvelar a sus oyentes que sus padres son cristianos y tienen alguna relación con el Opus Dei.
[10] El existencialismo es un humanismo. Edhasa, Barcelona 1992.

sábado, 13 de septiembre de 2008

EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS



Título original: The Boy in the Striped Pyjamas. País: EE.UU., Reino Unido. Dirección: Mark Herman. Intérpretes: Vera Farmiga, David Thewlis, Rupert Friend, Jim Norton, Sheila Hancock, Asa Butterfield, Jack Scanlon, Cara Horgan. Guión: Mark Herman. Música: James Horner. Fotografía: Benoît Delhomme. Distribuye en Cine: Walt Disney. Género: Drama. Público adecuado: Jóvenes. Estreno: 26-09-2008

El horror visto por un niño


¿Qué pasaría si el hijo del comandante jefe de Auschwitz se hiciera amigo de un niño judío prisionero en ese horrible campo de concentración? Esta es la premisa dramática de la película que adapta el bestseller del mismo título escrito por John Boyne.

Bruno, es un niño alemán de ocho años ajeno a los horrores de la Segunda Guerra mundial, en los cuales participa su padre como oficial de las temidas SS. Pero su felicidad infantil se ve truncada cuando la familia debe abandonar su preciosa casa de Berlín para trasladarse a un lúgubre caserón del campo, un traslado que Bruno no entiende, pues le priva de sus amigos y le somete a una monótona existencia. Todo cambia cuando un día conoce a Schmuel, un muchacho de su misma edad, pero desnutrido y sucio, y que viste un extraño pijama de rayas con un número en el pecho.

Cuando parecía que ya no se podían contar más historias sobre el Holocausto provocado por los nazis, aparece esta sencilla historia que no aporta nada nuevo a lo ya sabido por los libros o las múltiples películas sobre el tema. ¿Qué es pues lo original de El niño con el pijama de rayas? El punto de vista infantil. Una perspectiva que la novela nunca abandona, pero la película se permite hacerlo en algunas breves ocasiones. De todos modos, la versión cinematográfica agradará a los que leyeron la breve novela, y sorprenderá a los que descocían el emotivo y duro relato.

viernes, 1 de agosto de 2008

EL CABALLERO OSCURO




















País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Intérpretes: Christian Bale, Michael Caine, Heath Ledger, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Morgan Freeman, Aaron Eckhart. Guión: Jonathan Nolan, Christopher Nolan. Música: James Newton Howard, Hans Zimmer. Fotografía: Wally Pfister. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 152 min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Thriller, Acción, Cómic. Estreno: 13-08-2008.


Acción con fondo

La ciudad de Gotham sigue dominada por la corrupción (incluso en la fiscalía y el cuerpo policial) y la Mafia que maneja casi todo el dinero de la zona (a excepción de la fortuna de Bruce Wayne, alias Batman). Con la llegada de un nuevo fiscal, Dent, del jefe de policía Gordon, y del eficaz ayuda del hombre de negro, parece que todo la ciudad volverá a ver la luz. Sin embargo, la aparición de un siniestro personaje que tiene su cara pintada como si fuera un payaso, Joker, dará al traste con esas esperanzas.

El caballero oscuro es una secuela magistral, algo que no suele ser muy corriente, con un guión casi perfecto, un ritmo trepidante y que no decae en ningún momento, unos efectos especiales que muestran una Gotham real (y no de cartón piedra digital), y una interpretación excelente de todo el sensacional reparto, pero sobre todo la del malogrado Ledger, que interpreta al Joker.

El caballero oscuro no decepciona ni a los incondicionales del género, ni a los que pedimos al cine algo más que puñetazos y persecuciones. Los personajes no son nada tópicos y lo conflictos son muy interesantes. ¿Qué ocurrirá con Bruce y su antigua novia? ¿Debe un superhéroe tener mujer o no? ¿Qué precio debe pagar alguien para poder salvar a otros?

Junto a todo esto, El caballero oscuro hace una esperanzadora defensa de la bondad humana y su capacidad de redención.


La tarea del héroe frente al mal

Toda la espectacularidad visual de El caballero oscuro esconde una reflexión sobre la violencia y sus consecuencias, a la vez que propone un discurso pacifista. En él se nos plantea la creatividad y la entrega del héroe que carga o asume el mal de los demás para eliminarlo, como fuerza que supera el odio.
Algunos filmes muestran violencia explícita y otros no, lo definitivo reside en la actitud que provocan en el público (creativa o no) y el mensaje conceptual que aportan. Por un lado, la excesiva inmediatez en el tratamiento del mal nos abruma y paraliza. Se trata de películas que dejan sin respuesta al espectador y le sumen en la desesperación. Pueden provocar en el público, sobre todo si es emotivamente frágil, efectos negativos; además, tales filmes muestran un pesimismo radical sobre la condición humana.

Por el contrario, las que provocan una actitud de encuentro, que conjuga inmediatez y distancia ante el misterio del mal, como es el caso de El caballero oscuro, producen una catarsis en el espectador que le permite ver con luces nuevas el enigma del dolor y darle un sentido. Estas películas pueden ser duras, pero también esperanzadoras y optimistas.




CINTURÓN ROJO


País: EE.UU. Dirección: David Mamet. Intérpretes: Chiwetel Ejiofor, Tim Allen, Alice Braga, Emily Mortimer, Joe Mantegna, Rebecca Pidgeon. Guión: David Mamet. Música: Stephen Endelman. Fotografía: Robert Elswit. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 99 min. Género: Acción. Estreno: 08-08-2008.


Artes marciales, cine y ética

Mike Terry es un experto de jiu-jitsu, pero no quiere participar en competiciones oficiales y se limita a regentar una academia para ofrecer su experiencia en artes marciales a policías y guardaespaldas. Pero un día salva a un hombre de ser apaleado en un local de copas, y resulta que el individuo en cuestión es una estrella del cine que, en gratitud a su salvador, le ofrece colaborar en una de sus películas. Pero tras el ofrecimiento aparecerán una serie de turbios personajes sin escrúpulos que chocan con la integridad de Mike.

David Mamet es uno de los mejores guionistas de Hollywood y en algunas de sus películas (El caso Winslow, State and Main) arremete contra las inmoralidades del mundillo cinematográfico o de otras instituciones públicas. En Cinturón rojo aborda el mismo tema pero desde la óptica del boxeo y las artes marciales, como ya se hiciera en Million Dollar Baby o en Cinderella Man.

A pesar de esto el estilo cinematográfico de Mamet es muy diverso al de las películas citadas. Su punto fuerte son los personajes y los diálogos (no en vano procede el mundo teatral) y el sentido del honor, que recuerda a filmes japoneses clásicos como Los siete samuráis, pero en versión americana actual.


Necesidad de la Ética profesional

Parece que está de moda hablar sobre deontología profesional. Incluso el buen gusto se plantea como categoría no sólo estética, sino también ética. Sin embargo no basta con el buen gusto para que un trabajo creativo sea moralmente aceptable. A pesar de todo, el buen gusto puede ser el reflejo de una postura ética, que ha sido definida como el arte de la buena vida; ¿y en qué consiste esa vida ideal? La respuesta nos la ofrece la propia ética, un saber práctico que nos orienta en la búsqueda de esa meta.

Ética y creatividad

Se puede decir que la ética es una experiencia y un arte. Y como todo arte, está vinculada a la creatividad. ¿Qué creatividad? La que persigue descubrir cuál es la conducta digna, la mejor posible para el bien de la persona, y el esfuerzo por realizarla –como la decisión final de Rick Blaine en Casablanca–. Y como el arte, no busca dominar o utilizar, tan sólo busca descubrir el esplendor del bien y realizarlo en la vida.

La ética, antes que una teoría, es una experiencia, algo que se descubre en lo ordinario y se incorpora al vivir cotidiano. Pero también es una ciencia, un saber de tipo práctico que analiza la acción humana desde el punto de vista del bien y del mal, o dicho de otro modo, de lo que perfecciona o daña a la dignidad de la persona. Es la ciencia del deber ser, por tanto presupone el apoyo de otras ciencias que estudian el ser del hombre, como la antropología o la epistemología. Estas ciencias nos aportan conceptos básicos para la ética, como son: verdad, persona, fin y dignidad. También se distingue de cualquier técnica, pues se trata de conocimientos que buscan medios, no fines. La ética, en cambio, no se limita a describir o cuantificar actos, o a calcular los medios para ser más eficaz, sino a valorar tanto los actos humanos como los fines y los medios.

Honor versus utilidad

Hablar de ética equivale a reconocer que algunas actitudes enriquecen a la persona y otras le hacen daño, tanto a escala individual como social. Precisamente la alarma ética surge cuando se descubre, como hace Mike en Cinturón rojo, que algo nos impide alcanzar la finalidad propia de la persona: la felicidad y plenitud a que aspiramos. Y también cuando en el trabajo profesional se advierten conductas que dañan bienes de gran valor. Y hay algo que nos disgusta, aunque sólo sepamos intuirlo de un modo confuso, pues resulta más creativo respetar a la persona y tratarla como tal que reducirla a un medio para conseguir más audiencia, como ocurre con los combates que organizan algunos personajes de la película Cinturón rojo.

La ética profesional es precisamente la voz de la conciencia en la profesión; la ayuda fundamental para unificar la creatividad estética con la creatividad ética. Cuando existe una buena educación de la sensibilidad moral es más fácil identificar qué programas, anuncios o películas están mal porque nos dañan a nosotros y dañan a los otros. Constituye, sin más, la sabiduría práctica para ser creativos haciendo el bien.

Precisamente, quizá el mayor problema ético que detecta David Mamet en la sociedad actual proceda de poner la utilidad en primer lugar: otorgar tanta prioridad a la obtención de resultados que cualquier otra consideración caiga en el olvido. Porque si lo único que se busca es el aumento de audiencia, con frecuencia la ética no es el camino más corto. Sin embargo, para entender el discurso ético hay que situar la utilidad es su lugar, y supeditarla al bien. La ética está por encima de la utilidad; busca el bien, personal y social. Por eso el comportamiento ético siempre compensa a largo plazo: como refleja la emotiva escena final, que da título al filme, de Mike y su maestro en el cuadrilátero.



VENGANZA



País: Francia. Dirección: Pierre Morel. Intérpretes: Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen. Guión: Luc Besson, Robert Mark Kamen. Música: Nathaniel Mechaly. Fotografía: Michel Abramowicz. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 93 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Género: Acción, Thriller. Estreno: 08-08-2008.


Represalia contra el tráfico de mujeres

Liam Neeson, protagonista indiscutible de Venganza, interpreta a un espía americano retirado, y separado de su mujer, que debe volver a la acción cuando su hija es secuestrada durante un viaje a París. Ante la ineficacia de los servicios policiales, y movido por su amor de padre agraviado, se embarca en solitario en una arriesgada aventura para salvar a su hija. Una vez en París descubre que los captores son una banda de traficantes albaneses que se dedica a la venta de mujeres. Y averigua con horror que pretenden entregar a su joven hija como concubina para un sultán.


Venganza es una película de acción trepidante (no parece francesa), y con grandes dosis de violencia. Algunas secuencias de persecución son espectaculares, y otras algo increíbles. Pero además, el filme supone la recuperación del actor inglés para un papel protagonista.


A pesar del género, la película suscita la reflexión sobre el sucio negocio que convierte a las mujeres en pura mercancía. Una sociedad que no trata de impedir a toda costa la conversión de la mujer en objeto no está luchando en serio contra la violencia doméstica.

Sería de agradecer que nuestra ministra de Igualdad (Bibiana Aído) promoviera campañas para evitar que la televisión o la publicidad contribuyan a esa degradación de la mujer que la reduce a objeto posesivo, y de placer, para la mirada masculina.

Violencia contra la mujer


Un tema de rabiosa actualidad. Desgraciadamente, casi todas las semanas oímos alguna noticia trágica sobre un nuevo caso de violencia doméstica. Se trata de un terrible problema que tiene múltiples causas. Al hilo de la trama de fondo de Venganza, queremos centrarnos en el papel que desempeñan los medios audiovisuales en esta cuestión.

Es de sobra conocido el papel configurador de la sociedad que tienen los medios. La imagen de la mujer creada por el cine y la televisión puede tener una función relevante en este grave asunto. Así se entiende que el Instituto Oficial de Radio y Televisión (IORTV) publicara en el año 2002 un informe titulado Mujer, violencia y medios de comunicación. En dicho informe se realiza un análisis de las causas de la violencia doméstica y se proponen una serie de principios deontológicos sobre su tratamiento en los medios audiovisuales.

Un informe del IORTV


Si se desea acabar con la lacra de la violencia de género será conveniente eliminar de los medios audiovisuales los modelos femeninos que lesionen su dignidad:

“Las imágenes negativas, violentas o degradantes de la mujer, incluida la pornografía, y sus descripciones estereotipadas han aumentado en diferentes formas, recurriendo a nuevas tecnologías de la información en algunos casos, y los prejuicios contra la mujer siguen existiendo en los medios de difusión”. (Informe del Comité Especial Plenario del vigésimo tercer período extraordinario de sesiones de la Asamblea General. 2000. Naciones Unidas (ONU), p. 19)

El desnudo femenino se incrementó desde el 2% en los anuncios de las revistas en 1983, hasta el 6% en las de 1993. Pero el informe del IORTV sobre Mujer, violencia y medios de comunicación considera que no se debe confundir el morbo con el interés social. La imagen no lo es todo, se puede recurrir a la elipsis, a los recursos del lenguaje cinematográfico para que la imagen no adquiera un valor documental y se respete la dignidad de los actores.

Asimismo, la reconstrucción de los hechos que abunda en detalles escabrosos no ayuda a identificar el problema y sólo provoca el morbo o la conmiseración hacia la víctima. Es de agradecer que el filme Venganza, en general, siga las pautas del IORTV en su puesta en escena evitando caer en el morbo.

El documento del IORTV también recomienda que los medios de comunicación desarrollen buenas prácticas en este tema, y para ello deben evitar la utilización gratuita y deliberada del cuerpo de las mujeres como reclamo informativo, para aumentar los beneficios empresariales o para complacer la mirada masculina. Hay que hacer lo posible por evitar esos estereotipos.

Si se desea acabar con la lacra de la violencia doméstica será conveniente eliminar, de los medios audiovisuales, los modelos femeninos que lesionen la dignidad de la mujer, al convertirla en mero objeto de posesión o de placer del varón.