sábado, 7 de noviembre de 2009

KATYN


País: Polonia. Dirección: Andrzej Wajda. Intérpretes: Artur Zmijewski, Maja Ostaszewska, Andrzej Chyra. Guión: Andrzej Mularczyk, Wladyslaw Pasikowski, Andrzej Wajda. Música: Krzysztof Penderecki. Fotografía: Pawel Edelman. Distribuye en Cine: Karma Films. Duración: 118 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama Histórico. Estreno: 09-10-2009. Contenidos: V.


La "otra" memoria histórica

En 1940 más de 20.000 oficiales del ejército polaco, entre los que también había ingenieros, intelectuales y clérigos, fueron vilmente asesinados (tiro en la nuca) por los rusos y enterrados en una fosa común en los bosques de Katyn. Mientras tanto, los familiares desconocían el trágico destino de los suyos, hasta el descubrimiento de los cadáveres en 1943. Los comunistas, haciendo gala de su eficaz estrategia manipuladora, atribuyeron el crimen a los alemanes, y esta obscena falacia se mantuvo durante mucho tiempo en el régimen de silencio impuesto por la dictadura marxista en Polonia.

Casi setenta años después, el veterano realizador polaco Andrzej Wajda pone a salvo la memoria histórica de su país –y también la personal, pues su padre fue unos de los ejecutados– al relatar con valentía este negro suceso de la historia europea. Y lo hace con una sobriedad y elegancia encomiables. Cabe destacar la fortaleza de sus personajes femeninos, sobre los que pivota casi toda la trama, y la profunda fe y esperanza de unos protagonistas enmarcados en un bello y dramático relato coral.

Katyn se estrenó en España a la vez que Ágora pero no contó con un equivalente despliegue publicitario, tal vez porque representa el reverso o la otra cara de la moneda de lo que pretende vendernos Amenábar con su filme. En Katyn se muestra como una nación de profundas raíces católicas es aplastada tanto por el ateísmo marxista como por esa ola neopagana que fue el nacionalsocialismo alemán.

Katyn es un tipo de filme que requiere un coraje del que Amenábar carece. Si es verdad, como no se cansa de repetir, que su intención con Ágora era criticar los fundamentalismos, ¿por qué arremete contra los que casi siempre han sido a lo largo de la historia víctimas y muy pocas veces verdugos? Tal vez porque tiene la certeza de que saben perdonar y no iniciarán contra él ningún tipo de persecución.

viernes, 23 de octubre de 2009

MI VECINO TOTORO













Año de producción: 1988. País: Japón. Dirección y Guión: Hayao Miyazaki. Música: Joe Hisaishi. Distribuye en Cine: Aurum. Duración: 86 min. Público apropiado: Recomendada para todos los públicos. Género: Animación. Estreno: 30-10-2009. Título original: Tonari no Totoro.

Gente buena

Vuelve a la gran pantalla, veinte años después de su estreno, otra deliciosa película del maestro nipón Hayao Miyazaki. Mi vecino Totoro cuenta la historia de dos niñas, Satsuki y Mei, que se han trasladado al campo a vivir con su padre en una misteriosa casa abandonada, mientras su madre se recupera de una grave enfermedad en un hospital de la zona. En el bosque cercano, Satsuki y Mei descubren la existencia de seres extraordinarios, los espíritus del bosque, que sólo pueden ser vistos por personas de corazón puro. Cuando Mei, intentando llegar al hospital para ver a su madre, se extravía, Satsuki recurre a Totoro, el rey del bosque, para que le ayude a encontrar a su hermana pequeña.

Mi vecino Totoro se ha convertido en uno de los grandes clásicos del cine de animación realizado por el director que antaño participó en las legendarias series de Marco y Heidi. Miyazaki es el realizador de cine japonés más célebre de los últimos veinte años que, con un estilo cuidado y minucioso, unos personajes cargados de humanidad y su gran amor a la naturaleza, ha conquistado para sus obras el respeto y el reconocimiento de la comunidad cinematográfica internacional. Muestra de ello es el Oscar que tiene en su haber por El viaje de Chihiro, así como el privilegio de ser el único director que ha conseguido el Oso de Plata del Festival de Berlín con una película de animación.

miércoles, 7 de octubre de 2009

ÁGORA

País: España. Dirección: Alejandro Amenábar. Intérpretes: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Sami Samir. Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Xavi Giménez. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 126 min. Público apropiado: Mayores de 16 años. Género: Drama Histórico. Contenidos: VS. Estreno: 09-10-2009.

Alejandro el maniqueo

La mítica ciudad de Alejandría a finales del siglo IV después de Cristo es un auténtico mosaico de culturas y religiones. También es un hervidero de tensiones políticas a causa de un Imperio (el romano) en decadencia. En medio de tanto vendaval social la escuela de Hipatia aparece como un remanso de paz en el que maestra y discípulos (de diversos credos y procedencias, aunque todos de clases altas) se dedican en cuerpo y alma al cultivo del saber.

Tras cuatro años, y un Óscar por Mar adentro, regresa a la gran pantalla l’enfant terrible del cine español: Alejandro Amenábar, y lo hace con otro filme polémico, como el anterior. Aunque es cierto que en Ágora ha suavizado un poco –sólo un poco– las formas; pero lo que no ha hecho este joven cineasta español, a pesar de sus declaraciones a la prensa, es abandonar su peculiar cruzada contra el cristianismo.

Para ello no duda en simplificar una época tan compleja como la relatada en Ágora, protagonizada por la también oscarizada Rachel Weisz, que interpreta su papel con una frialdad acorde con el tono general del filme, sobre todo en lo referente a la temática astronómica que resulta aburridísima.

Tampoco podía faltar en Ágora la habitual manipulación de los hechos a la que ya nos tiene acostumbrados Amenábar; pues si ya lo hizo con una historia reciente en Mar adentro, mucho más fácil le ha resultado tergiversar un pasado del que tenemos pocos datos y muchas leyendas.

(Permítanme, queridos lectores, una última maldad: ¿por qué no ha rodado Amenábar en griego y latín –después de Mel Gibson ya no es un imposible ni una pedantería– y así hacer más verosímil la historia? ¿Tal vez desconoce esos idiomas?, no sé, no sé...).
La mentiras de Ágora

Jesús Trillo en un artículo publicado en La Razón, destaca algunos hechos históricos deformados o manipulados descaradamente por Alejandro Amenábar en su último filme Ágora:

-Hipatia no fue asesinada siendo una joven tan hermosa como Rachel Weisz, de 38 años, sino que murió en el año 415 y tenía 61. No fue famosa por sus dotes de astronomía por más que en la película se empeñen terca y cansadamente, atribuyéndole haberse adelantado a Kepler más de mil años; sino porque era una “divina filósofa” platónica, en palabras del obispo cristiano Sinesio de Cirene –única fuente coetánea que se conserva sobre ella–, a la que llama en sus cartas “madre, hermana, maestra, benefactora mía”.

-Ella fue virgen hasta el final, pero vivió la castidad por un motivo que el filme silencia: Hipatia, coherente con su filosofía, ejercía la Sofrosine, es decir el dominio de uno mismo a través de las virtudes entendidas como el control de los instintos y las pasiones.

-Hipatia nunca fue directora de la Biblioteca de Alejandría, ni ésta fue destruida por los talibanes cristianos. La biblioteca fue incendiada por Julio César, saqueada junto con el resto de la ciudad por Aureliano en el año 273, y rematada por Diocleciano en 297. Es verdad que en el año 391 fue destruido lo que quedaba del templo del Serapeo después de la destrucción por los judíos en tiempos de Trajano, y también el repaso que le pegó Diocleciano, quien, para conmemorar la hazaña, puso allí su gran columna, razón por la cual los cristianos lo destruyeron, ya que él era el símbolo de las persecuciones que sufrieron durante trescientos años. El paganismo siguió existiendo en Alejandría hasta que llegaron los árabes. Y el neoplatonismo siguió floreciendo, hasta que lo recuperó el renacimiento cristiano. Por cierto, que yo sepa, su más brillante exponente se llamaba San Agustín, coetáneo de Hipatia.

-Una de las grandes mentiras de la historia que se quiere propagar es que la mujer fue libre en Grecia y en Roma hasta que llegó el cristianismo y la sometió la sujeción del hombre; a esta idea también contribuye la película. Lo cierto es que en Grecia la mujer era considerada una cosa más de la casa, y en Roma, no era una “sui iuris”, es decir, titular de derechos, sino que era considerada “capiti diminutio”, como un niño o un incapacitado y, por tanto, estaba sometida a la tutela o la “manus” del padre o del marido. Por el contrario, fue el cristianismo el que consideró al hombre y a la mujer iguales en naturaleza, pues ambos son hijos de Dios y hermanos en Cristo; y prueba de ello es que las primeras manifestaciones de mujeres libres autodeterminándose, pese a la voluntad de sus padres o del estado, fueron las primeras mártires cristianas víctimas de las persecuciones romanas, tales como Inés Ágata o Cecilia.

-Y es precisamente Cirilo quien más ha exaltado en la historia de la humanidad la condición femenina, pues a él se debe la expresión “Theotokos”, palabra griega que significa madre de Dios. El personaje del que hablamos, al que la película presenta con caracteres parecidos a Bin Laden, (…) efectivamente es San Cirilo de Alejandría. Cirilo consiguió que se convocase un concilio en Éfeso, puesto que era el lugar donde vivió sus últimos años la Virgen María, y logró que la Iglesia declarase el primer dogma mariano de la historia: María, Madre de Dios. Hasta aquel momento nadie en la historia había conseguido colocar a un ser humano mujer por encima de cualquier hombre.

martes, 22 de septiembre de 2009

EL SECRETO DE SUS OJOS



País: Argentina. Dirección: Juan José Campanella. Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino. Guión: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri. Música: Federico Jusid, Emilio Kauderer. Fotografía: Félix Monti. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 127 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 18 años. Género: Cine negro, Drama, Thriller. Estreno: 25-09-2009. Contenidos: VX.


La persistencia de los recuerdos

Benjamín Esposito es un funcionario de los juzgados de Buenos Aires que se acaba de jubilar. Para matar el tiempo libre y huir del vacío intenta escribir una novela sobre el pasado para así resolver sobre el papel dos hechos que le marcaron treinta años atrás, y que aún le siguen obsesionando: el caso de asesinato y violación de una joven maestra que se cerró sin un veredicto justo y su amor secreto hacia Irene, su antigua jefa.

El director de El hijo de la novia y El mismo amor, la misma lluvia, vuelve a la gran pantalla, después de haberse dedicado a la televisión en USA, con una historia ambientada a caballo entre la Argentina de los años setenta y la época actual. Se trata de un peculiar thriller, con toques de cine negro y románticos. El ritmo, salvo en algún momento de la segunda parte del filme, no decae y Campanella rueda con maestría, sobre todo esos primeros planos de los ojos que se repiten en momentos clave de la trama.

La interpretación de los actores también es notable, de gran naturalidad, tanto en el dúo Esposito (Darín)-Irene (Soledad Villamil), que rezuma emotividad y contención, como en el de Esposito con su compañero Sandoval, que provoca el mayor número de carcajadas de la película.

Como única objeción a este filme brillante que es El secreto de sus ojos recordar que Campanella vuelve a incidir en una constante de su cine: la ausencia de personajes con unos criterios morales claros y nítidos, y el recurso –esto tal vez sea nuevo en su cine– a dos breves escenas algo desagradables por su carácter explícito en cuanto a la violencia y el sexo. Es cierto que el argentino no se recrea en ellas, pero tal vez se podían haber rodado con más sutileza.

martes, 15 de septiembre de 2009

MALDITOS BASTARDOS



Título original: Inglourious Basterds. País: Alemania, EE.UU. Dirección y guión: Quentin Tarantino. Intérpretes: Brad Pitt, Diane Kruger, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Eli Roth, Mike Myers, August Diehl. Fotografía: Robert Richardson. Distribuye en Cine: Universal. Género: Acción, Aventuras, Bélico. Duración: 153 min. Estreno: 18-09-2009. Contenidos: VS.

Kill Hitler

Francia, 1941. Tras escapar de un terrible caza-judíos, el coronel Landa, una joven se instala en París y consigue heredar un modesto pero agradable cine. Un joven héroe de guerra alemán se enamora de ella y consigue que el mismísimo Goebbels estrene en su cine su última película. A pesar de su repulsa inicial, la joven judía acepta porque ve que ha llegado el momento de vengar la muerte de su familia quemando el cine con todos los jerarcas nazis (Hitler incluido) dentro. Pero al mismo tiempo, y sin que lo sepa la muchacha, un grupo de judíos americanos (Los Bastardos) planea lo mismo con la ayuda de una actriz alemana, que ejerce de espía para los ingleses.

Tarantino nos vuelve a entregar una gamberrada violenta con aires de western (pero con nazis en lugar de vaqueros) que parodia y a la vez homenajea a grandes películas del género (Ser o no ser). Como no podía ser de otro modo en Tarantino, el eje principal de Malditos bastardos es el séptimo arte (las citas cinéfilas son abundantes en el filme), y no una historia verosímil sobre la Segunda Guerra mundial.

El reparto de lujo cumple con nota, aunque sus papeles a veces sean breves o grotescos, pues la mezcla de drama y humor así lo requiere. Aunque hay acción, no es lo esencial de Malditos bastardos, priman más los diálogos, por lo que muchas escenas se desarrollan con una cierta morosidad que puede impacientar al espectador ansioso.

miércoles, 29 de julio de 2009

ENEMIGOS PÚBLICOS

País: EE.UU. Dirección: Michael Mann. Intérpretes: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Billy Crudup, Channing Tatum, Leelee Sobieski, Stephen Dorff, Rory Cochrane. Argumento: Bryan Burrough (Libro "Public Enemies: America's Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-34"). Guión: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman. Música: Elliot Goldenthal. Fotografía: Dante Spinotti. Distribuye en Cine: Universal. Duración: 140 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama, Thriller. Contenidos: VS. Estreno: 14-08-2009.

Los violentos años treinta

USA 1933, estamos en el cuarto año de la Depresión económica y John Dillinger, un experto ladrón, se dedica a saquear los bancos, supuestos culpables del malestar pecuniario del pueblo. Johnny nunca roba a los clientes y trata con deferencia a las empleadas del banco y a los ancianos. Junto con su banda, escapan en veloces Ford-V8 de un estado a otro, a la vez que lo hacen de una policía impotente que cuenta con pocos medios y unos agentes inexpertos ante este nuevo tipo de delincuencia. Solo podrá hacerles frente un incipiente FBI al mando de J. Edgar Hoover que designa a un joven pero experto agente, Melvin Purvis, para que atrape al mítico bandido.

El veterano director Michael Mann recrea con maestría los violentos años treinta con un filme que nos recuerda a Bonnie and Clyde y a Los intocables de Eliot Ness (no podía faltar en Enemigos públicos la aparición de Frank Nitti, junto con la de otros famosos delincuentes de la época), rodado con agilidad, con cámara en mano, y con secuencias de acción espectaculares y muy realistas. También resultan interesantes las referencias que se hacen en Enemigos públicos a películas de gánsteres de la época, perfectamente ensambladas con la trama, sobre todo en la secuencia final.

El guión no descuida un retrato humano de los personajes, tal vez algo idealizado, y que en ocasiones puede caer en el tópico del bandido bueno reprimido por un abusivo poder policial. Pero el resultado final es un conjunto bien equilibrado de violencia, romanticismo, lealtad y traición.


martes, 21 de julio de 2009

UP


País: EE.UU. Dirección: Pete Docter, Bob Peterson. Guión: Pete Docter, Bob Peterson, Thomas McCarthy. Música: Michael Giacchino. Distribuye en Cine: Walt Disney. Duración: 96 min. Público apropiado: Todos. Género: Animación, Aventuras, Romántico. Estreno: 31-07-2009.


El anciano aventurero

Carl Fredericksen es un niño amante de la aventura. No se pierde ni uno sólo de los documentales que narran las hazañas de Charles Muntz, un explorador que recorre el mundo con su dirigible a la búsqueda de especies animales exóticas. Pero Carl es demasiado torpe como para llevar a la práctica sus sueños, hasta que aparece en su vida la intrépida Ellie. Juntos planean ir a las cataratas del Paraíso en Venezuela, pero esa ilusión no llegó a realizarse nunca. Han pasado los años y Carl es un anciano. Pero nunca es tarde para emprender grandes proezas, sobre todo si a uno le amenazan con encerrarle en un asilo. Carl se las ingenia para salir volando, pero no cuenta con la presencia de un polizón en si improvisada nave.

Los diseñadores de Pixar no cesan de sorprender con cada nueva aventura que estrenan. Su talento creativo es desbordante, y no sólo a nivel visual, sino también en las historias entrañables y llenas de valores que nos brindan. Hay secuencias de Up, como la de arranque, que son sencillamente magistrales, cine (de animación) en estado puro. Además, se agradece enormemente que por fin se ofrezca un papel protagonista a un anciano en un filme actual, pues a golpe de culto a la eterna juventud, nuestros mayores pueden acabar convirtiéndose en la generación perdida.

No faltan en esta joya de Pixar referencias a maestros del género como Miyazaki, o a estrellas que en el pasado destacaron en el cine de aventuras: Clark Gable o Errol Flynn. Up es sin duda el estreno del verano, un filme para todos, niños y adultos, que emociona, hace reír y pensar.

martes, 14 de julio de 2009

ASALTO AL TREN PELHAM 123

Título original: The Taking of Pelham 1 2 3. País: EE.UU., Reino Unido. Dirección: Tony Scott. Intérpretes: Denzel Washington, John Travolta, John Turturro, James Gandolfini, Luis Guzmán. Argumento: John Godey (Novela "The Taking of Pelham One Two Three"). Guión: Brian Helgeland. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 100 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Thriller. Estreno: 24-07-2009. Contenidos: VD.

Déjà vu

Unos delincuentes profesionales secuestran unos vagones del metro de Nueva York y exigen al alcalde de la ciudad como rescate diez millones de dólares en el plazo de una hora, en caso contrario matarán a los rehenes. Ryder, el jefe de la banda, sólo admite como interlocutor a Walter Garber, un experto funcionario del centro de control de las vías del tren que está siendo sometido a investigación por supuesto soborno.

Asalto al tren Pelham 123 es un remake de un notable filme de los años setenta. La acción y el suspense están asegurados de la mano de Tony Scott, que suele abusar de un estilo próximo al videoclip, y que a pesar de contar con un buen reparto nos ofrece un resultado final algo mediocre. John Travolta sobreactúa demasiado interpretando a un personaje caricaturesco y Denzel Washington parece no estar muy convencido de su papel.

La trama (secuestradores, rehenes, rescate, relación protagonista-antagonista) suena a algo ya visto (Déjà vu, otro título también de Tony Scott y Denzel Washinton pero más memorable que éste), aunque Asalto al tren Pelham 123 como producto de consumo veraniego no está mal.

miércoles, 1 de julio de 2009

DESPEDIDAS

País: Japón. Dirección: Yojiro Takita. Intérpretes: Masahiro Motoki, Ryoko Hirosue, Tsutomu Yamazaki, Kimiko Yo, Kazuko Yoshiyuki, Takashi Sasano. Guión: Kundo Koyama. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Takeshi Hamada. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 130 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama. Estreno: 03-07-2009. Contenidos: S. Título original: Okuribito.

Hasta que volvamos a vernos

Un joven músico, Daigo, se queda en paro al disolverse la orquesta en la que trabaja como violonchelista. Abrumado por la situación deja Tokio y se traslada con su esposa para vivir en un bar que perteneció a su madre, recientemente fallecida. Al fantasma del desempleo, se une el abandono que Daigo sufrió por parte de su padre cuando no era más que un niño.

Un día, buscando empleo, descubre una oferta de trabajo en lo que le parece ser una agencia de viajes, pero cuando acude a la entrevista descubre que no se trata de lo que pensaba sino de una extraña agencia que se dedica a la ceremonia de amortajar a los difuntos en presencia de los familiares. Daigo no es capaz de negarse ante la insistencia del dueño de la funeraria, y como anda necesitado de dinero, acepta cuando el jefe le hace un pago inmediato en efectivo. Pero mantendrá el secreto a su mujer por la negativa valoración social que tiene una profesión vinculada con los muertos. Cuando ella lo descubra se producirá una crisis en su relación.

Despedidas ganó el Oscar en 2009 a la mejor película en habla no inglesa, un premio merecido pues no resulta fácil abordar el tema de la muerte sin caer en tópicos o en tonos macabros, pero el buen hacer fílmico de Takita consigue sortear con nota esos escollos. De hecho nos muestra una poética, emotiva y esperanzada narración en la que la muerte no tiene la última palabra y los conflictos familiares encuentran solución gracias a la comprensión y el perdón.

El ritmo del filme es pausado, oriental, muy ceremonioso, como ese rito en el que con extremo respeto se amortaja al cadáver. Sin embargo, no se escatiman algunos momentos simpáticos que incluso logran sacar alguna sonrisa del espectador.

jueves, 4 de junio de 2009

STILL WALKING

País: Japón. Dirección y guión: Hirokazu Koreeda. Intérpretes: Hiroshi Abe, Yui Natsukawa, You, Kazuya Takahashi, Shohei Tanaka, Kirin Kiki, Yoshio Harada. Música: Gonchichi. Fotografía: Yutaka Yamasaki. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 114 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 7 años. Género: Drama. Estreno: 05-06-2009.

Un hogar japonés

Una familia se reúne para recordar el aniversario del fallecimiento, hace quince años, del hijo mayor. En la celebración se dan cita tres generaciones: los abuelos, en cuya casa se lleva a cabo la fiesta, la hija, parlanchina y espontánea, y que aspira a mudarse con su marido cachazudo y sus dos alocados hijos a vivir allí, y el hijo menor, que se acaba de casar con una joven viuda que tiene un hijo de su anterior matrimonio. El abuelo es un médico jubilado, orgulloso y arisco, que añora a su hijo muerto y maltrata a su segundo hijo por considerarlo un inútil (se dedica a la restauración de cuadros), pues nunca eligió lo que su padre tanto deseaba: ser otro médico. La abuela es un ama de casa dicharachera pero que no ve con buenos ojos a la viuda y a su niño.

Still walking trascurre en apenas 24 horas y en la vivienda familiar, pero Koreeda filma con maestría ese reducido espacio y nos muestra con detalle, pero a la vez con frescura y simpatía, las costumbres cotidianas del Japón (desde la visita a una tumba o la preparación de una comida hasta el sencillo hecho de tomarse un baño). Y a pesar del tono agridulce del conflicto familiar que se nos cuenta en esta sencilla película, el director nipón nos brinda una visión esperanzada y positiva de la familia.

Still walking recuerda a los filmes del clásico Ozu pero actualizados al Japón del siglo XXI, por tanto, una pequeña joya del séptimo arte.

jueves, 28 de mayo de 2009

TERMINATOR SALVATION


País: Alemania, EE.UU., Reino Unido. Dirección: McG. Intérpretes: Christian Bale, Anton Yelchin, Sam Worthington, Bryce Dallas Howard, Moon Bloodgood, Common, Helena Bonham Carter, Michael Ironside. Argumento: James Cameron (Personajes), John D. Brancato (Historia), Michael Ferris (Historia), Gale Anne Hurd (Personajes), David C. Wilson (Historia). Guión: John D. Brancato, Michael Ferris. Música: Danny Elfman. Fotografía: Shane Hurlbut. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 118 min. Público apropiado: Mayores de 13 años. Género: Acción, Ciencia ficción. Estreno: 05-06-2009. Contenidos: V.

Salvar el futuro

Año 2003. Un condenado a muerte cede su cuerpo a la ciencia. Año 2018, después del día del juicio final, Skynet se ha hecho con el control de la Tierra, pero los humanos no se resignan a vivir dominados por la máquinas y entablan una feroz resistencia para lograr su libertad. Para ello cuentan con un líder, John Connor, que ahora está casado y espera su primer hijo, a la vez que repasa a diario las notas grabadas que le dejó su madre Sarah, con el fin de hallar una guía segura que le permita vencer en la batalla final.

Pero el futuro no es exactamente tal y como su madre había previsto, lo que hace difícil decidir qué estrategia seguir. La trama da un giro imprevisto cuando aparece prisionero en la sede de Skynet el individuo que fue ejecutado y entregó su cadáver a los científicos quince años antes.

Terminator Salvation supone la cuarta entrega de la saga y nos ofrece un recital espectacular de acción, explosiones, luchas entre humanos y terminators, algún que otro giño al actor más famoso de la saga (que no actúa en ésta pues sus obligaciones políticas se lo impiden), y un futuro desolador, como viene siendo habitual en el cine futurista desde los tiempos de Blade Runner.

Se echa en falta, sin embargo, un guión más trabajado, sobre todo en la definición de personajes y algo más de hondura dramática. No defraudará a los fans, pero me parece que todavía no se ha logrado superar la excelente Terminator 2.

lunes, 11 de mayo de 2009

ÁNGELES Y DEMONIOS

País: EE.UU. Dirección: Ron Howard. Intérpretes: Tom Hanks, Ayelet Zurer, Ewan McGregor, Stellan Skarsgård, Armin Mueller-Stahl, Nikolaj Lie Kaas. Guión: David Koepp, Akiva Goldsman. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Salvatore Totino. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 138 min. Público apropiado: Mayores de 16 años. Género: Thriller. Estreno: 15-05-2009. Contenidos: V.
Conspiración de silencio
Varios días después de la muerte del Papa se reúne el cónclave de cardenales para la elección del futuro Sumo Pontífice. Pero el secuestro de cuatro purpurados considerados favoritos en la votación crea una crisis en el Vaticano, sobre todo al saberse que los autores del suceso se atribuyen el nombre de una antigua sociedad secreta, Los Illuminati, hostil a la Iglesia y que ha colocado una bomba de antimateria en las grutas vaticanas. Para evitar una tragedia, los agentes de la guardia suiza solicitan la ayuda de un profesor agnóstico, Robert Langdon, y de una joven científica italiana.

Ángeles y demonios se presenta como una secuela de El Código da Vinci pero en realidad es una precuela, pues fue escrita hace diez años por Dan Brown y sólo tras el éxito del Código se ha reeditado y llevado al cine. Por tanto, con Ángeles y demonios volvemos a tener más de lo mismo: tramas inverosímiles, errores históricos apabullantes, descripciones grotescas sobre la Iglesia, etc. Y aunque Ron Howard ha intentado eliminar algunas de las más sonoras patochadas de Brown no se ha librado del todo de la arrogante ignorancia (¿o es malicia?) del novelista.

Religión y ciencia

En Ángeles y demonios aflora una visión muy pobre del supuesto conflicto entre fe religiosa y ciencia: aquella que ve a la Iglesia como una institución intolerante y enemiga del progreso científico. Un tema que daría para mucho, pero para no aburrir al lector me limito a mencionar dos hechos históricos que el tándem Howard-Brown tal vez desconozca (¿o conspira para ocultarlos…?): a) Los más prestigiosos historiadores de la ciencia reconocen que ésta surge en el Renacimiento gracias a la idea de que el cosmos es racionalmente comprensible y es un único sistema de fuerzas, conceptos que se derivan de la creencia judeocristiana en un único ser racional como creador del universo: Dios; y b) cuando se apela al Big Bang como alternativa a Dios me dan ganas de reír a mandíbula batiente: ¿quién fue uno de los primeros en formular esa hipótesis? George Lemaître, un sacerdote y astrónomo belga. ¿Lo sabían? Esto sí que es conspiración de silencio.

La conjura de los necios

Y la verdad es que películas como Ángeles y demonios parecen ser un claro reflejo de nuestra sociedad posmoderna, caracterizada por la ausencia de reflexión (algo a lo que contribuye enormemente el ritmo endiablado del filme) y por una supina ignorancia no solo en temas de religión sino también de historia, arte, ciencia o filosofía. Y a ese público carente de gusto cinematográfico, y representante de aquel grupo de infinitos necios de los que hablaba el sabio semita, va dirigida Ángeles y demonios. Un público que, parafraseando a Chesterton, ya no cree en Dios pero sí cree en cualquier sandez.

Con Ángeles y demonios Ron Howard confirma su incapacidad para llegar a ser un autor cinematográfico, y parece decirnos que se conforma con ser un simple artesano que sólo acierta cuando filma historias reales y profundas como El desafío, Apolo XIII o Una mente maravillosa, y no bodrios increíbles de religión ficción.

miércoles, 29 de abril de 2009

X-MEN ORÍGENES: LOBEZNO



Título original: X-Men Origins: Wolverine. País: Australia, EE.UU., Nueva Zelanda. Dirección: Gavin Hood. Intérpretes: Hugh Jackman, Ryan Reynolds, Liev Schreiber, Dominic Monaghan, Lynn Collins, Danny Huston, Daniel Henney, Taylor Kitsch, Kevin Durand, Tahyna Tozzi, Stephen Leeder. Guión: David Benioff, Skip Woods. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Donald McAlpine. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 107min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Acción, Cómic, Fantástico. Estreno: 30-04-2009. Contenidos: V.

El lobo enamorado de la luna

Esta precuela de la serie X-Men narra el origen de Logan y cómo llega a convertirse en Lobezno. Para ello, el filme nos ofrece una trepidante aventura desde finales del siglo XIX, pasando por las dos guerras mundiales, Vietnam, etc., hasta llegar a nuestros días en los que Logan se ha retirado a vivir en como leñador en una tranquila aldea con su amada, una maestra de pueblo. Para ese paraíso será roto por una desagradable e inesperada visita.


X-Men Orígenes: Lobezno dirigida por el ganador de un Oscar Gavin Hood (Tsotsi), tal vez no defraude a los incondicionales del género, pues ofrece acción a raudales y una explicación plausible del origen de la saga. Pero se echa en falta un mejor trabajo de guión y más definición en los personajes.

martes, 21 de abril de 2009

THE INTERNATIONAL (Dinero en la sombra)


País: Alemania, EE.UU., Reino Unido. Dirección: Tom Tykwer. Intérpretes: Clive Owen, Naomi Watts, Armin Mueller-Stahl, Ulrich Thomsen. Guión: Eric Singer. Música: Reinhold Heil, Johnny Klimek, Tom Tykwer. Fotografía: Frank Griebe. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 118 min. Público apropiado: Mayores de 13 años. Género: Thriller. Estreno: 24-04-2009. Contenidos: V.

Bancos y tráfico de armas

Salinger, agente de la Interpol y Whitman, una ayudante del fiscal del distrito en Nueva York, siguen la pista de un poderoso banco de Luxemburgo que sirve de tapadera para el negocio de armas en el tercer mundo. Pero uno a uno, todos sus confidentes, son asesinados por criminales profesionales que no dejan huella alguna y con la complicidad de agentes corruptos y del sistema financiero internacional. Pero el agente Salinger no se detendrá ante nada, incluso violará la ley, para dar con el responsable principal de ese complot.

The International es un thriller de fondo financiero (¡y eso que estamos en tiempos de crisis!, ¿cómo se lo tomarán los bancos?) rodado con agilidad por el alemán que hace años nos sorprendió con Corre, Lola, corre. No faltan escenas espectaculares, como el tiroteo en el museo Guggenheim de Nueva York, y un reparto internacional, vaya redundancia, que cumple con solvencia. Tal vez se eche en falta una mayor definición en el guión de algunos personajes, sobre todo los correctamente interpretados por Naomi Watts y el actor danés Ulrich Thomsen (Celebración, Hermanos).

25 KILATES

País: España. Dirección y guión: Patxi Amézcua. Intérpretes: Aida Folch, Francesc Garrido, Manuel Morón, Joan Massotkleiner, Héctor Colomé. Música: Francis Amat. Fotografía: Sergi Gallardo. Distribuye en Cine: Golem. Género: Thriller. Duración: 86 min. Público apropiado: mayores de 16 años. Estreno: 24-04-2009. Contenidos: VX.

Cine negro español

Abel es un boxeador con un futuro prometedor al que un suceso trágico obliga a buscarse la vida como cobrador del frac. Kay es una joven a la que su padre ha educado desde niña para ser cómplice de sus trapicheos. Garro es un policía corrupto de la brigada antirrobos que obtiene beneficios del material incautado en las detenciones. En definitiva, unas personas bastante desorientadas cuyos encuentros por la ciudad de Barcelona provocarán giros inesperados.

25 kilates está narrada con gran agilidad -puro cine de género al estilo de las películas policiacas de los años 40 y 50, pero puesto al día-. Por eso, aquí no encontraremos detectives solitarios o mujeres fatales, sino que todos los personajes tienen unos vínculos familiares a los que no pueden renunciar. Esa humanización de los personajes viene acompañada por el uso de la elipsis, que otorga ritmo a la cinta y evita caer en las tópicas escenas de sexo (salvo en la breve secuencia inicial) que no aportan nada, como reconoció el director del filme en una rueda de prensa.

25 kilates es la opera prima del navarro Patxi Amézcua que después de haber recibido varios premios en diversos certámenes, participa en el festival de cine de Málaga. Y la verdad es que ha sido una grata sorpresa encontrar una realización atípica en el panorama del cine español actual, que huye de los tópicos al uso y que a pesar de su crudeza deja una puerta abierta a los conflictos que plantea.

jueves, 16 de abril de 2009

TESTIMONIO

















Director: Pawel Pitera. Guión: G. Franco Svidercoschi y P. Pitera basado en el libro “Una vida con Karol” del cardenal Dziwisz. Narrador: Michael York. Música: Vangelis. País: Polonia. Género: Documental. Duración: 97 min. Público adecuado: Todos. Venta en DVD: 08-04-2009. Distribuye: Tripictures.
Un hombre para la eternidad

Aparece en DVD el documental estrenado el pasado octubre en el Vaticano y que recrea momentos públicos, junto a otros privados y entrañables, del papa Juan Pablo II. Testimonio está basado en las memorias del que fue su secretario personal durante casi cuarenta años: Estanislao Dziwisz. La película ofrece algunos detalles inéditos como las salidas de incógnito que el papa hacía, sin escolta, fuera de los muros del Vaticano o el exorcismo realizado a una mujer.

El documental intercala entrevistas al secretario del papa polaco con imágenes inéditas de Karol Wojtyla o recreaciones tanto de su infancia como de hechos de su pontificado, acompañados por la narración del actor Michael York.

Testimonio es una cinta de ritmo ágil, y con la excelente banda sonora de Vangelis, que gustará tanto a los que ya conocen bien la vida de Juan Pablo II como a los que sólo tienen una vaga idea acerca del hombre que llevó la luz del evangelio a un mundo en tinieblas.

jueves, 26 de marzo de 2009

GRAN TORINO


País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Clint Eastwood, Geraldine Hughes, John Carroll Lynch, Cory Hardrict, Dreama Walker, Brian Haley, Bee Vang, Ahney Her. Argumento: Dave Johannson, Nick Schenk. Guión: Nick Schenk. Música: Kyle Eastwood, Michael Stevens. Fotografía: Tom Stern. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 116 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Acción, Drama. Estreno: 06-03-2009. Contenidos: VD.

El mejor Eastwood

Sucede en algunos directores que al llegar a su vejez decae su talento creativo, o pierden el control de sus producciones que acaban en manos de otros individuos menos geniales, con lo que el resultado final acaba siendo deplorable. No es el caso de Clint Eastwood que, como el buen vino, mejora con el tiempo.

Gran Torino relata las peripecias de un jubilado, Walt Kowalski (un apellido muy cinematográfico, por cierto, recuerden a Marlon Brando en Un tranvía llamado deseo y al replicante Leon en Blade Runner). Wally, el apelativo cariñoso que le asigna una vecina, combatió en Corea y trabajó en la fábrica Ford. Ahora acaba de enviudar y gasta sus horas gruñendo ante la invasión de inmigrantes que padece su barrio y las pésimas relaciones que mantiene con sus hijos. Una rutina que será alterada por una peculiar relación con dos de sus vecinos, Sue y su hermano Thao, de la etnia hmong. Y otra no menos llamativa que mantiene con el padre Janovich, un joven sacerdote que prometió a la mujer de Walt, en su lecho de muerte, que haría todo lo posible para que su marido acabara confesándose.

Puede que Gran Torino no sea, desde el punto de vista formal o estético, el mayor logro de este cineasta de casi ochenta años, pero sí me parece que lo es desde el punto de vista antropológico, ético y religioso. Clint Eastwood ha dado un vuelco radical después de ofrecernos a lo largo de su extensa filmografía una serie de personajes a la deriva, auténticos antihéroes que ante un conflicto dramático –que exige de ellos una respuesta ponderada– se bloquean, acaban sacando a flote su lado más débil y terminan por hundirse en el abismo que ellos han escogido.

De antihéroe a héroe mesiánico

Por el contrario, Gran Torino al tiempo que nos brinda con el personaje de Walt uno de los cascarrabias más entrañables de los últimos tiempos –hay situaciones y diálogos divertidísimos– ofrece un giro admirable en la trayectoria del realizador americano al mostrar a un personaje que, ante el dilema de su vida, acaba convirtiéndose en un héroe que da sentido a su existencia y a la de los otros.
Hemos pasado del fatalismo de Million Dollar Baby a la plenitud antropológica y religiosa de un personaje que adquiere tintes mesiánicos. Eastwood no ha esquivado inspirarse en el héroe redentor por antonomasia: Cristo. Lo cual se refleja también en la entrañable figura del joven sacerdote, algo impensable en nuestra filmografía, salvo gloriosas excepciones como Gracia Querejeta (Héctor) o Ángeles González Sinde (Una palabra tuya), ¡que tomen nota Amenábar, Cuerda y Fesser!

Gran Torino es una gran lección para todos los nihilistas de turno que viven de esa rancia pose; ya va siendo hora de que nos ofrezcan un cine más esperanzador. ¡Enhorabuena por esa trasformación, señor Eastwood! ¡Felicidades por este grandioso testamento fílmico!

domingo, 15 de marzo de 2009

LOS ABRAZOS ROTOS




País: España. Dirección y guión: Pedro Almodóvar. Intérpretes: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, Ángela Molina, Rossy de Palma, Lola Dueñas, Chus Lampreave, Carmen Machi, Kiti Manver. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Rodrigo Prieto. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 125 min. Público apropiado: Adultos Género: Drama. Estreno: 18-03-2009. Contenidos: XD.

Más cine, por favor
Madrid, 2008. Harry Caine es el alias de un director de cine (Mateo Blanco) que perdió la vista, y a la mujer que amaba, en un trágico accidente catorce años antes. Ahora sobrevive escribiendo guiones con la ayuda de Diego, el hijo de Judit su antigua productora, a la vez que intenta evadirse de su angustia con las fugaces aventuras eróticas que mantiene con desconocidas. Caine pretende haber sepultado su pasado (por eso emplea este seudónimo) pero un día sus peores pesadillas reaparecen en la persona de un siniestro aspirante a director: Ray X. Tal encuentro le forzará a rendir cuentas con su vida y su obra fílmica.

Pedro Almodóvar rinde homenaje en Los abrazos rotos a su gran amor: el cine; y a sus géneros favoritos: la comedia, el melodrama y el cine negro. Por todo ello, el realizador manchego se permite la autocita (Mujeres al borde de un ataque de nervios) y crea un alter ego en la figura del director Mateo Blanco, interpretado por Lluis Homar y vestido con el atuendo que el propio Almodóvar usaba en los noventa. También maquilla y viste a Penélope Cruz como Audrey Hepburn, y en alguna escena la actriz madrileña adopta un gesto que recuerda remotamente al de Sean Young en Blade Runner.

Junto a todo esto, tampoco se resiste el manchego a hacer guiños a diversos realizadores como Rossellini (Te querré siempre), Louis Malle (Ascensor para el cadalso) o Woody Allen (Un final made in Hollywood). Tres filmes que aluden a los temas centrales de Los abrazos rotos: el amor, incluso obsesivo (¿o la ley del deseo?), la muerte y la creación artística.

Con esta producción, que no llega a la altura de otras películas suyas (como Volver o Todo sobre mi madre), Almodóvar dirige la mirada hacia sí mismo (señaló en la rueda de prensa de presentación del filme que en la medida en que se va haciendo mayor le gusta más una vida de interiores, sin tanto ajetreo exterior) y vuelca sus temas y obsesiones centrales en una trama que, salvo en los primeros minutos, carece de fuerza y trascendencia. Tal vez el motivo sea haber dejado de lado la dimensión misteriosa que envuelve al amor, la muerte y la creación. Cuando presentó su anterior filme, Volver, aseguró que se había enfrentado al enigma de la muerte, pero a costa de negar todo misterio al respecto; algo que resulta palpable tras su visionado.

Eros y thanatos

Por tanto, al esquivar toda incógnita sobre el más allá (Almodóvar también confesó, en la rueda de prensa citada, el siguiente contrasentido: rezo aunque no soy creyente ¿?) la vida queda sometida ¡cómo no! a la “ley del deseo”. Un deseo, por otra parte, muy cercano a la muerte. “Por razones que desconozco, afirmó Buñuel, he encontrado siempre en el acto sexual una cierta similitud con la muerte, una relación secreta pero constante”. Y no es casualidad que en Los abrazos rotos se aprecie esta conexión entre eros y thanatos, incluso de manera explícita en alguna escena.

La explicación de este fenómeno hay que buscarla en la negación de la autotrascendencia de la existencia humana. Dicho de forma positiva: el ser humano, advierte Frankl, se autorrealiza en la medida en que se trasciende al servicio de una causa o en el amor a otra persona. Es decir, el hombre sólo se humaniza plenamente cuando se pasa por alto y se olvida de sí mismo.

Sin embargo, las escenas eróticas de Los abrazos rotos carecen de estas cualidades, más bien parecen ser meros desahogos físicos, que en el mejor de los casos dejan una cierta vinculación sentimental más o menos obsesiva (el amor fou) pero con el regusto amargo del vacío y de la muerte al acecho. Los personajes de Almodóvar, como los del mundo real, participan en una carrera imparable de obstáculos impulsados por sus deseos. No cesan de anhelar nuevos objetos y nuevas personas que una vez obtenidos les dejan de nuevo insatisfechos. Aquí radica el misterio de la felicidad. Un enigma que no se puede anular a no ser que se quiera reducir al hombre a una pasión inútil.

Pues si resulta que poseemos una capacidad infinita de querer y advertimos que tras esa voluntad inextinguible late una verdadera apertura a la trascendencia, el absurdo se transforma en misterio: un Bien infinito nos atrae. Todo esto sería imposible dentro del ámbito de la finitud. Ese bien ilimitado no se sustituye con una infinitud de bienes caducos y pasajeros. Almodóvar no llega a vislumbrar que en el encuentro en el que consiste el amor personal también se entrevé una vía al absoluto. El amor personal no se reduce a un mero intercambio de fluidos o placeres, sino que es un acontecimiento de participación en un Bien mayor.

Amor y eternidad

El amor y la entrega totales forjan a la persona, de ahí que todo amor verdadero anhele la eternidad, y no conciba su final como algo lógico. Marcel lo expresó diciendo que amar a una persona es manifestarle que no morirá jamás. Y Ortega y Gasset explicaba que querer a alguien supone no poder concebir un universo donde esa persona no esté presente (una idea que refleja el desenlace de Inteligencia artificial, de Spielberg). Por eso el amor pide de suyo eternidad. La supervivencia del amor más allá de la muerte es un tema recurrente también en el cine, como se puede observar en Always, Más allá de los sueños o El sexto sentido, por citar unos pocos ejemplos. Incluso el filme de Rossellini citado por Almodóvar (Te querré siempre) pierde su fuerza en el contexto agnóstico de Los abrazos rotos.

Si se niega la trascendencia toda narración vital, y en concreto el argumento amoroso, queda reducida a una farsa, a una pasión inútil. Todo se resumiría en una representación que esconde la nada y el absurdo tras sus artificios. Cualquier realización valiosa de la persona estaría sometida a la fugacidad de las apariencias y destinada a ser aniquilada. Si la persona se reduce a un puñado de átomos reunidos al azar, en el fondo no existe nadie, nunca existió ningún sujeto. La muerte revelaría un vacío que siempre estuvo ahí.

Fotos y abrazos rotos

Declara Almodóvar la consabida idea de que la vida es dura, terrible y caótica pero que el arte confiere a lo real una finalidad, un orden, un sentido del que carece por sí mismo. Un concepto que se expresa en Los abrazos rotos con la metáfora de la foto descompuesta en mil pedazos y que uno de los personajes intenta recomponer (un símil ya visto, por ejemplo, en Amelie).

De todos modos este tópico no resiste un análisis riguroso porque el arte forma parte de la vida y si podemos dar orden a nuestras historias (o recomponer una fotografía) tal vez sea porque esa misma vida ya tiene una cierta configuración y sentido, aunque no sea fácil descubrirlo, sobre todo en los momentos más trágicos de nuestra existencia, como refleja el filme de Richard Attenborough Tierras de penumbra.

Habría que sugerir, más bien, que este sentido no es creado por el hombre, más bien es algo o alguien que encuentra en su vida. Por eso el amor, el trabajo creativo, la religión e incluso el sacrificio constituyen aspectos de la realidad que otorgan significado y sentido a la vida humana.

Incluso la creación artística, otro de los asuntos sobre los que reflexiona Almodóvar en Los abrazos rotos, al ser una expresión de nuestros anhelos, no se puede entender sin la referencia al misterio de la trascendencia. En ella comparece lo simbólico, y el símbolo, decía Ricoeur, da que pensar. El símbolo, por tanto, es el medio en el cual se puede exponer, de un modo sensible, la dimensión sagrada y religiosa del ser humano. Mediante lo simbólico puede llevarse a cabo una creación artística que manifieste lo sagrado. Por eso Eugenio Trías afirma que el arte,

“sin ese referente (sin la compleja presencia/ausencia de lo sagrado), no puede desplegar su vocación y su designio: el de bañar con una aureola de resplandor aquello en lo cual interviene: un espacio urbano o monumental, o un argumento musical o narrativo, o una instantánea poética, o un poema visual capaz de plasmarse en una imagen pictórica. (...) El gran arte moderno resiste siempre en relación al flujo y reflujo de esa marea (nihilismo). Se aviene mal con el grito de guerra del profeta nietzscheano (“Dios ha muerto”). El referente sagrado existe, insiste y resiste (...). El arte es, de hecho, una protesta de sentido en relación a la muerte. Postula una vida nueva resucitada, recreada” (Pensar la religión, Destino, Barcelona 1997, pp.118, 120).

¡Ojalá Almodóvar nos brinde algo así en sus futuras producciones!

jueves, 12 de marzo de 2009

R.A.F. FACCIÓN DEL EJÉRCITO ROJO (Der Baader Meinhof Komplex)


País: Alemania, Francia, República Checa. Dirección: Uli Edel. Intérpretes: Martina Gedeck, Moritz Bleibtreu, Johanna Wokalek, Nadja Uhl, Jan Josef Liefers, Stipe Erceg. Argumento: Stefan Aust (Libro). Guión: Bernd Eichinger, Uli Edel. Música: Peter Hinderthür, Florian Tessloff. Fotografía: Rainer Klausmann. Distribuye en Cine: Aurum. Duración: 150 min. Género: Drama Histórico. Estreno: 13-03-2009. Público apropiado: Adultos. Contenidos: VXS.

El vértigo del terrorismo

República Federal Alemana 1967. Una periodista de prestigio, Ulrike Meinhof, casada y con dos hijas gemelas, y Andreas Baader, un vulgar y violento delincuente, fundan una organización para protestar contra la opresión de los gobiernos capitalistas, la guerra de Vietnam y los sufrimientos del pueblo palestino. Y como suele suceder en estos casos, lo que en un principio se limitaba a boicots y reivindicaciones más o menos virulentas, acaba convirtiéndose en terrorismo puro y duro (bombas, asesinatos, secuestros, etc.).

R.A.F. Facción del Ejército Rojo aunque estuvo nominada a los Oscar, y ha sido producida por miembros del equipo de El Hundimiento, no llega a la altura de este interesante filme histórico sobre Hitler. Pesa en su contra su excesivo metraje, la caída de ritmo en la segunda mitad del filme, después de un arranque trepidante y ágil, y la machacona insistencia en mostrar sin tapujos el estilo de vida amoral y exhibicionista de los miembros de la banda, que si bien manifiesta su degradación moral, en algunos momentos puede hacerse molesto.

En cuanto a los aspectos positivos, aparte de lo ya sugerido sobre la impactante realización de las secuencias de acción, R.A.F. Facción del Ejército Rojo ofrece una visión nada idealizada de estos comandos terroristas herederos de mayo del 68, y aporta una interpretación convincente, que echa abajo algunos mitos y rumores, sobre el final de la banda.

A CIEGAS (BLINDNESS)





País: Brasil, Canadá, Japón. Director: Fernando Meirelles. Argumento: José Saramago (Novela "Ensaio Sobre a Cegueira"). Guión: Don McKellar. Intérpretes: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Yusuke Iseya, Danny Glover. Fotografía: César Charlone. Distribuye en Cine: Notro Films. Duración: 120 min. Género: Drama. Estreno: 13-03-2009. Público apropiado: Adultos. Contenidos: XDS.

Si un ciego guía a otro ciego…

Un día cualquiera en una ciudad cualquiera la epidemia brota de un modo imprevisto. La gente se queda ciega de repente, sin previo aviso, con una ceguera blanca, lechosa. Las autoridades alarmadas encierran a los contagiados en un desvencijado hospital. Pero pronto la epidemia causará estragos en toda la población y el caos, el pillaje y las pasiones más rastreras harán presencia en esa ciudad desolada. Sólo una mujer conserva de modo secreto (únicamente su marido lo sabe) la capacidad de ver en ese antro de invidentes.

Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El jardinero Fiel) adapta a la pantalla la novela del premio nobel portugués José Saramago, y si esta nos brindaba un retrato abrumador, horrible e indigesto de las bajezas humanas, algo similar nos ofrece el filme del director brasileño, a pesar de sus esfuerzos por mitigar algo ese radical pesimismo en el tramo final del filme. Otro asunto es si uno puede llegar intacto a esa última etapa de A ciegas, después de dos horas angustiosas, insoportables y reiterativas, en las que parece reflejarse aquella frase de Hobbes que asumen los nihilistas y pesimistas como Saramago: el hombre es un lobo para el hombre.

Y es que una sociedad y una ética que no se fundamenta en valores consistentes, y carece de una referencia a un fundamento metafísico (más o menos consciente) en el ser Absoluto (Dios) deriva en la afirmación de una voluntad arbitraria, con todos los problemas que esa tesis conlleva (no olvidemos que Saramago se proclama ateo). Si todos tenemos una libertad sin límites, buscaremos a toda costa ser los protagonistas exclusivos de nuestra vida, sin admitir el papel de los demás o las exigencias de los otros. El mundo de los demás será, como refleja el filme A ciegas, parafraseando a Sartre y Hobbes, un infierno plagado de lobos.


miércoles, 28 de enero de 2009

VALKIRIA













Título original: Valkyrie. País: Alemania, EE.UU. Dirección: Bryan Singer. Intérpretes: Tom Cruise, Kenneth Branagh, Bill Nighy, Tom Wilkinson, Carice van Houten, Thomas Kretschmann, Terence Stamp. Guión: Christopher McQuarrie, Nathan Alexander. Música: John Ottman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 115 min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Bélico, Histórico. Estreno: 30-01-2009

Misión: matar al tirano

El coronel alemán, de origen aristocrático, Claus von Stauffenberg resulta herido en el frente africano en 1943. Allí pierde un ojo y una mano por lo que es condecorado junto con su batallón. Al ser trasladado a Berlín se le asciende a Jefe del Estado Mayor de la Reserva, un cargo que le permitirá despachar directamente con Hitler, al que precisamente no guarda demasiado afecto. Incluso el joven coronel no se ha mordido la lengua a la hora de criticar los excesos del régimen nazi, su violencia y crueldad con civiles, prisioneros rusos y judíos.


Stauffenberg descubre que no está solo en esa oposición al dictador. Otros oficiales como el general Olbricht, el coronel Mertz von Quirnheim, el general Beck o el Mayor von Tresckow, y civiles como el Dr. Carl Friedrich Goerdeler, coinciden con él en lo tocante a la necesidad de tomar una medida drástica que pare los pies definitivamente a esa bestia negra llamada Adolf Hitler.


Todos deciden que Von Stauffenberg asuma la organización de la operación, pues su nuevo cargo le permite acceder a los documentos de la llamada Operación Valkiria: un protocolo ideado por Hitler para evitar un golpe de Estado en caso de muerte repentina del Führer. Pero los conspiradores conseguirán dar la vuelta a ese documento en su favor.

La justificación ética del tiranicidio


La decisión que van a tomar los integrantes de ese complot para eliminar a Hitler supone una seria y grave reflexión moral que en el filme solo se apunta colateralmente. Von Stauffenberg parece seguir en sus decisiones la clásica teoría, sostenida por filósofos antiguos, medievales y renacentistas, que justifica el tiranicidio. Según estos autores, entre los que se encuentra el español Domingo de Soto, en ciertas condiciones extremas y cuando se han agotado los recursos pacíficos, es legítimo derrocar al tirano que ha usurpado el poder o violado los derechos humanos gravemente y de manera continuada. Supondría, por tanto, una aplicación del principio de legítima defensa, que en algunos casos conlleva la misma muerte de injusto agresor.

Cine y nazismo: una veta inagotable


Valkiria, como sucede con las recientes películas sobre el nazismo (El niño con el pijama de rayas, El último tren a Auschwitz, El hundimiento o Sophie Scholl) vuelve a sorprendernos cuando parecía que ya no se podían contar más historias sobre la Segunda Guerra Mundial. Para ello recurre, como sus antecesoras, a un punto de vista original: en este caso la resistencia a Hitler de algunos oficiales y civiles alemanes influyentes (llegaron a ser cientos, aunque la película sólo se centre en unos pocos).


Por otra parte, el director del filme, Bryan Singer (Sospechosos habituales, X-Men) consigue mantener el suspense y la emoción hasta el final, aunque uno conozca el desenlace de los hechos históricos que se narran en Valkiria. Para ello cuenta con un reparto lleno de secundarios de lujo (tanto americanos e ingleses como alemanes) y un Tom Cruise que intenta recuperar su prestigio con la sobria, pero certera, interpretación de un héroe nacional germano, y además católico, lo que no ha dejado de provocar cierta polémica e indignación en Alemania por la militancia de Cruise en la controvertida secta de la Cienciología.

lunes, 12 de enero de 2009

LA CLASE




Título original: Entre les murs. País: Francia. Dirección: Laurent Cantet. Intérpretes: François Bégaudeau, Franck Keïta, Wei Huang, Esmeralda Ouertani, Rachel Régulier, Olivier Dupeyron. Guión: Laurent Cantet, François Bégaudeau, Robin Campillo. Fotografía: Pierre Milon. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 128 min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Cine social, Drama. Estreno: 16-01-2009.


El profesor Keating visita París

François es un joven profesor de lengua de un Instituto conflictivo de París. Sus alumnos, como ya va siendo habitual en nuestras aulas, pertenecen a diversas razas y países, y a diversas tribus urbanas. Todo ello crea un ambiente conflictivo y apático en el aula debido a la convicción, por parte de algunos docentes y de no pocos muchachos, de que esos estudiantes no tienen muchas aptitudes académicas y su vida no les deparará especiales logros profesionales. Pero el profesor de lengua no es de esa opinión, por lo que intentará elevar la moral de sus alumnos y no limitarse a que asimilen unos rudimentos de lengua o literatura. Para ello decide involucrarse en los problemas personales de esos adolescentes y hacerles reaccionar. Y aunque en algunos casos François tome medidas discutibles, o incluso erróneas, su labor no dejará indiferente a nadie.

La clase es una de las recreaciones más realistas de la labor docente que se hayan visto nunca en la gran pantalla. Hasta qué punto lo que nos muestra este filme francés es ficción o realidad –teniendo en cuenta que el reparto del filme no está formado por actores profesionales sino por docentes y discípulos– tendrá que decirlo el espectador, sobre todo si es educador o la ha sido. En cualquier caso, y sin lugar a dudas, disfrutará con este filme casi documental, pero con una trama llena de conflictos muy bien narrados.

La clase trae a nuestra memoria filmes recientes como Diarios de la calle, La ola o Los chicos del coro, y otros ya clásicos como El club de los poetas muertos, pero de los que se diferencia por su puesta en escena, sobria y sencilla (todo transcurre entre los muros del instituto, no se nos muestra lo que ocurre una vez que todos abandonan las aulas, aunque lo intuimos).