Más humanos que los humanos

J. EDGAR

2012-01-19T16:11:00.002+01:00

País:EE.UU.Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Josh Lucas, Ed Westwick, Judi Dench, Naomi Watts. Guión: DustinLance Black. Música: Clint Eastwood. Fotografía: TomStern. Distribuyeen Cine: Warner.Duración:137min. Públicoapropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género:Drama Biográfico. Contenidos: VS. Estreno:27-01-2012.

Ungigante con pies de barro

John Edgar Hoover (1895-1972) fue el primer directordel FBI y ocupó el cargo hasta su muerte, coincidiendo con el mandato de sietepresidentes americanos que no pudieron, o no quisieron, destituirle; lo cual dauna idea del poder que tuvo sobre la vida y la política americana durante casimedio siglo. Su tarea se centró en la lucha contra elterrorismo llevado a cabo porcomunistas y anarquistas en los años 20, los mafiosos de los años 30, casoscomo el secuestro del hijo del piloto de aviones Lindbergh, y los informes yescuchas secretas realizadas por su oficina sobre personalidades de la política,la ciencia o el espectáculo, que le servían a Hoover como herramienta dechantaje para conservar su puesto.

Clint Eastwood, siguiendo su tónica habitual enlos últimos años, alterna sus estrenos de películas de ficción con otrosbiográficos o históricos. Rodada con su acostumbrado clasicismo, cuenta en estecaso con una notable interpretación de Leonardo Dicaprio, bien secundado porNaomi Watts en el papel de su fiel secretaria, una mujer a la que Hooverpropone matrimonio pero que ella rehúsa para volcarse en su trabajo.

Sin embargo, el resultado final de este biopic es un tanto decepcionante. Elarranque es bueno y tiene momentos memorables –aunque no logran emocionar alespectador–, junto con algunas escenas simplemente lamentables -como aquella enla que Hoover recibe la noticia del asesinato a JFK–. Y en esto radica elprincipal defecto de J.Edgar, quetemas como el magnicidio de JFK, junto con muchos otros de la historiaamericana, que habrían dado para mucho, se abordan en la película de modosuperficial y como pasando de puntillas por ellos. En cambio, se da excesivoprotagonismo en la película, sobre todo en la última media hora, a una supuestarelación homosexual de Hoover con su director adjunto, Clyde Tolson.

JANE EYRE

2011-12-01T14:37:00.001+01:00

País: Reino Unido. Dirección: Cary Fukunaga.Intérpretes: Mia Wasikowska, Jamie Bell, Michael Fassbender,Judi Dench, Sally Hawkins, Tamzin Merchant. Argumento:CharlotteBrontë (novela). Guión: Moira Buffini.Música:DarioMarianelli. Fotografía: Adriano Goldman. Distribuyeen Cine: AContracorriente. Duración: 120 min. Públicoapropiado: Aptapara todos los públicos. Género:DramaRomántico. Estreno: 02-12-2011.

Lafortaleza del amor

Jane Eyre huye, durante una noche de tormenta,de Thornfield House, una mansión inglesa donde trabaja como institutriz de laahijada del dueño de la casa: el taciturno y enigmático Edward Rochester. Lafría e impresionante mansión y el mal carácter del Sr. Rochester, ponen a pruebala fortaleza de Jane, que ha sido educada en un orfanato. El descubrimiento delterrible secreto que esconde la casa, desencadena la marcha de la joven institutriz.Pero nunca podrá olvidar lo que allí ha vivido y su ambigua relación –compuestaa base de afecto, desdén y firmeza– con el Sr. Rochester.

De la novela romántica de CharlotteBrontë ya existían varias versiones cinematográficas (una clásica protagonizadapor Orson Welles y Joan Fontaine; y otra de los años noventa dirigida porFranco Zeffirelli, y protagonizada por Charlotte Gainsburg y William Hurt) perola que ahora llega a nuestras pantallas probablemente sea la mejor versión que seha filmado. Y ello por varios motivos: a) JaneEyre es puro cine, no se aprecia casi nada su origen novelesco; b) estapelícula muestra como se puede contar una historia de amor con emoción e inteligenciasin recurrir al sentimentalismo facilón o al tópico erotismo; y c) la interpretación(a cargo de un reparto de lujo) es sencillamente magistral.

No obstante, si a usted le deprime enexceso el clima brumoso, constantemente lluviosoy sin sol, tal vez no le agrade esta película. Pero, créame, se trata de una minuciaque no justifica perderse este bello drama romántico.

UN DIOS SALVAJE (Carnage)

2011-11-17T15:50:00.001+01:00

País:Alemania, España, Francia, Polonia. Dirección: Roman Polanski. Intérpretes: Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly. Guión:RomanPolanski, Yasmina Reza.Música: Alberto Iglesias. Fotografía:PawelEdelman. Distribuye en Cine:Altafilms.Duración:79min. Públicoapropiado: No recomendada para menores de 16 años. Género: Comedia, Drama. Contenidos: D. Estreno: 18-11-2011.

Cuatropersonajes a la deriva

Una pelea entre chavales, en un parque,provoca que uno de ellos pierda algunos dientes y casi un ojo. Sus padresconciertan una entrevista en la casa del chaval herido para pactar de modocivilizado una solución al asunto, y así limar asperezas entre ellos. Nancy yAllan, los padres del agresor, aparentan ser una pareja muy educada pero algoestirada (él es abogado y ella inversora en bolsa), y los padres de la víctima,Penélope y Michael, son de clase más modesta y parecen un matrimonio perfecto:él es ferretero y ella está escribiendo un libro sobre el sufrimiento enÁfrica. Pero lo que iba a limitarse a una visita de cortesía empieza a enredarse.La aparente corrección del principio salta por los aires y los cuatropersonajes dejan ver su auténtico rostro.

Elpolémico director Roman Polanski adapta con eficacia para la gran pantalla unaobra teatral de la dramaturga Yasmina Reza (muy conocida por Arte, una pieza que interpretó ennuestras salas Ricardo Darín). Polanski hace un minucioso análisis, más bienuna cruel disección –al estilo de Woody Allen– de cuatro personajes típicos de la clase culta occidental, lo que lepermite revelar las contradicciones de un modo de vida sin un rumbo moral fijoy ausente de toda referencia trascendente.

El resultado es una película tragicómica, con un tono ácido y desesperanzador,pero que destapa el absurdo de una generación que posee de todo menos lo másimportante: un sentido claro para sus vidas. Esta precaria situación les impideafrontar con acierto temas cruciales como las crisis de pareja, la educación delos hijos o la ética profesional.

HABEMUS PAPAM

2011-11-02T17:20:00.004+01:00

País: Francia, Italia. Dirección y guión: Nanni Moretti. Intérpretes: Nanni Moretti, Michel Piccoli, Margherita Buy, RobertoNobile, Jerzy Stuhr, Renato Scarpa, Dario Cantarelli, GianlucaGobbi. Música: Franco Piersanti. Fotografía: AlessandroPesci. Distribuye en Cine: Vértigo. Duración: 102 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 16 años. Género: Comedia, Drama. Estreno: 04-11-2011.

Una comedia amarga

Trasla muerte y los funerales por el Papa, en el Vaticano se celebra un cónclavepara elegir a un nuevo pontífice. Todos los cardenales suplican a Dios que norecaiga sobre ellos esa pesada carga. Después de varias votaciones y cambio decandidatos, al final resulta elegido un cardenal francés. Cuando el nuevo Papase dispone a salir al balcón de la basílica de San Pedro, después del tradicionalanuncio (Habemus Papam), sufre unataque de pánico y no llega a asomarse para bendecir a los fieles. Todos quedandesconcertados y sin saber quién es el elegido.

Loscardenales, aconsejados por el jefe de la oficina de prensa de la Santa Sede, recurrena los servicios de un psicoanalista ateo muy prestigioso para que atienda al Papa.La terapia del psicólogo no funciona, por lo que el jefe de prensa y unos pocosguardaespaldas acuden de incógnito con el Santo Padre a ver a una terapeuta (exmujer del psicólogo); en un descuido de sus acompañantes, el Obispo de Romadesparece y se pierde por las calles de la ciudad eterna. Entretanto, ignorantesde su desaparición, el psiquiatra (recluido en el Vaticano para que no desvele laidentidad del nuevo sucesor de san Pedro) y los cardenales pasan el tiempo entrepartidas de cartas y ligas de voleibol.

Comose puede apreciar, Habemus Papam esuna comedia vaticana caricaturesca, pero de tono amable (el cine italiano sueleser más elegante, a la hora de abordar la temática religiosa, que cierto cine español).Sin embargo, esta apreciación no debe hacernos olvidar que la comedia estádirigida por un realizador que es ateo militante, y que no puede evitar ofreceruna estampa surrealista, y algo grotesca en ocasiones, de una realidad misteriosaque no llega a comprender: la Iglesia Católica. Entre risas y emociones,Moretti introduce con sutileza algunas píldoras críticas sobre la institución católica.En otros casos, su desconocimiento de la antropología cristiana le lleva a poneren boca de un personaje la peregrina idea de que el inconsciente es incompatiblecon la idea de alma.

Peroel principal defecto de esta película italiana no estriba en el contenido sinoen la forma: un guión errático que tras una primera media hora ingeniosa y prometedora,se estanca y comienza a divagar, a repetir situaciones y alargar escenas que noaportan nada a la historia principal, para desembocar al final en un desenlacedesolador, pero sincero, lleno de ese pesimismo propio de los que, como NanniMoretti, han perdido toda esperanza.

EL ÁRBOL DE LA VIDA (The Tree of Life)

2011-10-08T17:04:00.003+02:00

País: EE.UU. Dirección y guión: Terrence Malick. Intérpretes: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Fiona Shaw, Brayden Whisenhunt, Cole Cockburn, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Tye Sheridan. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Distribuye en Cine: Tri Pictures. Duración: 139 min. Público apropiado: Apta para todos los públicos. Género: Drama. Estreno: 16-09-2011.

Una odisea espiritual

Texas años 50. Una familia católica del medio-oeste americano, los O’Brien, formada por el matrimonio y tres hijos, pasan por el mal trago de perder a su segundo hijo con 19 años. La película se centra en Jack, el hijo mayor, que pasa de la inocencia de la infancia, guiado por una madre piadosa y llena de bondad, hasta la crisis en la relación con su padre (interpretado por Brad Pitt), un hombre íntegro y voluntarista, pero excesivamente rígido. Ya en nuestra época, Jack (representado por Sean Penn) es un arquitecto de prestigio que se siente perdido en un mundo sin alma, en el que busca respuestas sobre el origen y significado de la vida, a la vez que intenta recuperar la fe de su infancia.

Toda la película consiste en un gigantesco flash back cósmico-teológico (con su correspondiente flash-forward), pues recorre no solo la infancia del protagonista sino toda la historia del universo (desde la creación, el origen de la vida, el primer pecado del protagonista y el perdón, hasta los nuevos cielos y la nueva tierra en los que no habrá llanto ni dolor). De hecho, la película no sigue una línea temporal fija, sino que nos muestra algo parecido a lo que sería el punto de vista de alguien que se sitúa fuera del tiempo, y ve simultáneamente el pasado, el presente y el futuro, y esa persona no puede ser otra que Dios.

Dios y el hombre son los protagonistas indiscutibles de El árbol de la vida. Por lo que nada más lógico que la película arranque con una cita bíblica, del Libro de Job, en la que Dios responde a las quejas de alguien que sufre por la pérdida de un ser querido: “¿Dónde estabas cuando Yo cimentaba la tierra? / Explícamelo, si tanto sabes….”. Y, a continuación, una voz femenina enuncia las coordenadas en las que se va a desenvolver la historia: “Hay dos caminos que puedes seguir en la vida: el de la naturaleza y el de la Gracia”, (traducido al español como “el de lo divino”). El camino de la Gracia no teme desagradar ni huye de los sacrificios y los insultos. Mientras que el camino de la naturaleza tiende a la autocomplacencia y la autoafirmación sobre los demás.”

El árbol de la vida no es una película convencional, es decir, con una trama narrativa que se pueda seguir fácilmente; es más bien, una obra poética que hay que contemplar como se hace con una sinfonía o con la actitud del que admira la capilla Sixtina o visita una catedral. De ahí que el espectador que no posea un mínimo de sensibilidad, estética y espiritual, abandonará el visionado de esta hermosa obra antes de los primeros 20 minutos de proyección.

Decía John Lennon, hablando de 2001, una odisea del espacio –una película similar a El árbol de la vida, en cuanto a puesta en escena, pero muy diversa en cuanto a su fondo, como luego diremos– que se debería proyectar en un templo las 24 horas del día. Una exageración que se hubiera podido suavizar si el malogrado beatle hubiera podido contemplar la película que estamos comentando.

En efecto, El árbol de la vida se puede visionar como la réplica cristiana a la película de Kubrick antes citada. En 2001, una odisea del espacio, el director americano nos ofrecía una visión pesimista del ser humano y del cosmos. En El árbol de la vida, Malick, otro cineasta estadounidense (y filósofo, pues hizo una tesis sobre Heidegger y fue profesor en el MIT) nos ofrece todo un espectáculo visual para situar a la persona humana en el centro del universo y a la persona divina como el Autor principal de todo el devenir planetario y existencial. En la película de Kubrick, y en las de otros autores que eluden la mirada trascendente a lo real, se intenta mostrar al hombre como una mota de polvo perdida en el cosmos, fruto del azar y destinada a la nada. Por el contrario, Malick, sin negar nuestra evidente pequeñez en el conjunto del cosmos, muestra que existe una poderosa conexión entre lo universal y lo personal. En gran medida, la belleza de El árbol de la vida consiste en este entramado orgánico entre el microcosmos personal de una familia de una pequeña localidad de Texas, y el macrocosmos guiado por el Padre de los Astros.

Por eso carece de sentido que algunos pocos hayan tildado a esta película de panteísta o de New Age, pues la referencia constante a un Dios personal, a la libertad y responsabilidad del hombre (con una conocida cita de san Pablo), al perdón y al amor, sitúan El árbol de la vida en una órbita netamente cristiana. Como prueba visual de ello se puede advertir que en un momento del filme, en el que un sacerdote habla de buscar un apoyo seguro entre tanta duda, oscuridad y sufrimiento, la cámara enfoca una vidriera que representa a Jesucristo. De ahí el lema principal del filme: “Si no sabes amar, tu vida pasará como un destello”, una clara alusión al Dios que es Amor.

BLACKTHORN. SIN DESTINO

2011-06-30T13:59:00.002+02:00

País: España. Dirección: Mateo Gil. Intérpretes: Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea, Magaly Solier, Nikolaj Coster-Waldau, Padraic Delaney, Dominique McElligott. Guión: Miguel Barros. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Juan Ruiz Anchía. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 98 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Western. Contenidos: VSD. Estreno: 01.07.2011.

Dos hombres y un destino

Blackthorn es un filme peculiar por dos motivos: es un western, el género por antonomasia del cine americano, que parece muerto pero siempre resucita, en este caso de la mano de un director español, y el otro motivo que produce perplejidad es que se trata de una secuela de una película americana de hace 40 años protagonizada por Robert Redford y Paul Newman: Dos hombres y un destino.

El clásico citado terminaba con un final abierto que hacía prever la muerte de los protagonistas. Blackthorn comienza en Bolivia 20 años después del desenlace de Dos hombres y un destino con un Butch Cassidy anciano que ha aprovechado que fue dado por muerto junto con Sundance para permanecer escondido sin que la justicia le persiga. Cuando inicia un viaje a USA para conocer a su sobrino se encuentra por el camino con Eduardo Apocada, un ingeniero español que ha robado el dinero de la mina en la que trabajaba, y al que persiguen un grupo de bolivianos.

Blackthorn es un western crepuscular, es decir: de ritmo pausado –lo que no quita que se den algunas escenas de tiroteos y acción– acorde con unos personajes cansados de la vida, cínicos y antiheroicos, acompañados por una buena banda sonora llena de canciones del far west, una bella fotografía y unos inmensos paisajes solitarios.

Mateo Gil, habitual colaborador de Amenábar, ha hecho un trabajo correcto y ha dejado de lado, aunque no del todo, el aire escéptico y antirreligioso de sus anteriores filmes.

UN CUENTO CHINO

2011-06-16T13:32:00.006+02:00

País: Argentina, España. Dirección y guión: Sebastián Borensztein. Intérpretes: Ricardo Darín, Huang Ignacio, Muriel Santa Ana, Javier Pinto. Fotografía: Rolo Pulpeiro. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 93 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Comedia. Contenidos: S. Estreno: 17-06-2011.

La extraña pareja

Roberto De Cesare es un ferretero argentino solitario y cascarrabias que luchó de joven en la Guerra de las Malvinas y que colecciona recortes de noticias insólitas, como el caso de una vaca que cayó de un avión de transporte en China, lo que ocasionó la muerte de una mujer, dejando desconsolado a su prometido.

Roberto está enamorado de la cuñada de un amigo, una mujer sencilla de pueblo, que adora a Roberto, pero éste no se atreve a comprometerse y prefiere seguir con su vida insociable, maniática y rutinaria. Pero su gris existencia dará un giro inesperado cuando observa como arrojan de un taxi, de malos modos, a un muchacho oriental al que decide acoger temporalmente en su casa. El joven no sabe ni una palabra de español y lo único que consigue adivinar el ferretero es que busca a su tío.

Simpática comedia de pocos personajes y sencilla puesta en escena, pero de guión poco trabajado y simple en exceso, que sin embargo sale a flote gracias al buen hacer actoral de Ricardo Darín, que imprime humanidad a un personaje antipático, pero de buen corazón.

Una película en definitiva, que nos habla de la necesidad de comunicación interpersonal y también, aunque tal vez los autores no sean conscientes de ello, de que no todo es azar absurdo en este mundo pues los sucesos y las cosas de la vida tienen un sentido que nos trasciende y no siempre logramos comprender.

UNA MUJER, UNA PISTOLA Y UNA TIENDA DE FIDEOS CHINOS

2011-05-19T13:34:00.000+02:00

País: China. Dirección: Zhang Yimou. Intérpretes: Sun Honglei, Ni Dahong, Yan Ni, Xiao Shen-Yang, Xiaojuan Wang. Guión: Shi Jianquan, Shang Jing. Fotografía: Zhao Xiaoding. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 95 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Comedia, Drama, Thriller. Contenidos: V. Estreno: 20-05-2011.

La casa de los líos

Wang –un hombre huraño que maltrata a su esposa– regenta un local de fideos en medio de una zona desértica. Un día, avisado por un policía amigo suyo, descubre que su bella mujer mantiene una aventura con uno de los empleados, un tipo bastante pusilánime. Indignado, decide pagar al policía para que asesine a los dos amantes, pero no cuenta con que su mujer ha comprado una pistola a un extraño mercader.

Esta peculiar película supone el regreso a la gran pantalla, después de cuatro años, del mejor cineasta chino de la actualidad: Zhang Yimou, autor de excelentes dramas como El camino a casa o Ni uno menos y de cintas de acción como Hero o La casa de las dagas voladoras. Pero ahora nos sorprende con el remake de una película americana: Sangre fácil (1984) la opera prima de los hermanos Coen.

Yimou traslada la acción de la Texas de los años ochenta a la China de hace varios siglos, e intenta combinar la comedia disparatada en la primera parte con el humor macabro de los Coen en el desenlace. El resultado es digno (sobre todo a nivel de puesta en escena y fotografía) pero se encuentra muy por debajo de la categoría artística y humana a la que nos tiene acostumbrados este genial director.

ALEXIA

2011-05-05T10:59:00.000+02:00

País: España. Director: Pedro Delgado. Voces de doblaje: Miriam Fernández (Alexia), Richard del Olmo (Hugo), Ignacio Aramburu (Paco), Mila Fernández (Moncha) y María Teresa Neila (Celes). Guión: Pedro Delgado y Jerónimo José Martín. Productores ejecutivos: Andrés Barbé y Jaime Martul para Formato Producciones, Alquitara Films y European Dreams Factory. Productores asociados: Jerónimo José Martín y Filomeno Martínez de Aspe. Música: Íñigo Guerrero. Fotografía: Moncho Rebón. Distribuye en cine: European Dreams Factory. Género: Documental biográfico. Año de producción: 2011. Duración: 70 min. Público apropiado: Para todos los públicos. Estreno: 13-05-2011.

El verdadero Camino

Alexia González-Barros es una muchacha madrileña que falleció con fama de santidad en 1985 tras una dolorosa enfermedad causada por un tumor maligno. El heroísmo, entereza y serenidad de la muchacha ante el dolor, y el gran número de devotos que suscitó (y sigue suscitando) entre jóvenes de todo el mundo, dieron lugar a que se iniciara el proceso canónico para su beatificación y canonización.

La historia de Alexia es una hermosa epopeya de fe, amor y sacrificio que fue malinterpretada por Javier Fesser en su película Camino (puede leerse en este mismo blog mi reseña sobre la misma y una carta abierta a su director). Tal despropósito llevó a otro miembro de la Academia de Cine y autor de algunas películas de animación, Pedro Delgado, a embarcarse en un proyecto que hiciera justicia a una joven que mostró con su vida aquello que proclamaba el beato Juan Pablo II: “se puede ser moderno y a la vez profundamente cristiano”. Le acompaña en la elaboración del guión Jerónimo José Martín, reputado crítico de cine y presidente del CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos).

El resultado es un documental en el que la propia Alexia y Hugo, su ángel custodio, con el apoyo de muchas imágenes de video casero que rodó Paco –el padre de Alexia– nos muestran con sencillez y sentido del humor (algunas recreaciones con dibujos de sucesos de su vida son francamente divertidas) el relato de una niña vitalista, alegre, que le gusta bailar, el cine, pintar cuadros, hacer vela, viajar, pero que también sabe que su existencia no finaliza en esta tierra, y con una entereza impropia de sus catorce años afronta sus momentos finales. En definitiva, una película que se ve con agrado, sin escenas desagradables, con buena música y que no dejará indiferente al espectador.

CÓDIGO FUENTE (Source Code)

2011-04-14T13:02:00.001+02:00

País: EE.UU. Dirección: Duncan Jones. Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga. Guión: Ben Ripley. Música: Chris Bacon, Clint Mansell. Fotografía: Don Burgess. Distribuye en Cine: Aurum. Duración: 98 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Thriller de ciencia ficción. Estreno: 15-04-2011.

El tren de la vida

Colter Stevens, un piloto estadounidense destinado en la guerra de Afganistán, despierta de improviso en un tren de cercanías que se dirige a Chicago. Tras la conmoción inicial, descubre sentada frente a él a una joven que parece conocerle pero que le llama por otro nombre. Para asombro suyo, Colter advierte que en su cartera figura la documentación de otro hombre, y al mirarse al espejo no se reconoce. De repente se produce una fuerte explosión en el tren, y Stevens aparece en una unidad de aislamiento de alta tecnología. Allí le informan, una militar y un científico, de lo que será su última misión: tiene 8 minutos para encontrar la bomba y al terrorista que la ha colocado.

Código fuente recuerda a películas como En el punto de mira o Atrapado en el tiempo, en las que una misma situación se repite una y otra vez, pero desde diferentes ángulos. En este caso, Duncan Jones también se ha servido de esta estrategia para ahondar en la temática de las segundas o terceras oportunidades en la vida y los universos alternativos, a la par que traza una creíble subtrama amorosa y, en definitiva, logra un relato entretenido, que no abusa de los efectos especiales y mantiene el suspense hasta el final, aunque el epílogo sea prescindible y algo rebuscado.

ÁGUILA ROJA, LA PELÍCULA

2011-04-14T12:58:00.000+02:00

País: España. Dirección: José Ramón Ayerra. Intérpretes: David Janer, Javier Gutiérrez, Inma Cuesta, Pepa Aniorte, Francis Lorenzo, José Ángel Egido, Santiago Molero, Xavier Elorriaga, Mariano Peña, Antonio Molero, Martina Klein. Argumento: Daniel Écija (los personajes de la serie). Guión: Pilar Nadal, Juan Manuel Córdoba, Guillermo Cisneros. Música: Daniel Sánchez de la Hera. Fotografía: Adolfo del Casar. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 120 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Aventuras. Contenidos: VS. Estreno: 20-04-2011.

Folletín a la española

Madrid, siglo XVII. El rey de las Españas, Felipe IV, convoca en El Escorial una cumbre al más alto nivel: El Papa y los reyes de Inglaterra y Francia, con el fin de lograr un importante acuerdo de paz. Pero los monarcas extranjeros han urdido un complot para acabar con el rey español y repartirse el país. Para asegurar el éxito de la conspiración, los implicados pagan a un feroz cosaco para que mate al Águila Roja. Al mismo tiempo, una enigmática y bella mujer solicita la ayuda del héroe. Pero todo se vendrá abajo cuando, en el transcurso de una pelea, Alonso resulte herido.

Llega a la gran pantalla uno de los grandes éxitos televisivos de los últimos años, y eso que podría parecer un logro se convierte en el mayor lastre de esta película, pues como dice el refrán… aunque la serie se vista de cine, tele se queda: asombra la pobreza de decorados y realización de lo que parece sin más otro capítulo del aclamado folletín emitido por TVE y creado por Globomedia. Llama poderosamente la atención que con toda la nómina de palacios y castillos diseminados por nuestra geografía se recurra en esta película a pobres decorados (los mismos de la serie); ni siquiera se saca partido al majestuoso monasterio de El Escorial.

En cuanto al tratamiento de la historia, Águila roja, la película, vuelve a incidir en los tópicos y defectos de la serie (falta de rigor histórico, enfoque sombrío de nuestro Siglo de Oro, caricatura de los eclesiásticos y recurso al desnudo gratuito), aunque sin cargar las tintas tanto como en la pequeña pantalla, tal vez para buscar un público más amplio y lograr un gran rendimiento de taquilla.

RUEDA DE PRENSA (THERE BE DRAGONS)

2011-03-24T17:26:00.003+01:00

"No se puede ser santo y no ser polémico"

El martes 22 de marzo se celebró una rueda de prensa en un hotel madrileño para presentar el último filme del director inglés Roland Joffé. Estuvieron presentes, además del citado director, el productor, el director artístico y casi todo el reparto. Charlie Cox, que interpreta a Escrivá, llegó el miércoles a Madrid para acudir a los preestrenos del filme en los cines Palafox y Capitol.

Al inicio de la rueda de prensa, Roland Joffé contó una anécdota personal de cuando era un chaval y viajaba con su tío por Francia: "Iba conduciendo el coche, y en Perpiñán, en cierto momento, detuvo el coche, y tenías las manos agarrotadas, se le habían quedado blancas. Dijo que no podía seguir, y se echó a llorar. Era la primera vez que veía a una persona mayor llorar, no sabía que también lloraban. Y es que mi tío había combatido de joven en la guerra civil española".

También afirmó que su intención era reflejar lo que más le sorprendió de Josemaría Escrivá de Balaguer: su defensa de la libertad de elegir y tomar decisiones "que después hagan sentirse a uno orgulloso. En la época de la producción de automóviles en masa, los Ford T, todos iguales, y de la producción masiva de ideología, me parecía que no importaba la libertad de elegir. Y aquí el pensamiento de Josemaría es muy original, habla de ser dueño de tus propias decisiones, de no permitir que te deshumanicen."

Ante la pregunta de una periodista sobre el carácter controvertido y discutido que para algunos posee el protagonista del filme, respondió que el hecho de que el fundador del Opus Dei sea un personaje "controvertido" es "lo que más le interesó" pues, a su juicio, "no se puede ser santo y no ser polémico" ya que un santo innova y apuesta por algo. E incluso relató, con el proverbial sentido del humor inglés, lo siguiente: “Cuando le dije a un amigo que me había metido en esta película, me dijo que estaba loco. Que el Opus Dei era una organización fascista, que han asesinado a millones de personas. Y yo le dije: ¿cómo sabes eso? Buenooo, eh…, no han matado a gente pero son superinfluyentes y controlan la Iglesia. Y yo digo 'muy interesante, ¿y cómo controlan la Iglesia? ¿Hipnotizan al Papa?'. No, a través de los cardenales y los obispos. ¿Y cuántos cardenales y obispos hay del Opus Dei? Muchos miles. ¿Ah sí?, pues sólo hay dos y el total de cardenales no llega a 200. Bueno, pues los obispos que son muchos… Al final, la cosa adquiere tintes de pastiche cómico. Yo por lo que veo no es una sociedad con una opinión determinada, veo que está compuesto por personas que se reúnen para trabajar su relación con Dios, pero no veo que tengan otro punto de vista que el de defender que cada uno tenga su punto de vista. Lo que resulta muy sorprendente en una sociedad tan ideologizada". Y concluye: "Pero esta película no pretende justificar ni explicar ni rehabilitar el Opus Dei. Tiene un poquito de la vida de Escrivá. Pero no ofrezco las cosas desde ese ángulo. Lo que muestra son decisiones de personas, y deja el juicio al espectador. Por supuesto que siempre habrá diferencias en el modo en que la Iglesia ve a los gays o cómo enfoca la ordenación de mujeres, pero cierta imagen de las cosas es pura superstición."

Y para dejar clara la independencia de su punto de vista, el director de Encontrarás Dragones señala que no se considera una persona "muy espiritual" y que, "como buen británico, prefiere el humor". No obstante, ha admitido que, tras rodar este film, tiene "más conocimiento e interés" por la religión.

De ello también hablaron los actores españoles, cuyos personajes son todos históricos. Bassave explicó que había leído varios libros para recrear su interpretación de Juan Jiménez Vargas "uno de los primeros discípulos de Escrivá, con el que fundó la primera casa". Ana Torrent, que interpreta a Dolores, la madre de Escrivá, también acudió a sus libros, y destaca de su personaje que "era muy religiosa, tenía mucha fe y un gran amor y admiración por su hijo". Unax Ugalde comentó que le ayudó mucho la autobiografía de su personaje, Pedro Casciaro (Soñad y os quedaréis cortos), uno de los primeros miembros del Opus Dei, que pertenecía a una familia republicana y de tradición anticlerical.

ENCONTRARÁS DRAGONES (There Be Dragons)

2011-03-17T14:39:00.007+01:00

País: España, EE.UU., Argentina. Dirección y guión: Roland Joffé. Intérpretes: Charlie Cox, Wes Bentley, Dougray Scott, Unax Ugalde, Ana Torrent, Rodrigo Santoro, Olga Kurylenko, Jordi Mollà, Geraldine Chaplin, Alfonso Bassave, Derek Jacobi. Producción: Roland Joffé, Guy J. Louthan, Ignacio Núñez e Ignacio Gómez Sancha. Montaje: Richard Nord. Diseño de producción: Eugenio Zanetti. Vestuario: Yvonne Blake. Música: Stephen Warbeck. Fotografía: Gabriel Beristain. Distribuye en Cine: Aurum. Duración: 112 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 7 años. Género: Biográfico, Drama, Épico. Contenidos: V. Estreno: 25-03-2011.

Amor y perdón en tiempos revueltos

Roberto Torres es un periodista afincado en Londres que prepara un libro sobre un sacerdote español, Josemaría Escrivá, cuya próxima beatificación ha causado un gran revuelo mediático. Durante su investigación, Roberto descubre asombrado que su padre –con el que no se habla desde hace años– y Josemaría eran del mismo pueblo, incluso fueron amigos durante varios años, hasta el inicio de la Guerra Civil. Manolo Torres advierte a su hijo que abandone esa indagación, ya que puede destapar terribles sucesos de su propio pasado.

La trama se desarrolla en tres épocas: años 20, la contienda civil y los años 80. La película salta de una a otra con un ritmo trepidante que no da un respiro al espectador: juegos de niños, explosiones, amor, celos, perdón…; en este sentido, Encontrarás dragones es una película plenamente comercial –pero de calidad, con un espléndido diseño de producción (fotografía, decorados, maquillaje, vestuario)- que busca entretener a un público amplio y a la vez trasmitir una historia de hondo calado humano y religioso.

Encontrarás dragones supone el regreso de Roland Joffé al cine épico-histórico que le consagró como director hace más de veinte años. Al igual que hizo en La misión vertebra su relato contraponiendo dos modos de ver el mundo y de enfrentarse a los grandes misterios de la vida: en este caso la figura de Josemaría Escrivá fundador del Opus Dei, por un lado, y por otro un personaje de ficción, Manolo Torres, el hijo de un capitalista que acaba alistándose en el bando republicano. Aunque el director ha declarado que no pretende hacer una película histórica sobre la Guerra Civil española, sino mostrar si es posible -tal y como predicaba Escrivá– encontrar a Dios en la vida ordinaria cuando lo cotidiano es una guerra; cómo respondemos a esos dragones que son la duda, el odio, el rechazo o el deseo de venganza; cómo ser justos o santos en medio de ese infierno.

En el fondo, Encontrarás dragones es un peliculón sobre las dos grandes fuerzas que pueden salvar el mundo y dar sentido a la vida humana: el amor y el perdón.

NUNCA ME ABANDONES (Never Let Me Go)

2011-03-10T18:05:00.003+01:00

País: EE.UU., Reino Unido. Dirección: Mark Romanek. Intérpretes: Carey Mulligan, Andrew Garfield, Keira Knightley, Charlie Rowe, Ella Purnell, Charlotte Rampling. Argumento: Kazuo Ishiguro (novela). Guión: Alex Garland. Música: Rachel Portman. Fotografía: Adam Kimmel. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 103 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 16 años. Género: Drama, Ciencia ficción. Contenidos: X. Estreno: 18-03-2011.

Niños-medicamento

Kathy es una cuidadora de treinta años que rememora su infancia y adolescencia en Hailsham, un singular centro educativo inglés que alberga a numerosos niños y niñas que no tienen familia y desconocen su futuro, aunque lo intuyen. Les espera un sombrío destino, pues son clones creados para servir como personas-medicamento. Tendrán que donar sus órganos en sucesivas operaciones hasta que su organismo no resista más y completen. La trama se centra sobre todo en la relación de Kathy con su amiga Ruth y con Tommy, del que está enamorada.

Llega a la pantalla la esperada adaptación de la obra homónima del novelista inglés de origen nipón, Kazuo Ishiguro, que no es una figura ajena al mundo del celuloide. Una de sus mejores novelas, Los restos del día, fue llevada con maestría a la gran pantalla por James Ivory, con Anthony Hopkins y Emma Thompson como protagonistas. Incluso se ha lanzado a escribir un guión cinematográfico, La condesa rusa, filmado también por Ivory y protagonizado por Ralph Fiennes y la malograda Natasha Richardson.

Es una lástima que Nunca me abandones no llegue a la altura de su original literario. Se han desaprovechado en la puesta en escena muchas imágenes potentes y emotivas de la novela y sin embargo se ha dado al sexo un protagonismo superior al que tiene en el conjunto del libro, pero sin llegar a sugerir del todo algo que la novela apunta de un modo inteligente pero sutil: la gran confusión y el tono sombrío que adquiere el sexo tanto para los alumnos-clones de Hailsham, como para los profesores. Pues estos les animan a practicarlo, pero a la vez sienten cierto reparo ante unas relaciones que no serán fecundas –los clones son estériles– ni permitirán crear un vínculo estable, pues su existencia está diseñada para convertirles en futuros donantes de órganos.

Tampoco refleja la película la existencia de cierto sentido de culpabilidad en algunos responsables de ese proyecto. La novela lo expresa cuando una de las coordinadoras, Marie-Claude, confiesa entre lágrimas a una Ruth ya adulta que: “Lloraba por una razón totalmente diferente. Cuando te vi bailando aquella tarde, vi también algo más. Vi un mundo nuevo que se avecinaba velozmente. Más científico, más eficiente. Sí. Con más curas para las antiguas enfermedades. Muy bien. Pero más duro. Más cruel. Y veía a una niña, con los ojos muy cerrados, que apretaba contra su pecho el viejo mundo amable, el suyo, un mundo que ella, en el fondo de su corazón, sabía que no podía durar, y lo estrechaba con fuerza y le rogaba que nunca, nunca la abandonara. Eso es lo que yo vi. No te vi realmente a ti, ni lo que estabas haciendo. Pero te vi y se me rompió el corazón. Y jamás lo he olvidado.” (p.333)

A pesar de todo, la película puede suscitar una interesante reflexión ética sobre nuestro mundo y su futuro. Algo que ya lograron películas como Blade Runner, Gattaca o La isla. Lo ideal sería que esta película apelara a las personas que detentan algún tipo de autoridad para configurar el futuro de la sociedad: los científicos y los políticos. Ojalá que estos colectivos no hagan oídos sordos a la función de denuncia profética que ostentan algunos relatos futuristas como Nunca me abandones.

DESTINO OCULTO (The Adjustment Bureau)

2011-03-02T13:57:00.003+01:00

País: EE.UU. Dirección y guión: George Nolfi. Intérpretes: Emily Blunt, Matt Damon, Michael Kelly, Terence Stamp, John Slattery, Anthony Mackie. Argumento: Philip K. Dick (relato "Adjustment Team"). Música: Thomas Newman. Fotografía: John Toll. Distribuye en Cine: Universal. Duración: 105 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Ciencia ficción, Romántico, Sobrenatural. Contenidos: VS. Estreno: 04-03-2011.

Libertad, destino y providencia divina

David Norris aspira a convertirse en el senador más joven de EE.UU, pero ve frustrada su elección por culpa de su carácter espontáneo e impulsivo. La noche de la derrota conoce a Elisa, una bailarina de ballet que podría convertirse en el amor de su vida. Pero siempre que se encuentra con ella, unos misteriosos personajes vestidos con sombrero y gabardina irrumpen en su vida e impiden que su relación amorosa se consolide. Dichos individuos son una especie de ángeles que pertenecen al Departamento de Ajustes y que deben velar para que, en la medida de lo posible, los seres humanos no se desvíen del camino trazado por su Jefe, el Director.

Destino oculto es una película basada en un relato de Philip K. Dick, un novelista que ha inspirado filmes como Blade Runner, Minority Report y muchos otros. El espectador cinéfilo también encontrará alguna leve referencia a otra película sobre ángeles como es la alemana Cielo sobre Berlín. Y por supuesto alusiones a la historia de la filosofía y de la religión.

Pero no se engañe el lector, pues Destino Oculto aunque es un filme entretenido posee un guión muy flojo, está plagado de los habituales tópicos de lo políticamente correcto (en este caso un tutti frutti de creencias religiosas) y resulta muy superficial a la hora de plantear temas tan trascendentales como la libertad humana y su conexión con Alguien que conoce nuestro destino, lo que los teólogos clásicos llaman providencia amorosa de Dios sobre sus criaturas. La película, en cambio, alude a un Dios que tiene que ser corregido por un humano, lo cual se acerca mucho a una visión pagana (grecorromana, pero no cristiana) de la religión.

CISNE NEGRO (Black Swan)

2011-02-16T17:27:00.001+01:00

País: EE.UU. Dirección: Darren Aronofsky. Intérpretes: Natalie Portman, Mila Kunis, Winona Ryder, Vincent Cassel, Barbara Hershey. Guión: Andres Heinz, Mark Heyman, John J. McLaughlin. Música: Clint Mansell. Fotografía: Matthew Libatique. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 102 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 18 años. Género: Drama. Contenidos: VX. Estreno: 18-02-2011.

Descenso a los infiernos

Nina Sayers es una joven bailarina cuya vida está totalmente absorbida por la danza. Vive con su madre, una mujer que abandonó su carrera musical al quedarse embarazada y confía en que su hija logre lo que ella no pudo alcanzar. La oportunidad de triunfar se presenta cuando el director artístico del ballet, Thomas Leroy, decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada: “El lago de los cisnes”. Nina hará todo lo posible para conseguir ser la elegida que interprete dos personajes: la inocencia del Cisne Blanco y la astucia y sensualidad del Cisne Negro. Durante los ensayos, presionada por Thomas, y por su propia ambición, Nina emprenderá un descenso al abismo de su personalidad.

Cisne negro confirma a Natalie Portman como una de las mejores actrices del momento gracias a un magnífico talento dramático que le permite superarse en cada nuevo papel (¡ojalá se lleve el Oscar!). Por otra parte, la película nos envuelve en la peculiar atmósfera de Aronofsky, terrorífica a veces, surrealista y agobiante otras. Todo ello reforzado por un montaje dinámico, el empleo de continuas metáforas y numerosas escenas de ballet que harán las delicias de los aficionados a la danza. Otra cosa es que su propuesta temática convenza al espectador más crítico. Es en este punto donde el bello cisne no logra mantenerse a flote.

Aunque se aprecia cierta ambigüedad en la cinta, parece evidente que Cisne negro, por lo menos tal como yo lo veo, está proponiendo una tesis muy discutible, por no decir falaz: El éxito y la perfección de una obra exigen la degradación física y moral del artista. Y aquí es donde la cinta recurre a una serie de tópicos de corte freudiano –algunos parecen destinados a provocar el morbo del espectador– que deforman y simplifican una serie de cuestiones antropológicas trascendentales como son el anhelo por la belleza, la creatividad y la autorrealización en el trabajo.

Para preparar su papel, el director del ballet le propone a Nina, que es una muchacha elegante y austera aunque con desequilibrios emocionales, que explore en su lado más oscuro, que se deje llevar por los impulsos, que se sumerja en su sexualidad. Y Nina, tras un rechazo inicial, va a optar, casi sin darse cuenta, por la fascinación del vértigo, una actitud que no exige nada al principio pero lo promete todo: éxito, creatividad, plenitud personal; para dejar como saldo final el vacío y la desolación.

El delirio del cisne negro

Dicen algunos filósofos que esta pérdida del autocontrol a la que lleva el vértigo, como sucede en la embriaguez, es la causa de que se difuminen los contornos de la personalidad y de la intimidad. Desaparecen así los márgenes que protegen la dignidad personal. El sujeto, arrastrado por este frenesí, no se percibe a sí mismo como un yo distinto de los demás. Desaparece la conciencia de la individualidad personal y se ve a los otros como un único ser con el que hay que fundirse. Por eso el borracho, o el sometido al efecto de las drogas, ejecuta acciones que le resultarían censurables estando sobrio. Y Cisne negro muestra esto con gran originalidad e impacto visual: Nina se ve reflejada en las chicas que se cruzan con ella por la calle, y tras una noche loca de drogas y sexo despierta sin saber qué ha ocurrido en realidad.

Las diversas experiencias que conducen al vértigo –la ambición, el afán obsesivo de placer o la violencia– deterioran la personalidad en uno de sus elementos esenciales: el autocontrol. Pero no queda claro en el filme de Aronofsky si el análisis de ese tipo de conductas se hace con intención crítica o con la finalidad de que el espectador se quede deslumbrado por el espectáculo visual y la soberbia interpretación del reparto, para dejar de lado la reflexión moral que podría suscitar la historia de Nina Sayers.

No acierto a ver en Cisne negro (si algún lector lo descubre que me lo diga, please!) un discurso visual convincente sobre las relaciones entre creatividad y vida, razón e instinto o norma y libertad. Me parece que no se trata de dilemas irreconciliables, sino de contrastes: no hay que escoger entre una u otra de las potencias que mueven al ser humano, sino integrarlas para enriquecerlas. Tampoco se deben eliminar las tendencias. Esto no sería humano. Sin voluntad de placer o de poder el hombre muere, pierde todo interés por la vida. Más bien hay que dejar que la inmediatez del instinto se deje universalizar por la mente y los proyectos de la voluntad. No hay que ser tan ingenuo de tomar el primer valor que descubrimos como la cima de todo valor. Este malentendido es el causante del destino trágico de la protagonista de Cisne negro.

Por el contrario, el ser humano se perfecciona en la medida en que se trasciende al servicio de una causa o en el amor a otra persona. Es decir, la persona sólo se humaniza plenamente cuando se pasa por alto y se olvida de sí misma.

Nada de eso se aprecia en Cisne negro, sino una morbosa reclusión individualista en la propia intimidad, un narcisismo sensorial como espejismo del auténtico encuentro personal. Por eso no queda sitio para el amor, la amistad o el goce estético sereno en esta bella pero trágica película.

VALOR DE LEY (TRUE GRIT)

2011-02-09T13:58:00.000+01:00

País: EE.UU. Dirección y guión: Joel Coen, Ethan Coen. Intérpretes: Matt Damon, Hailee Steinfeld, Josh Brolin, Jeff Bridges, Barry Pepper, Domhnall Gleeson, Elizabeth Marvel, Ed Corbin. Argumento: Charles Portis (novela). Música: Carter Burwell. Fotografía: Roger Deakins. Distribuye en Cine: Paramount. Duración: 110 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Western. Contenidos: V. Estreno: 10-02-2011.

¡Viva el western!

Mattie Ross, una muchacha de 14 años, abandona su casa para que se haga justicia por el asesinato de su padre a manos de uno de sus empleados: Tom Chaney. Con una fuerza de carácter impropia de su edad, no parará hasta contratar a Rooster Cogburn, un alguacil alcohólico y gruñón, para que dé caza al criminal. Se unirá a ese peculiar dúo un tal LaBoeuf, de los Texas Rangers, que también busca a Chaney por el asesinato de un senador.

La búsqueda del forajido será ocasión para que aflore una entrañable relación, no exenta de tensiones, entre el trío protagonista. Pues Valor de ley no es la típica trama de venganza, en ella se aspira la justicia y a la honradez, como afirma la protagonista en una frase memorable: “El que comete un delito lo suele acabar pagando, pues nada hay gratis en este mundo, salvo la gracia de Dios”.

Los hermanos Coen nos ofrecen, después de cuarenta años, el remake de un filme que le permitió a John Wayne ganar el único Oscar de su carrera. Y hay que decir que el trabajo de los autores de Muerte entre las flores y No es país para viejos no desmerece del original rodado por Henry Hathaway. Más bien todo lo contrario, pues además de infundir nuevo vigor al género cinematográfico por antonomasia, imprimen a Valor de ley la peculiar atmósfera de los filmes de los Coen, con sus situaciones algo surrealistas y macabras.

THÉRÈSE

2011-01-27T14:51:00.000+01:00

País: Francia. Dirección: Alain Cavalier. Intérpretes: Catherine Mouchet, Hélène Alexandridis, Aurore Prieto, Clémence Massart-Weit, Sylvie Habault, Nathalie Bernart, Mona Heftre. Guión: Alain Cavalier, Camille de Casabianca. Fotografía: Philippe Rousselot. Distribuye en Cine: Karma Films. Duración: 94 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Drama biográfico. Estreno: 28-01-2011.

Cautivada por la alegría

Veinticinco años después de su estreno llega a las pantallas españolas, Therese, un bello y peculiar retrato de Therese Martin, más conocida como Teresa (o Teresita) del Niño Jesús, una joven religiosa carmelita, santa y doctora de la Iglesia, que vivió a finales del siglo XIX.

Therese Martin desea entrar en el Convento carmelita de Lisieux, como sus otras hermanas. Pero su juventud le impide ser aceptada. Para conseguir su deseo removerá Roma (nunca mejor dicho) con Santiago, pues incluso pide audiencia al Papa para hacerle su madura y a la vez ingenua petición.

Una vez dentro del convento, su carácter alegre, abierto y su afán de santidad ilumina la vida de sus compañeras. Therese es un alma sencilla que disfruta de las cosas gracias a su absoluta pureza de alma. También tendrá que lidiar con el sufrimiento físico y la prueba de su fe. Muere de tuberculosis a los 24 años de edad, dejando un cuaderno donde cuenta su “pequeña vida”, que se difunde por el mundo entero: “Historia de un alma”.

Cavalier ha intentado mostrar la existencia del personaje en su vida y muerte, con una puesta en escena sobria, sin decorados, que recuerda a lo que años después hará Lars von Trier en Dogville y ya se anticipó en la magistral Ordet de Dreyer.

La película en su conjunto es un retablo de gran belleza, salvo en su parte final en la que se muestra alguna situación desagradable para el espectador. Asimismo, se echa en falta una mayor hondura por parte del director a la hora de retratar la historia de esa alma grande que fue Teresa de Lisieux.

El filme obtuvo en su estreno un gran éxito de crítica y de premios. En el Festival de Cannes de 1986, el público emocionado y de pie aplaudió durante 20 minutos. También recibió en el mismo festival un premio especial del jurado, al que se añadieron meses después seis premios César, los Oscar del cine francés.

Más allá de la vida (Hereafter)

2011-01-19T18:23:00.001+01:00

País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Matt Damon, Bryce Dallas Howard, Cécile de France, Frankie McLaren, George McLaren, Lyndsey Marshal, Derek Jacobi. Guión: Peter Morgan. Música: Clint Eastwood. Fotografía: Tom Stern. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 129 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Drama. Estreno: 21-01-2011.

El más allá existe

George es una trabajador de San Francisco que tiene el curioso don de contactar con los muertos. Marie es una periodista francesa que está al borde de la muerte cuando un tsunami la sorprende de viaje por el sudeste asiático. Marcus y Jason son dos gemelos, hijos de una madre alcohólica, que viven en Londres. De modo imprevisto, fallece uno de ellos, lo que sumirá al otro en una depresión que le llevará a intentar contactar con él a toda costa.

Clint Eastwood prosigue su crepuscular indagación sobre los misterios antropológicos fundamentales: si en Gran Torino abordó el sentido religioso de la redención y la entrega a los demás y en Invictus el perdón como una cualidad sobrehumana, ahora aborda en Más allá de la vida el enigma de la muerte y lo que nos espera tras ese viaje. Y lo cierto es que, dicho así, resulta muy prometedor, y es de agradecer al octogenario director que plantee temas que parecen escabullirse de la gran pantalla y de la vida y conversación cotidiana de las gentes de nuestro siglo.

Pero hay que advertir que en este caso Clint Eastwood se ha quedado corto y no llega a la altura del mensaje de Gran Torino. La película va dando bandazos sin rumbo fijo, y al final sólo nos ofrece una vaga espiritualidad a lo New Age. Es significativo que se meta en el mismo saco a todas la religiones y no se las de voz en este gran debate. Se ha perdido la oportunidad de hacer un filme memorable, lo cual unido a un guión algo reiterativo y confuso en los momentos iniciales, resta puntos a un filme que, en cualquier caso, merece la pena visionar para apreciar la grandeza y limitación de un gran maestro del cine, el último clásico.

De dioses y hombres (Des hommes et des dieux)

2011-01-12T18:06:00.000+01:00

País: Francia. Dirección: Xavier Beauvois. Intérpretes: Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Jean-Marie Frin, Jacques Herlin, Philippe Laudenbach, Xavier Maly, Loïc Pichon, Olivier Rabourdin. Guión: Xavier Beauvois, Etienne Comar. Fotografía: Caroline Champetier. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 120 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 7 años. Género: Drama histórico. Estreno: 14-01-2011.

Amor cristiano y alianza de las civilizaciones

Francia presenta a los Oscar de este año una entrañable película basada en unos hechos reales ocurridos en Argelia en 1996: el secuestro y asesinato de siete monjes cistercienses de una abadía en las montañas del Atlas. Aunque el filme no recrea esos hechos trágicos, sino la vida de los monjes durante los meses anteriores al desenlace. Y nos muestra a unos religiosos que viven dedicados a la oración, el estudio, el trabajo y a servir a la población, en su mayoría musulmana, de una localidad cercana al monasterio. Ayudan a esas gentes, les atienden en su pobre y pequeño dispensario, regido por el hermano Luc; en definitiva, viven en armonía con ellos (eso sí que es auténtica alianza de las civilizaciones, basada en la fe y en el amor cristiano, y no la que nos quieren vender algunos políticos, basada en un rancio relativismo).

Esa paz se ve amenazada cuando un grupo de fundamentalistas islámicos, que se enfrenta al gobierno del país, asesina a un equipo de trabajadores extranjeros. El ejército ofrece protección a los monjes, pero estos la rechazan. ¿Qué deberían hacer? ¿Regresar a Francia o quedarse? A pesar del creciente peligro, empiezan a darse cuenta de que su lugar está allí, con esas gentes que les necesitan, pues los monjes son, como dice una mujer del pueblo, la rama que sostiene a los pájaros, sin ellos no tendrían donde ir.

De dioses y hombres nos ofrece un retrato profundo y veraz de la vida religiosa: nos muestra como el amor de Dios es lo que sostiene a esos hombres (resulta muy simpática y esclarecedora sobre la vocación al celibato la respuesta que uno de los monjes le da a una joven cuando le pregunta cómo saber si está enamorada). Tampoco escatima el director escenas en las que se muestra a la comunidad rezando, celebrando la santa misa o recitando la liturgia de las horas. Y eso sin eludir las dudas y debilidades de unas personas que no quieren morir ni ser mártires a toda costa.

El ritmo es lento y pausado, ya que recrea muy bien la atmósfera de la vida monástica. Algunas escenas son memorables, sobre todo una muy conmovedora que muestra la cena de Navidad de los monjes, con gran sobriedad, sin recurrir a efectos especiales o ritmos frenéticos: tan solo con la música del Lago de los cisnes de Tchaikovski y primeros planos de los personajes. Una escena magistral, de lo mejor que he visto en la gran pantalla en muchos años.

El reparto es sensacional. Si no lo supiéramos pesaríamos que son monjes auténticos ya que son actores poco conocidos, salvo Lambert Wilson (Matrix reloaded, Sahara) y Michael Lonsdale (Munich, Lo que queda del día). Todo lo cual explica por qué De dioses y hombres recibió el gran premio del jurando del festival de Cannes de 2010, todo un ejemplo para que aprendan algunos de nuestros cineastas que ven con mirada turbia y deformada la vida de muchas personas generosas y entregadas hasta el martirio por amor a Dios y a los demás.

CARTAS AL PADRE JACOB

2010-12-23T16:55:00.000+01:00

País: Finlandia. Dirección: Klaus Härö. Intérpretes: Kaarina Hazard, Jukka Keinonen, Heikki Nousiainen, Kaija Pakarinen, Esko Roine. Guión: Klaus Härö, Jaana Makkonen. Fotografía: Tuomo Hutri. Distribuye en Cine: Festival Films. Duración: 74 min. Género: Drama. Público adecuado: No recomendada para menores de 12 años. Estreno: 05-01-2011.

Leila, una asesina condenada a cadena perpetua recibe el indulto tras 12 años de prisión. Al salir de la penitenciaría se le ofrece ser la asistente de Jacob, un cura rural anciano y ciego. Aunque la tarea no le agrada en exceso, la acepta porque no tiene a nadie en este mundo. Su labor consiste, básicamente, en leerle al párroco las cartas que le envían sus fieles solicitando ayuda espiritual y responderlas en su nombre. La relación entre ambos, a pesar de la amabilidad que derrocha Jacob, se ve envuelta de una permanente tensión. El ambiente se enrarece más aún cuando el pastor deja de recibir cartas, lo que interpreta como una señal de crisis para su misión religiosa.

Cartas al padre Jacob es un auténtico regalo cinematográfico para esta Navidad. Una muestra de lo profundo y humano que puede llegar a ser el cine nórdico. Una película sencilla, breve, con sólo tres personajes, de bella fotografía, con planos y encuadres muy cuidados; pero sobre todo, portadora de un mensaje de fondo muy esperanzador. Una película sobre el perdón, la amistad, la fe, la capacidad de redención del ser humano, en definitiva, sobre la misericordia divina.

BRUC, EL DESAFÍO

2010-12-16T14:03:00.000+01:00

País: España. Dirección: Daniel Benmayor. Intérpretes: Juan José Ballesta, Vincent Pérez, Astrid Berges-Frisbey, Nicolas Giraud, Justin Blanckaert, Moussa Maaskri, Jérôme Le Banner, Santi Millán, Francesc Albiol, Marcel Borràs. Guión: Patxi Amézcua, Jordi Gasull. Productores: Edmon Roch, Jordi Gasull, Victoria Borrás, Ángel Blasco. Fotografía: Juan Miguel Azpiroz. Distribuye en Cine: Universal. Duración: 93 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Contenidos: VS. Género: Aventuras. Estreno: 22-12-2010.

Acorralado en Montserrat

En 1808, el invencible ejército francés es derrotado por primera vez gracias al ingenio de Juan, un joven catalán hijo de un carbonero, que con su tambor provoca el caos en las filas napoleónicas. El Emperador envía a cinco terribles mercenarios al mando del capitán Maraval, con la única misión de cortarle la cabeza al muchacho.

Después de matar vilmente a los padres y al hermano del héroe, el grupo de vengadores se lanza en su búsqueda por los lugares más recónditos de la sagrada montaña de Montserrat. El joven, al que llaman Bruc por el lugar de la batalla, deberá enfrentarse solo para sobrevivir y vengar a los suyos, aunque cuenta con el inestimable amor de Gloria, su prometida.

Tengo que reconocer que tras visionar Bruc, el desafío me he dicho: ¡Por fin! ¡Por fin una película española de aventuras, épica, de acción trepidante, de una gran factura visual, que muestra lo que casi nadie jamás había mostrado en nuestro cine: saltos desde enormes precipicios, personajes que se asoman a vacíos de vértigo, explosiones, espectaculares tomas aéreas de la grandiosa geografía de Montserrat…

Pero, lo más importante, un film que aborda nuestro pasado sin complejos ni prejuicios ideológicos, de modo heroico, y resucitando ese género tan tradicional en el mejor cine de todos los tiempos: el de aventuras. Es cierto que Bruc, el desafío no pretende ser una película histórica en sentido estricto, pues sus orígenes son legendarios, pero la referencia a nuestro pasado y a nuestro presente es innegable.

Una película que gustará todos, y de modo especial a los jóvenes, que se verán reflejados en ese actor madrileño que no ha dejado de trabajar desde que recibiera hace diez años (por su trabajo en El Bola) el Goya al mejor actor revelación, junto con un reparto excelente en el que destacan Vincent Perez (Cyrano de Bergerac), Santi Millán (La habitación de Fermat) y la joven actriz Astrid Bergès-Frisbey (Piratas del Caribe: En mareas misteriosas).

VIVIR PARA SIEMPRE (Ways to Live Forever)

2010-10-28T14:26:00.003+02:00

País: España, Reino Unido. Dirección y guión: Gustavo Ron. Intérpretes: Robbie Kay, Alex Etel, Ben Chaplin, Ella Purnell, Emilia Fox, Greta Scacchi, Phyllida Law, Natalia Tena. Música: César Benito. Fotografía: Miguel P. Gilaberte. Distribuye en Cine: European Dreams Factory. Duración: 95 min. Público apropiado: No recomendada para menores de siete años. Género: Drama. Estreno: 29-10-2010.

Interrogantes

Sam es un muchacho de doce años, inquieto, al que le gustan los hechos curiosos, escribir y usar su cámara de video para reflejar lo que ocurre a su alrededor. Pero una grave enfermedad ha puesto límite a su joven vida. Antes de morir escribe una lista de lo que le gustaría hacer. Pero también dejará constancia en un diario, y en la memoria de su cámara, de una serie de cuestiones a las que ningún adulto le sabe responder con claridad: por qué tiene que morir tan joven, el sentido del dolor y su relación con la existencia de Dios, el más allá, etc. Para abordar tales dilemas, Sam contará con la ayuda de Félix, un amigo enfermo de leucemia como él pero con un carácter mordaz, su maestra y su propia abuela.

Gustavo Ron cambia de registro tras su debut hace cinco años con la comedia Mia Sarah, y nos traslada ahora a un drama en tierras inglesas. Como sello inconfundible del estilo de este director madrileño permanecen una bella fotografía (del entrañable Miguel P. Gilaberte, antiguo colega de docencia universitaria) y una banda sonora exquisita. Y a pesar de su previsible dramatismo, Vivir para siempre se ve con agrado, posee un tono amable y logra que el espectador sonría en varias ocasiones.

Tal vez se eche en falta una postura más nítida, algo más de definición, respecto a los temas de fondo que plantea. Es cierto que nos sentimos interpelados por las preguntas del protagonista y el filme nos hace pensar –que no es poco, tal y como va el cine actual más taquillero–. También es posible descubrir en la cinta de Gustavo Ron una apuesta por la trascendencia, pero todo ello sugerido de un modo que, para mi gusto, resulta demasiado tenue, como buscando evitar la polémica. Algo que otros realizadores españoles no suelen eludir, incluso para defender lo indefendible o proponer ideologías más que dudosas.

LOS SEDUCTORES (L'ARNACOEUR)

2010-10-21T16:39:00.000+02:00

País: Francia, Mónaco. Dirección: Pascal Chaumeil. Intérpretes: Romain Duris, Vanessa Paradis, Julie Ferrier, François Damiens, Héléna Noguerra, Andrew Lincoln, Jacques Frantz, Amandine Dewasmes. Guión: Laurent Zeitoun, Jeremy Doner, Yohan Gromb. Música: Klaus Badelt. Fotografía: Thierry Arbogast. Distribuye en Cine: A Contracorriente. Duración: 105 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 16 años. Género: Comedia Romántica. Contenidos: SD. Estreno: 22-10-2010.

Rompecorazones S.L.

Alex trabaja en una curiosa empresa –junto a su hermana y su cuñado– que se dedica a romper parejas abocadas a formar un matrimonio infeliz. A petición del cliente, que suele ser alguien cercano a la pareja (el padre de la novia, o un amigo o amiga de uno de ellos), Alex desplegará sus dotes de galán y seductor para impedir el enlace. Eso sí, no todo vale; incluso una empresa tan surrealista como ésta tiene sus normas: No aceptar un encargo cuando hay pruebas evidentes de la felicidad de los novios y, por supuesto, no enamorarse del “objetivo”. Todo se complica cuando Alex empieza a descuidar esta segunda norma.

Los seductores ha arrasado en la taquilla francesa, y no es para menos, pues se trata de una comedia romántica cercana al estilo clásico de Hollywood. De hecho, y salvando las distancias, resulta inevitable citar aquí obras como Sucedió una noche, con Clark Gable y Claudette Colbert, o Historias de Filadelfia, con Cary Grant y Katharine Hepburn. Como es de suponer, la trama de Los seductores, a pesar de su intrascendencia, es divertida e ingeniosa, y los guionistas han sabido sortear con cierta elegancia los toques frívolos o sensuales de un film de estas características.

ENTREVISTA CON JIM CAVIEZEL

2010-10-07T00:07:00.000+02:00

El actor americano Jim Caviezel dispone en su haber de una larga trayectoria en la gran pantalla: Frequency, La delgada línea roja, La venganza del Conde de Montecristo, Mentes en blanco, Déjà Vu, etc. Pero es mundialmente conocido por su intensa interpretación en una cinta que combina grandes dosis de violencia con un inequívoco mensaje de esperanza y redención: La Pasión de Cristo.

En estos días, Caviezel visita Madrid para presentar su última película: La verdad de Soraya M., una obra que tampoco dejará indiferente al público pues reconstruye unos hechos terribles que tuvieron lugar en 1986, en Kapuyeh, una pequeña aldea de Irán. En concreto, nuestro actor interpreta a un periodista que descubre la trama urdida por varios hombres de la localidad en torno a una mujer. El complot desembocará en la condena a muerte de Soraya: será cruelmente lapidada por un supuesto delito de adulterio. El film obtuvo los premios del público en los festivales de Toronto y Los Ángeles.

Jim Caviezel nos recibió amablemente en la sala de un céntrico hotel de la capital (a pesar de la dura jornada de entrevistas que llevaba sobre su metro noventa de estatura, y de una noche casi en vela por culpa del café hispano, más fuerte, al parecer, que el yanqui). Durante unos quince minutos nos habló, al hilo de nuestras preguntas, de esa selva llamada Hollywood, dónde bajo un velo de tolerancia se esconde una dictadura de lo políticamente correcto que no perdona a las personas que, siendo fieles a sus principios, no buscan el éxito a cualquier precio y desean hacer del cine una potencia educadora. De modo particular, se refirió a la marginación que padecen en Hollywood algunos profesionales que, como él, profesan los valores cristianos de la paz, el perdón y el amor.

SHREK, FELICES PARA SIEMPRE (Shrek Forever After)

2010-06-24T13:54:00.001+02:00

País: EE.UU. Dirección: Mike Mitchell. Guión: Josh Klausner, Darren Lemke. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Yong Duk Jhun. Distribuye en Cine: Paramount. Duración: 93 min. Público apropiado: Apta para todos los públicos. Género: Animación, aventuras y comedia. Estreno: 09-07-2010.

¡Qué bello es vivir!

Llega la última entrega del Ogro más famoso de Muy Muy Lejano. En su querida ciénaga, Shrek vive con su esposa Fiona y sus tres hijos. La fama del hombre verde es tal que los curiosos y admiradores le visitan como si fuera una atracción turística de la zona. Shrek es feliz, pero su vida ha entrado en la rutina de un padre de familia atareado y sin tiempo para él. Y sin darse cuenta, caerá en la tentación de pensar que con otra vida sería plenamente dichoso. En ese momento de debilidad y falta de lucidez, aparece un antiguo enemigo de Shrek, el mago Rumpelstiltskin, que le ofrece un trato: le dará un día de su vida como soltero, a cambio de que el Ogro le regale al mago uno cualquiera de sus días.

Shrek, felices para siempre, supone un digno broche para la saga, aunque no llegue a la altura de la primera entrega. Y aunque la historia parezca demasiado simple y previsible, encierra un valioso mensaje sobre el valor de lo cotidiano y sobre el secreto de la felicidad. Para ello los autores acuden a referentes cinematográficos como ¡Qué Bello es vivir! o Braveheart, junto a números musicales y gags cómicos que hacen de este filme uno de los estrenos familiares del verano.

LA ÚLTIMA CIMA

2010-06-04T15:06:00.001+02:00

Año de producción: 2010. País: España. Dirección y Guión: Juan Manuel Cotelo. Fotografía: Alexis Martínez. Distribuye en Cine: European Dreams Factory. Duración: 82 min. Público apropiado: Para todos los públicos. Género: Documental. Estreno en cines: 04-06-2010.

Un cura cercano

En febrero de 2009 se encuentran en el Moncayo los cuerpos sin vida de dos montañeros que habían ascendido a la cumbre el día anterior y que habían caído por una pendiente helada de 1900 metros. Se trataba de Sara Gómez, una profesora de la Universidad Francisco de Vitoria y de Pablo Domínguez, sacerdote y decano de la Facultad de Teología de San Dámaso de Madrid.

Juan Manuel Cotelo, que ya nos sorprendió hace años con su primer largometraje, El sudor de los ruiseñores, nos ofrece ahora un documental lleno de ritmo, buena música y que nos hace reír, llorar y reflexionar a un tiempo.

Hablar sobre un documental, que para colmo trata de un cura que no hizo nada espectacular, ni fue misionero en un remoto lugar del mundo, ni tampoco estuvo envuelto en ningún escándalo, podría parecer una pérdida de tiempo o una tomadura de pelo. Y es cierto que Pablo no hizo nada llamativo, pero algo tendría cuando acudieron 3000 personas a su entierro. Y ese “algo” es lo que nos muestra La última cima, a base de entrevistas con gente de la calle, amigos, familiares, alumnos y alumnas del sacerdote madrileño.

Al hilo de las conversaciones, y con una puesta en escena y un tono provocador, que recuerdan al de Michael Moore, pero sin trampa ni cartón, se plantean temas como la accesibilidad o la distancia que a veces se da entre la gente de la calle y los curas, el celibato, la celebración de la Misa, cómo debe ser un sermón, la confesión, la vocación, la pobreza y el dinero de la iglesia, el consuelo y la cercanía en los momentos de dolor, el misterio de la muerte y el más allá...

Y no pienses, querido lector/a, que La última cima es una película beatorra o pietista, destinada a gente creyente o mística, más bien todo lo contrario, este documental se ha hecho con la intención de mostrar a los que desconocen o tienen prejuicios contra la Iglesia la figura de un sacerdote que, en su cotidianidad, intentaba reflejar la maravilla del Amor de Jesucristo por todos, su entrega incondicionada a todo el que se cruzaba en su camino, sin excluir a nadie por su ideología o sus opiniones.

La última cima es, sin duda, una apuesta cinematográfica valiente en un momento, como el actual, y que no dejará indiferente a nadie, como ya muestran los primeros datos de taquilla tras su estreno en Madrid.

LEGIÓN (LEGION)

2010-05-27T14:40:00.002+02:00

País: EE.UU. Dirección: Scott Stewart. Intérpretes: Dennis Quaid, Doug Jones, Paul Bettany, Kevin Durand, Kate Walsh, Tyrese Gibson, Adrianne Palicki, Lucas Black, Charles S. Dutton. Guión: Scott Stewart, Peter Schink. Música: John Frizzell. Fotografía: John Lindley. Distribuye en Cine: Sony. Género: Acción, Thriller sobrenatural. Duración: 102 min. Contenidos: V. Público apropiado: No recomendada para menores de 16 años. Estreno: 28-05-2010.

¿Teología-ficción?

Bob, propietario de un remoto bar de carretera, y su socio Percy se ocupan de su negocio como un día cualquiera. Charlie, la camarera, está en su último mes de embarazo y sirve el desayuno a una acomodada pareja de una zona residencial que junto a su hija esperan a que les reparen su coche.

De pronto la emisión de televisión se ve interrumpida y la línea telefónica se cae. Mientras intentan aclarar lo qué está ocurriendo, una candorosa anciana que acude al local empieza a comportarse de modo violento y con una fuerza sobrenatural.

En medio del caos provocado por el inesperado ataque de la mujer llega un coche patrulla con un desconocido armado hasta los dientes y que dice llamarse Miguel. El misterioso visitante informa a Charlie de que el bebé que espera es la única esperanza para la humanidad, y que está dispuesto a hacer todo lo que sea necesario para mantenerlo a salvo.

La premisa inicial de Legión es de lo más peregrina y rancia (desde el punto de vista teológico, claro está): Dios ha perdido la fe en el ser humano, a causa de sus excesivas maldades, por lo que da órdenes a sus ángeles para que desaten el apocalipsis. Pero el arcángel Miguel se niega a cumplir esa orden, y baja a la tierra decidido a proteger, metralleta en mano, a los humanos.

Una trama así está abocada a la acción, los efectos especiales, mucho tiro y puñetazo; en definitiva, demasiada ficción y fantasía y muy poca teología. Esto es así hasta el punto de que los guionistas nos muestran a unos ángeles “más listos y sensatos” que Dios, al que enmiendan la plana, y que pelean entre ellos: ¿hay algo más grotesco que una pelea a muerte entre san Gabriel y san Miguel?

Por otra parte, ¿quién es ese niño (el hijo de la camarera) y por qué la humanidad depende de él? ¿Quién le ha destinado para esa misión? ¿Es que Dios no lo sabe? La verdad es que no merece la pena seguir poniendo en evidencia la torpeza de esta película que, en contra de lo que piensa su director, no suscitará reflexiones sino que quedará como mero entretenimiento pasajero y caduco.

ROBIN HOOD

2010-05-13T13:52:00.001+02:00

País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Intérpretes: Russell Crowe, Cate Blanchett, Mark Strong, Danny Huston, William Hurt, Max Von Sydow, Oscar Isaac. Guión: Brian Helgeland, Ethan Reiff, Cyrus Voris. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: John Mathieson. Distribuye en Cine: Universal. Duración: 141 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 12 años. Género: Aventuras. Estreno: 13-05-2010. Contenidos: VSD.

Robin versus Gladiator

Robin Longstride es un arquero al servicio de Ricardo Corazón de León que ha recorrido medio mundo siguiendo al monarca inglés en sus cruzadas. Cuando el rey muere durante el asalto a un castillo francés, Robin deserta con un grupo de compañeros, pero una serie de sucesos fortuitos le llevan a tener que asumir la identidad de un noble muerto en una emboscada. Robin deberá dirigirse a casa del padre del caballero fallecido para cumplir una promesa. Allí conocerá a su viuda, una mujer bella y fuerte llamada lady Marian.

Ridley Scott lleva a la gran pantalla a un personaje legendario retratado más de treinta veces por el celuloide. Para ello, siguiendo la táctica habitual en estos casos, nos ofrece una precuela, es decir, la historia de cómo Robin Longstride se convirtió en Robin Hood. El saldo positivo de la película se reduce a un reparto de lujo y una recreación de la Edad Media magistral, a nivel de decorados y escenarios, porque en cuanto al rigor histórico, el director inglés vuelve a caer en sus errores habituales: demasiados tópicos, carencia de matices y un enfoque de los temas demasiado políticamente correcto.

Por otra parte, el metraje del film resulta excesivo y puede llegar a cansar al espectador, aunque abunde la acción trepidante. Y es que todo en este Robin Hood sabe a déjà vu (incluso se permite Scott imitar a Spielberg en la escena del desembarco en la playa), y sin embargo no logra provocar emoción alguna en el público, que asiste impasible al espectáculo visual que exhibe el director inglés; un error imperdonable en un filme de aventuras, épico y de forja heroica, como es éste. La idea de Scott de hacer una especie de Gladiator medieval ha fracasado sin remedio.

Pues lo más difícil es conseguir un buen guión, pero una vez conseguido todo se vuelve sencillo: historia, historia, historia, suele remachar el realizador inglés. Pero en este caso, como en otros, no se ha aplicado la lección. Un defecto que mancha la irregular filmografía de Ridley Scott. Pero los nostálgicos nos consolaremos volviendo a ver una y otra vez su obra maestra indiscutible y no superada: Blade Runner y cuatro o cinco cintas más.

IRON MAN 2

2010-04-29T17:37:00.000+02:00

País: EE.UU. Dirección: Jon Favreau. Intérpretes: Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Mickey Rourke, Samuel L. Jackson, Gwyneth Paltrow, Jon Favreau, Don Cheadle. Guión: Justin Theroux. Música: John Debney. Fotografía: Matthew Libatique. Duración: 124 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 12 años. Género: Acción, Cómic. Estreno: 30-04-2010. Contenidos: SV

Los desvaríos del héroe

Con un reparto de lujo, y el mismo director, llega la secuela de Iron Man gracias al éxito de la primera entrega, que recaudó más de 572 millones en todo el mundo.

Como ya se desveló al final de la primera entrega, el industrial Tony Stark ha declarado públicamente en rueda de prensa que él es Iron Man, que usa una sofisticada armadura de combate, diseñada por él, y de alta tecnología. Poco después de inaugurar Expo Stark, donde muestra las innovaciones tecnológicas realizadas en su empresa, y sus aplicaciones para lograr la paz y seguridad del país, los senadores pretenden que el empresario revele los secretos de su novedosa armadura al ejército. Por otra parte, aparece un villano ruso, Ivan Vanko, experto en tecnología e informática, que culpa al padre de Stark de la desgracia de su familia y que se ha propuesto vengarse enfrentándose a Iron Man con ayuda de sus propios inventos.

Iron Man 2 cumple con creces su función de entretenimiento, con acciones a ritmo de la música de AC/DC, y que parece prometer un poco más de penetración, tampoco demasiada, en el personaje principal, su pasado y sus conflictos. Pero al fin y a la postre todo resulta bastante lineal y plano: desde los personajes, véase los interpretados por la Paltrow, Scarlett Johansson (aunque sepa latín) o Samuel L. Jackson, que saben a muy poco, o la propia trama del film, un tanto errática y trivial.

LOURDES

2010-03-23T14:07:00.000+01:00

País: Alemania, Austria, Francia. Dirección y guión: Jessica Hausner. Intérpretes: Sylvie Testud, Léa Seydoux, Bruno Todeschini, Elina Löwensohn, Gerhard Liebmann, Gilette Barbier, Katharina Flicker, Linde Prelog. Fotografía: Martin Gschlacht. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 99 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 7 años. Género: Drama. Estreno: 31- 03-2010.

Milagros y felicidad

Christine, una joven paralizada por la esclerosis, llega a Lourdes en peregrinación junto con otros enfermos. Allí asiste, sin especial ilusión o fervor, a las diversas ceremonias: la visita a la gruta de las apariciones, los baños en las fuentes de agua milagrosa, la bendición con el Santísimo y la confesión. Le acompaña una joven voluntaria que parece más interesada en flirtear con los jóvenes de la Orden de Malta que en atender a la enferma. Entonces, una anciana ocupará el lugar de la enfermera y pedirá con piedad y recogimiento por la curación de Christine. Un día, de modo imprevisto, empieza a mover un brazo. ¿Será un milagro o el efecto pasajero de la sugestión?

No hay duda de que con esta película nos encontramos ante un auténtico milagro: que una directora no creyente refleje de modo tan respetuoso, sobrio, pausado, casi documental, la vida cotidiana en este santuario mariano, constituye un auténtico regalo. Un prodigio que debería ser habitual, pero que se nos antoja insólito gracias a las bochornosas caricaturas a las que nos tienen acostumbrados los Amenábar y los Fesser de turno.

Del mismo modo, parece evidente que esta joven realizadora austriaca, Jessica Hausner, busca una explicación o se siente admirada por el misterio, aunque su película no nos brinde una única lectura posible y nos ofrezca, en cambio, un muestrario coral de diversas posiciones ante ese enigma del dolor y del sentido de la vida: fe, alegría, envidia, incomprensión, burla...

EL CONCIERTO (Le concert)

2010-03-11T15:45:00.000+01:00

País: Bélgica, Francia, Italia, Rumanía. Dirección: Radu Mihaileanu. Intérpretes: Aleksei Guskov, Mélanie Laurent, Dmitri Nazarov, Valeriy Barinov, François Berléand, Miou-Miou, Lionel Abelanski, Anna Kamenkova. Argumento: Héctor Cabello Reyes (historia original), Thierry Degrandi. Guión: Radu Mihaileanu, Matthew Robbins, Alain-Michel Blanc. Música: Armand Amar. Fotografía: Laurent Dailland. Distribuye en Cine: Vértigo. Duración: 119 min. Público apropiado: Todos los públicos. Género: Comedia dramática y musical. Estreno: 12-03-2010.

Tchaikovski visita París

Andrei Filipov fue el mejor director de la célebre Orquesta del Bolshoi en la época de la Unión Soviética. Pero mientras alcanzaba pleno éxito en su labor, las autoridades comunistas le despidieron por negarse a expulsar a los músicos judíos de su orquesta, entre los que estaba su mejor amigo, Sacha. Años después, sigue trabajando en el Bolshoi, pero como limpiador. Una noche, Andrei, mientras limpia el despacho de su director, encuentra un fax dirigido a la dirección del Bolshoi: es una carta del Teatro Châtelet con una invitación para dar un concierto en París. Andrei decide ocultar el mensaje a su jefe y se le ocurre una idea disparatada: reunir a sus antiguos compañeros músicos, que viven de hacer trabajos y chapuzas muy ajenos a la música, y llevarlos a París, haciéndose pasar por los intérpretes oficiales del Bolshoi.

El concierto no es sólo es una película para melómanos –que disfrutaran sin duda con las diversas secuencias musicales del filme– sino una coproducción europea entrañable que suscita, a un tiempo, sonrisas y momentos emotivos para un público amplio. Tampoco falta en El concierto una aguda reflexión sobre el arte como instrumento de rebelión contra la tiranía (la marxista en este caso) y la capacidad de la música para crear una especial solidaridad entre las personas.

MEDIDAS EXTRAORDINARIAS (Extraordinary Measures)

2010-03-11T15:40:00.001+01:00

País: EE.UU. Dirección: Tom Vaughan. Intérpretes: Harrison Ford, Brendan Fraser, Keri Russell, Courtney B. Vance, Dee Wallace, Jared Harris, Patrick Bauchau. Argumento: Geeta Anand (libro). Guión: Robert Nelson Jacobs. Música: Alex Wurman. Fotografía: Andrew Dunn. Distribuye en Cine: Sony. Género: Drama. Duración: 105 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 7 años. Estreno: 12-03-2010.

La enzima de la vida

John Crowley es un prestigioso ejecutivo americano. Está casado y tiene tres hijos, pero a los dos pequeños, Megan y Patrick, se les ha diagnosticado una enfermedad incurable: el síndrome de Pompe. Después de convertirse casi en un experto en esa rara enfermedad, contacta con un científico brillante, atípico y con carácter detestable, el Dr. Robert Stonehill. Juntos crean una compañía para poner en funcionamiento una enzima que mitigue la enfermedad. John aportará su experiencia empresarial y de marketing junto al deseo invencible de curar a sus hijos; y el doctor, por su parte, intentará probarse a sí mismo y sus teorías científicas. En esta extraña coalición saltarán las chispas en muchas ocasiones, pero los dos personajes están destinados a entenderse y a luchar contra el frío racionalismo del sistema médico para lograr sus objetivos.

La trama de Medidas extraordinarias puede sonar a algo déjà vu o recordar a filmes como El aceite de la vida, pero sin la profundidad temática de éste. Sin embargo, la película se ve con agrado, sortea casi siempre las escenas lacrimógenas (lo que no quita que los sollozos estén asegurados para algunos espectadores), y a pesar de no poder ocultar su condición de producción cercana al telefilme, la buena química entre los protagonistas y la veteranía interpretativa de Harrison Ford (en un papel atípico en él) salvan una película que podía haber resultado insulsa y plana.

AL LÍMITE (EDGE OF DARKNESS)

2010-02-25T14:13:00.000+01:00

País: EE.UU. Dirección: Martin Campbell. Intérpretes: Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, Shawn Roberts, Bojana Novakovic, Jay O. Sanders. Guión: William Monahan, Andrew Bovell. Música: John Corigliano. Fotografía: Phil Meheux. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 126 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 12 años. Género: Thriller. Contenidos: VD. Estreno: 26-02-2010.

Amor de padre

Tom Craven es un agente de policía de Boston que acude a la estación de tren a recoger a su hija a la que hace tiempo que no ve. Una vez en casa ella empieza a sentirse indispuesta y cuando acuden al médico es violentamente asesinada por un tirador desconocido. Su padre desolado, y sus compañeros, creen que el objetivo del disparo era él, tal vez realizado por algún delincuente rencoroso. Pero con el paso del tiempo, se abre camino otra hipótesis más relacionada con el trabajo de su hija: ingeniera nuclear en una central privada que trabaja para el gobierno.

Al límite supone el regreso a la pantalla de Mel Gibson tras siete años dedicado a la dirección y la producción. El actor australiano estuvo en Madrid el pasado día 1 de febrero presentando su película y reconoció en la rueda de prensa que le llena más dirigir que actuar. Lo que no quita que su interpretación en Al límite sea más sobria y contenida que en sus anteriores películas. Todo ello junto a algunas escenas de acción bien llevadas (no muchas, pues la edad de Mel ya no lo permite) y cierta crítica y denuncia social hacia empresarios, científicos y políticos sin escrúpulos.

NUEVA NORMATIVA DEL ICAA PARA LA CALIFICACIÓN DE PELÍCULAS

2010-02-20T12:04:00.001+01:00

Cuando todavía está reciente la polémica sobre la valoración como película X que ha sido aplicada al filme Saw VI por el ICAA (Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales), y la calificación de un filme que juguetea con el porno, El cónsul de Sodoma, como no recomendada para menores de 13 años, aparecen las nuevas normas emanadas por este organismo del Ministerio de Cultura.

Es cierto que desde hace años se venían oyendo numerosas voces de expertos y de asociaciones de usuarios solicitando la reforma de un sistema –el español– que se encuentra a la cola de gran parte de sus homólogos de la Unión Europea.

Es de agradecer que el decreto firmado por Ignasi Guardans haya introducido dos nuevas categorías de películas: las no recomendadas para menores de 12 y 16 años, que salvan la distancia que existía en la anterior normativa entre los 13 y los 18 años, y unos pictogramas que hacen más visible esta calificación por edades.

También resulta útil que se haya hecho un esfuerzo por definir con más detalle, sobre todo después de la polémica antes citada, los criterios para catalogar las películas X (pornografía y apología de la violencia).

Pero ahí termina el saldo favorable de esta nueva normativa. Los que ansiábamos esa modificación nos hemos quedado con la miel en los labios y con un regusto bastante agridulce. Y es que una vez más, una reforma española sigue sin lograr la eficacia, trasparencia y sentido común que caracterizan a otros países de nuestro entorno.

¿Por qué digo esto? Por varios motivos:

1) Las nuevas normas de Guardans-Sinde no permitirán alcanzar el principal objetivo que se proponen: informar a padres y educadores sobre el contenido de lo que verán los menores en las pantallas.

2) Un escollo que se podría haber solventado introduciendo unos pictogramas (como ocurre en Holanda) que aludan a los contenidos, y no los que se presentan, que resultan reiterativos y no facilitan a los adultos información concreta sobre los contenidos (violencia, discriminación, drogas, sexo, etc.) que los menores se van a encontrar en el filme en cuestión; o introduciendo información detallada en la web del ICAA (como se hace en Inglaterra o USA) sobre los contenidos de cada película calificada.

3) Otro defecto de la nueva normativa, y que llama poderosamente la atención, es el permiso para incluir desnudos en un contexto sexual en la categoría de película o programa de televisión “apto para todos los públicos”. No sabemos si esta inclusión se debe a falta de información de los miembros del ICAA, o hay otros motivos ocultos, porque este criterio no es común en otros países. En esta categoría, se suele admitir únicamente el desnudo inocente y casual, sin connotación erótica (como ocurría en la anterior normativa española), y sólo a partir de la categoría de “no recomendado para menores de 12 años” se admite, y de modo breve y fugaz, alguna escena de este tipo (por ejemplo en el sistema regulador inglés, uno de los más eficaces, según un informe de la Unión Europea).

4) Por todo esto, y si es sincera la apuesta del Ministerio de Cultura por la implicación de los padres y educadores en este proceso de protección de nuestros menores, se debería incluir otra categoría que ya es común en países como Estados Unidos o Inglaterra: PG (Parental Guidance), orientada sobre todo a facilitar y fomentar el control parental. La calificación PG advierte a los padres sobre la necesidad de informarse sobre un film o programa que muestra contenidos inadecuados para los niños, pero ellos deben decidir.

Confío en que tanto la ministra, Ángeles González-Sinde, como el director general del ICAA, Ignasi Guardans, tengan en cuenta estas sugerencias para que sea más eficaz su servicio público en defensa de un correcto desarrollo físico, intelectual y moral de nuestros jóvenes.

INVICTUS

2010-01-28T16:12:00.003+01:00

País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Patrick Mofokeng, Matt Stern, Julian Lewis Jones. Argumento: John Carlin (libro). Guión: Anthony Peckham. Música: Kyle Eastwood, Michael Stevens. Fotografía: Tom Stern. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 133 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 7 años. Género: Drama Histórico. Estreno: 29-01-2010.

Perdón y reconciliación

Nelson Mandela es elegido presidente de Sudáfrica después de pasar más de 26 años en prisión por su oposición al apartheid. A pesar de todo, decide olvidar el pasado y reconstruir un país ferozmente dividido entre blancos y negros. Comienza tomando medidas que sorprenden a unos y a otros, como mantener a los asesores y funcionarios del anterior gobierno, o agrupar a agentes blancos y negros en su escolta personal.

Pero su medida más simbólica y llamativa consistirá en enarbolar una bandera aparentemente poco política o urgente para la economía del país, pero que intuye que puede reconciliar a todos los sudafricanos: el rugby. Se trata de una estrategia muy audaz, propia de un político de raza como es Mandela, pues si consigue unir a sus habitantes en una causa común, “un equipo, un país”, todo el mundo será testigo de ello, al ser elegida Sudáfrica como sede del Mundial de Rugby de 1995. Para asegurar el éxito, Mandela pide ayuda a Francois Pienaar, capitán de la selección nacional.

Clint Eastwood realiza un filme conmovedor que da fe de su evolución como cineasta, si no en la forma –sigue siendo el último gran clásico del cine– sí en el fondo, al apostar por mantener ese giro que ya inició en Gran Torino y que ha llevado al casi octogenario director a dar un vuelco radical en su filmografía. En efecto, años después de Sin Perdón –y repitiendo con Morgan Freeman como intérprete– nos ofrece en Invictus una emotiva lección sobre la fuerza del perdón, una actitud que parece casi sobrehumana y que no en vano nos permite vislumbrar algo del misterio de Dios; tal vez esto explique el progresivo interés que manifiesta últimamente Clint Eastwood por la religión y las preguntas fundamentales sobre el sentido de la vida.

UP IN THE AIR

2010-01-21T17:15:00.002+01:00

País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Intérpretes: Vera Farmiga, George Clooney, Jason Bateman, Anna Kendrick. Guión: Jason Reitman, Sheldon Turner. Fotografía: Eric Steelberg. Distribuye en Cine: Paramount. Duración: 109 min. Público apropiado: No recomendada a menores de 16 años. Género: Drama. Contenidos: SD. Estreno: 22-01-2010.

Solo y sin compromiso

Ryan Bingham trabaja para una empresa especializada en gestionar el despido de empleados de otras compañías con el fin de ahorrar un mal trago a los directivos; algo muy socorrido si se tiene que hacer un recorte en el presupuesto o el infausto y tristemente famoso ERE. Tal cometido obliga a Ryan a pasarse casi todo el año viajando en avión por USA, lo que le impide crear relaciones valiosas y estables con los demás: no se ha casado, no tiene hijos, pero sí citas sexuales ocasionales, y apenas trata a sus dos hermanas, una de las cuales va a celebrar en breve su boda. Pero su trabajo experimenta un cambio de rumbo cuando en su empresa le piden que adiestre a una joven recién contratada que pretende introducir un nuevo método para despedir a los empleados por videoconferencia.

Jason Reitman, como ya hiciera en su premiada película Juno, refleja con perspicacia cierto tipo de mentalidad actual basada en el individualismo, la falta de comunicación y la ausencia responsabilidad; a ello se puede añadir el peligro de las nuevas tecnologías en las relaciones personales: en Up in the air se puede echar a alguien de su trabajo por Internet o cortar una relación amorosa con un simple SMS.

Pero Up in the air no se centra principalmente en esa generación de jóvenes profesionales veinteañeros, sino más bien en esas personas absorbidas por su trabajo, como Ryan, que han rechazado cualquier compromiso personal en materia amorosa y cuando empiezan a rondar la cincuentena, se enamoran y pretenden asentar la cabeza, para acabar comprobando con estupor que la cosa no es tan sencilla como pensaban.

Aunque no ofrece soluciones, Up in the air origina una interesante reflexión sobre las consecuencias a largo plazo de ciertas conductas egoístas que huyen del compromiso personal y la entrega a los otros.

LA DECISIÓN DE ANNE (My Sister's Keeper)

2010-01-08T17:20:00.007+01:00

País: EE.UU. Dirección: Nick Cassavetes. Intérpretes: Abigail Breslin, Cameron Díaz, Jason Patric, Sofia Vassilieva, Evan Ellingson, Alec Baldwin, Joan Cusack, Thomas Dekker, Emily Deschanel. Guión: Nick Cassavetes, Jeremy Leven. Música: Aaron Zigman. Fotografía: Caleb Deschanel. Distribuye en Cine: Tri Pictures. Duración: 109 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama. Estreno: 15-01-2010

Niña medicamento

Anne es la menor de los tres hijos del matrimonio Fitzgerald. La familia sufre con desigual actitud la enfermedad de Kate, la hija mayor, que padece una leucemia muy agresiva. La madre abandonó su brillante trabajo de abogado para dedicarse plenamente al cuidado de su hija, pero con una obsesión tal que descuidó el trato con su hijo. En un momento de desesperación por la falta de soluciones clínicas, y aconsejados por un médico, los Fitzgerald deciden tener otro hijo más con la esperanza de que pueda paliar los efectos de la enfermedad de Kate.

De ese modo llega Anne al mundo: por fecundación in vitro y selección genética. Desde su más tierna infancia, las dolorosas operaciones y los internamientos médicos se han convertido en algo habitual para la pequeña Anne. Se le extraen todo tipo de sustancias de su pequeño organismo, con peligro para su propia salud, con el fin de intentar sanar la leucemia de su hermana mayor.

Con el tiempo, comienza a hacer preguntas a sus padres sobre el porqué de su vida. Ella creía que había sido concebida, como los otros niños, por amor: “Cuando era pequeña, mi madre me dijo que yo era un pequeño pedazo de cielo que había venido a este mundo porque ella y papá me querían mucho. No fue sino tiempo después cuando me di cuenta de que eso no era exactamente verdad.”

Al cumplir los 11 años decide acudir a un famoso abogado e interponer una demanda contra sus padres para conseguir una emancipación médica y que su cuerpo no sea utilizado como un objeto.

La decisión de Anne es una cinta valiente, y en cierto sentido una producción que va contra corriente, pues no duda en apuntar hacia los riesgos de la manipulación genética y los así llamados “niños a la carta”, como evidenciar la insensatez del ensañamiento terapéutico con enfermos terminales.

Por otra parte, ante el misterio del dolor, La decisión de Anne no recurre al tópico fácil basado en la huida o en la desesperación, sino que intenta aceptarlo con serenidad; es verdad que se echa en falta algo más de trascendencia, pero para lo que se oferta en el cine actual, no está nada mal. Por tanto, una película interesante y que suscita la reflexión, aunque sea algo lacrimógena, y lleva la firma de un director miembro de un conocido clan del mundo de la gran pantalla: Nick Cassavetes.

La decisión de Anne me ha recordado filmes muy diferentes como Gattaca, La isla o Blade Runner, y novelas como Nunca me abandones, que acusan a una sociedad en la que ciertos sujetos (sean políticos, científicos, etc.) pretenden convencer a incautos matrimonios para “fabricar” personas-medicamento. Algo muy valioso puede llegar a perderse si la opinión pública ignora estos mensajes y no reacciona a tiempo.

KATYN

2009-11-07T19:56:00.004+01:00

País: Polonia. Dirección: Andrzej Wajda. Intérpretes: Artur Zmijewski, Maja Ostaszewska, Andrzej Chyra. Guión: Andrzej Mularczyk, Wladyslaw Pasikowski, Andrzej Wajda. Música: Krzysztof Penderecki. Fotografía: Pawel Edelman. Distribuye en Cine: Karma Films. Duración: 118 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama Histórico. Estreno: 09-10-2009. Contenidos: V.

La "otra" memoria histórica

En 1940 más de 20.000 oficiales del ejército polaco, entre los que también había ingenieros, intelectuales y clérigos, fueron vilmente asesinados (tiro en la nuca) por los rusos y enterrados en una fosa común en los bosques de Katyn. Mientras tanto, los familiares desconocían el trágico destino de los suyos, hasta el descubrimiento de los cadáveres en 1943. Los comunistas, haciendo gala de su eficaz estrategia manipuladora, atribuyeron el crimen a los alemanes, y esta obscena falacia se mantuvo durante mucho tiempo en el régimen de silencio impuesto por la dictadura marxista en Polonia.

Casi setenta años después, el veterano realizador polaco Andrzej Wajda pone a salvo la memoria histórica de su país –y también la personal, pues su padre fue unos de los ejecutados– al relatar con valentía este negro suceso de la historia europea. Y lo hace con una sobriedad y elegancia encomiables. Cabe destacar la fortaleza de sus personajes femeninos, sobre los que pivota casi toda la trama, y la profunda fe y esperanza de unos protagonistas enmarcados en un bello y dramático relato coral.

Katyn se estrenó en España a la vez que Ágora pero no contó con un equivalente despliegue publicitario, tal vez porque representa el reverso o la otra cara de la moneda de lo que pretende vendernos Amenábar con su filme. En Katyn se muestra como una nación de profundas raíces católicas es aplastada tanto por el ateísmo marxista como por esa ola neopagana que fue el nacionalsocialismo alemán.

Katyn es un tipo de filme que requiere un coraje del que Amenábar carece. Si es verdad, como no se cansa de repetir, que su intención con Ágora era criticar los fundamentalismos, ¿por qué arremete contra los que casi siempre han sido a lo largo de la historia víctimas y muy pocas veces verdugos? Tal vez porque tiene la certeza de que saben perdonar y no iniciarán contra él ningún tipo de persecución.

MI VECINO TOTORO

2009-10-23T19:37:00.007+02:00

Año de producción: 1988. País: Japón. Dirección y Guión: Hayao Miyazaki. Música: Joe Hisaishi. Distribuye en Cine: Aurum. Duración: 86 min. Público apropiado: Recomendada para todos los públicos. Género: Animación. Estreno: 30-10-2009. Título original: Tonari no Totoro.

Gente buena

Vuelve a la gran pantalla, veinte años después de su estreno, otra deliciosa película del maestro nipón Hayao Miyazaki. Mi vecino Totoro cuenta la historia de dos niñas, Satsuki y Mei, que se han trasladado al campo a vivir con su padre en una misteriosa casa abandonada, mientras su madre se recupera de una grave enfermedad en un hospital de la zona. En el bosque cercano, Satsuki y Mei descubren la existencia de seres extraordinarios, los espíritus del bosque, que sólo pueden ser vistos por personas de corazón puro. Cuando Mei, intentando llegar al hospital para ver a su madre, se extravía, Satsuki recurre a Totoro, el rey del bosque, para que le ayude a encontrar a su hermana pequeña.

Mi vecino Totoro se ha convertido en uno de los grandes clásicos del cine de animación realizado por el director que antaño participó en las legendarias series de Marco y Heidi. Miyazaki es el realizador de cine japonés más célebre de los últimos veinte años que, con un estilo cuidado y minucioso, unos personajes cargados de humanidad y su gran amor a la naturaleza, ha conquistado para sus obras el respeto y el reconocimiento de la comunidad cinematográfica internacional. Muestra de ello es el Oscar que tiene en su haber por El viaje de Chihiro, así como el privilegio de ser el único director que ha conseguido el Oso de Plata del Festival de Berlín con una película de animación.

ÁGORA

2009-10-07T17:31:00.011+02:00

País: España. Dirección: Alejandro Amenábar. Intérpretes: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Sami Samir. Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Xavi Giménez. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 126 min. Público apropiado: Mayores de 16 años. Género: Drama Histórico. Contenidos: VS. Estreno: 09-10-2009.

Alejandro el maniqueo

La mítica ciudad de Alejandría a finales del siglo IV después de Cristo es un auténtico mosaico de culturas y religiones. También es un hervidero de tensiones políticas a causa de un Imperio (el romano) en decadencia. En medio de tanto vendaval social la escuela de Hipatia aparece como un remanso de paz en el que maestra y discípulos (de diversos credos y procedencias, aunque todos de clases altas) se dedican en cuerpo y alma al cultivo del saber.

Tras cuatro años, y un Óscar por Mar adentro, regresa a la gran pantalla l’enfant terrible del cine español: Alejandro Amenábar, y lo hace con otro filme polémico, como el anterior. Aunque es cierto que en Ágora ha suavizado un poco –sólo un poco– las formas; pero lo que no ha hecho este joven cineasta español, a pesar de sus declaraciones a la prensa, es abandonar su peculiar cruzada contra el cristianismo.

Para ello no duda en simplificar una época tan compleja como la relatada en Ágora, protagonizada por la también oscarizada Rachel Weisz, que interpreta su papel con una frialdad acorde con el tono general del filme, sobre todo en lo referente a la temática astronómica que resulta aburridísima.

Tampoco podía faltar en Ágora la habitual manipulación de los hechos a la que ya nos tiene acostumbrados Amenábar; pues si ya lo hizo con una historia reciente en Mar adentro, mucho más fácil le ha resultado tergiversar un pasado del que tenemos pocos datos y muchas leyendas.

(Permítanme, queridos lectores, una última maldad: ¿por qué no ha rodado Amenábar en griego y latín –después de Mel Gibson ya no es un imposible ni una pedantería– y así hacer más verosímil la historia? ¿Tal vez desconoce esos idiomas?, no sé, no sé...).

La mentiras de Ágora

Jesús Trillo en un artículo publicado en La Razón, destaca algunos hechos históricos deformados o manipulados descaradamente por Alejandro Amenábar en su último filme Ágora:

-Hipatia no fue asesinada siendo una joven tan hermosa como Rachel Weisz, de 38 años, sino que murió en el año 415 y tenía 61. No fue famosa por sus dotes de astronomía por más que en la película se empeñen terca y cansadamente, atribuyéndole haberse adelantado a Kepler más de mil años; sino porque era una “divina filósofa” platónica, en palabras del obispo cristiano Sinesio de Cirene –única fuente coetánea que se conserva sobre ella–, a la que llama en sus cartas “madre, hermana, maestra, benefactora mía”.

-Ella fue virgen hasta el final, pero vivió la castidad por un motivo que el filme silencia: Hipatia, coherente con su filosofía, ejercía la Sofrosine, es decir el dominio de uno mismo a través de las virtudes entendidas como el control de los instintos y las pasiones.

-Hipatia nunca fue directora de la Biblioteca de Alejandría, ni ésta fue destruida por los talibanes cristianos. La biblioteca fue incendiada por Julio César, saqueada junto con el resto de la ciudad por Aureliano en el año 273, y rematada por Diocleciano en 297. Es verdad que en el año 391 fue destruido lo que quedaba del templo del Serapeo después de la destrucción por los judíos en tiempos de Trajano, y también el repaso que le pegó Diocleciano, quien, para conmemorar la hazaña, puso allí su gran columna, razón por la cual los cristianos lo destruyeron, ya que él era el símbolo de las persecuciones que sufrieron durante trescientos años. El paganismo siguió existiendo en Alejandría hasta que llegaron los árabes. Y el neoplatonismo siguió floreciendo, hasta que lo recuperó el renacimiento cristiano. Por cierto, que yo sepa, su más brillante exponente se llamaba San Agustín, coetáneo de Hipatia.

-Una de las grandes mentiras de la historia que se quiere propagar es que la mujer fue libre en Grecia y en Roma hasta que llegó el cristianismo y la sometió la sujeción del hombre; a esta idea también contribuye la película. Lo cierto es que en Grecia la mujer era considerada una cosa más de la casa, y en Roma, no era una “sui iuris”, es decir, titular de derechos, sino que era considerada “capiti diminutio”, como un niño o un incapacitado y, por tanto, estaba sometida a la tutela o la “manus” del padre o del marido. Por el contrario, fue el cristianismo el que consideró al hombre y a la mujer iguales en naturaleza, pues ambos son hijos de Dios y hermanos en Cristo; y prueba de ello es que las primeras manifestaciones de mujeres libres autodeterminándose, pese a la voluntad de sus padres o del estado, fueron las primeras mártires cristianas víctimas de las persecuciones romanas, tales como Inés Ágata o Cecilia.

-Y es precisamente Cirilo quien más ha exaltado en la historia de la humanidad la condición femenina, pues a él se debe la expresión “Theotokos”, palabra griega que significa madre de Dios. El personaje del que hablamos, al que la película presenta con caracteres parecidos a Bin Laden, (…) efectivamente es San Cirilo de Alejandría. Cirilo consiguió que se convocase un concilio en Éfeso, puesto que era el lugar donde vivió sus últimos años la Virgen María, y logró que la Iglesia declarase el primer dogma mariano de la historia: María, Madre de Dios. Hasta aquel momento nadie en la historia había conseguido colocar a un ser humano mujer por encima de cualquier hombre.

EL SECRETO DE SUS OJOS

2009-09-22T11:26:00.004+02:00

País: Argentina. Dirección: Juan José Campanella. Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino. Guión: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri. Música: Federico Jusid, Emilio Kauderer. Fotografía: Félix Monti. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 127 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 18 años. Género: Cine negro, Drama, Thriller. Estreno: 25-09-2009. Contenidos: VX.

La persistencia de los recuerdos

Benjamín Esposito es un funcionario de los juzgados de Buenos Aires que se acaba de jubilar. Para matar el tiempo libre y huir del vacío intenta escribir una novela sobre el pasado para así resolver sobre el papel dos hechos que le marcaron treinta años atrás, y que aún le siguen obsesionando: el caso de asesinato y violación de una joven maestra que se cerró sin un veredicto justo y su amor secreto hacia Irene, su antigua jefa.

El director de El hijo de la novia y El mismo amor, la misma lluvia, vuelve a la gran pantalla, después de haberse dedicado a la televisión en USA, con una historia ambientada a caballo entre la Argentina de los años setenta y la época actual. Se trata de un peculiar thriller, con toques de cine negro y románticos. El ritmo, salvo en algún momento de la segunda parte del filme, no decae y Campanella rueda con maestría, sobre todo esos primeros planos de los ojos que se repiten en momentos clave de la trama.

La interpretación de los actores también es notable, de gran naturalidad, tanto en el dúo Esposito (Darín)-Irene (Soledad Villamil), que rezuma emotividad y contención, como en el de Esposito con su compañero Sandoval, que provoca el mayor número de carcajadas de la película.

Como única objeción a este filme brillante que es El secreto de sus ojos recordar que Campanella vuelve a incidir en una constante de su cine: la ausencia de personajes con unos criterios morales claros y nítidos, y el recurso –esto tal vez sea nuevo en su cine– a dos breves escenas algo desagradables por su carácter explícito en cuanto a la violencia y el sexo. Es cierto que el argentino no se recrea en ellas, pero tal vez se podían haber rodado con más sutileza.

MALDITOS BASTARDOS

2009-09-15T17:27:00.007+02:00

Título original: Inglourious Basterds. País: Alemania, EE.UU. Dirección y guión: Quentin Tarantino. Intérpretes: Brad Pitt, Diane Kruger, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Eli Roth, Mike Myers, August Diehl. Fotografía: Robert Richardson. Distribuye en Cine: Universal. Género: Acción, Aventuras, Bélico. Duración: 153 min. Estreno: 18-09-2009. Contenidos: VS.

Kill Hitler

Francia, 1941. Tras escapar de un terrible caza-judíos, el coronel Landa, una joven se instala en París y consigue heredar un modesto pero agradable cine. Un joven héroe de guerra alemán se enamora de ella y consigue que el mismísimo Goebbels estrene en su cine su última película. A pesar de su repulsa inicial, la joven judía acepta porque ve que ha llegado el momento de vengar la muerte de su familia quemando el cine con todos los jerarcas nazis (Hitler incluido) dentro. Pero al mismo tiempo, y sin que lo sepa la muchacha, un grupo de judíos americanos (Los Bastardos) planea lo mismo con la ayuda de una actriz alemana, que ejerce de espía para los ingleses.

Tarantino nos vuelve a entregar una gamberrada violenta con aires de western (pero con nazis en lugar de vaqueros) que parodia y a la vez homenajea a grandes películas del género (Ser o no ser). Como no podía ser de otro modo en Tarantino, el eje principal de Malditos bastardos es el séptimo arte (las citas cinéfilas son abundantes en el filme), y no una historia verosímil sobre la Segunda Guerra mundial.

El reparto de lujo cumple con nota, aunque sus papeles a veces sean breves o grotescos, pues la mezcla de drama y humor así lo requiere. Aunque hay acción, no es lo esencial de Malditos bastardos, priman más los diálogos, por lo que muchas escenas se desarrollan con una cierta morosidad que puede impacientar al espectador ansioso.

ENEMIGOS PÚBLICOS

2009-07-29T14:26:00.007+02:00

País: EE.UU. Dirección: Michael Mann. Intérpretes: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Billy Crudup, Channing Tatum, Leelee Sobieski, Stephen Dorff, Rory Cochrane. Argumento: Bryan Burrough (Libro "Public Enemies: America's Greatest Crime Wave and the Birth of the FBI, 1933-34"). Guión: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman. Música: Elliot Goldenthal. Fotografía: Dante Spinotti. Distribuye en Cine: Universal. Duración: 140 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama, Thriller. Contenidos: VS. Estreno: 14-08-2009.

Los violentos años treinta

USA 1933, estamos en el cuarto año de la Depresión económica y John Dillinger, un experto ladrón, se dedica a saquear los bancos, supuestos culpables del malestar pecuniario del pueblo. Johnny nunca roba a los clientes y trata con deferencia a las empleadas del banco y a los ancianos. Junto con su banda, escapan en veloces Ford-V8 de un estado a otro, a la vez que lo hacen de una policía impotente que cuenta con pocos medios y unos agentes inexpertos ante este nuevo tipo de delincuencia. Solo podrá hacerles frente un incipiente FBI al mando de J. Edgar Hoover que designa a un joven pero experto agente, Melvin Purvis, para que atrape al mítico bandido.

El veterano director Michael Mann recrea con maestría los violentos años treinta con un filme que nos recuerda a Bonnie and Clyde y a Los intocables de Eliot Ness (no podía faltar en Enemigos públicos la aparición de Frank Nitti, junto con la de otros famosos delincuentes de la época), rodado con agilidad, con cámara en mano, y con secuencias de acción espectaculares y muy realistas. También resultan interesantes las referencias que se hacen en Enemigos públicos a películas de gánsteres de la época, perfectamente ensambladas con la trama, sobre todo en la secuencia final.

El guión no descuida un retrato humano de los personajes, tal vez algo idealizado, y que en ocasiones puede caer en el tópico del bandido bueno reprimido por un abusivo poder policial. Pero el resultado final es un conjunto bien equilibrado de violencia, romanticismo, lealtad y traición.

UP

2009-07-21T15:28:00.005+02:00

País: EE.UU. Dirección: Pete Docter, Bob Peterson. Guión: Pete Docter, Bob Peterson, Thomas McCarthy. Música: Michael Giacchino. Distribuye en Cine: Walt Disney. Duración: 96 min. Público apropiado: Todos. Género: Animación, Aventuras, Romántico. Estreno: 31-07-2009.

El anciano aventurero

Carl Fredericksen es un niño amante de la aventura. No se pierde ni uno sólo de los documentales que narran las hazañas de Charles Muntz, un explorador que recorre el mundo con su dirigible a la búsqueda de especies animales exóticas. Pero Carl es demasiado torpe como para llevar a la práctica sus sueños, hasta que aparece en su vida la intrépida Ellie. Juntos planean ir a las cataratas del Paraíso en Venezuela, pero esa ilusión no llegó a realizarse nunca. Han pasado los años y Carl es un anciano. Pero nunca es tarde para emprender grandes proezas, sobre todo si a uno le amenazan con encerrarle en un asilo. Carl se las ingenia para salir volando, pero no cuenta con la presencia de un polizón en si improvisada nave.

Los diseñadores de Pixar no cesan de sorprender con cada nueva aventura que estrenan. Su talento creativo es desbordante, y no sólo a nivel visual, sino también en las historias entrañables y llenas de valores que nos brindan. Hay secuencias de Up, como la de arranque, que son sencillamente magistrales, cine (de animación) en estado puro. Además, se agradece enormemente que por fin se ofrezca un papel protagonista a un anciano en un filme actual, pues a golpe de culto a la eterna juventud, nuestros mayores pueden acabar convirtiéndose en la generación perdida.

No faltan en esta joya de Pixar referencias a maestros del género como Miyazaki, o a estrellas que en el pasado destacaron en el cine de aventuras: Clark Gable o Errol Flynn. Up es sin duda el estreno del verano, un filme para todos, niños y adultos, que emociona, hace reír y pensar.

ASALTO AL TREN PELHAM 123

2009-07-14T15:49:00.005+02:00

Título original: The Taking of Pelham 1 2 3. País: EE.UU., Reino Unido. Dirección: Tony Scott. Intérpretes: Denzel Washington, John Travolta, John Turturro, James Gandolfini, Luis Guzmán. Argumento: John Godey (Novela "The Taking of Pelham One Two Three"). Guión: Brian Helgeland. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 100 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Thriller. Estreno: 24-07-2009. Contenidos: VD.

Déjà vu

Unos delincuentes profesionales secuestran unos vagones del metro de Nueva York y exigen al alcalde de la ciudad como rescate diez millones de dólares en el plazo de una hora, en caso contrario matarán a los rehenes. Ryder, el jefe de la banda, sólo admite como interlocutor a Walter Garber, un experto funcionario del centro de control de las vías del tren que está siendo sometido a investigación por supuesto soborno.

Asalto al tren Pelham 123 es un remake de un notable filme de los años setenta. La acción y el suspense están asegurados de la mano de Tony Scott, que suele abusar de un estilo próximo al videoclip, y que a pesar de contar con un buen reparto nos ofrece un resultado final algo mediocre. John Travolta sobreactúa demasiado interpretando a un personaje caricaturesco y Denzel Washington parece no estar muy convencido de su papel.

La trama (secuestradores, rehenes, rescate, relación protagonista-antagonista) suena a algo ya visto (Déjà vu, otro título también de Tony Scott y Denzel Washinton pero más memorable que éste), aunque Asalto al tren Pelham 123 como producto de consumo veraniego no está mal.

DESPEDIDAS

2009-07-01T13:32:00.002+02:00

País: Japón. Dirección: Yojiro Takita. Intérpretes: Masahiro Motoki, Ryoko Hirosue, Tsutomu Yamazaki, Kimiko Yo, Kazuko Yoshiyuki, Takashi Sasano. Guión: Kundo Koyama. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Takeshi Hamada. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 130 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Drama. Estreno: 03-07-2009. Contenidos: S. Título original: Okuribito.

Hasta que volvamos a vernos

Un joven músico, Daigo, se queda en paro al disolverse la orquesta en la que trabaja como violonchelista. Abrumado por la situación deja Tokio y se traslada con su esposa para vivir en un bar que perteneció a su madre, recientemente fallecida. Al fantasma del desempleo, se une el abandono que Daigo sufrió por parte de su padre cuando no era más que un niño.

Un día, buscando empleo, descubre una oferta de trabajo en lo que le parece ser una agencia de viajes, pero cuando acude a la entrevista descubre que no se trata de lo que pensaba sino de una extraña agencia que se dedica a la ceremonia de amortajar a los difuntos en presencia de los familiares. Daigo no es capaz de negarse ante la insistencia del dueño de la funeraria, y como anda necesitado de dinero, acepta cuando el jefe le hace un pago inmediato en efectivo. Pero mantendrá el secreto a su mujer por la negativa valoración social que tiene una profesión vinculada con los muertos. Cuando ella lo descubra se producirá una crisis en su relación.

Despedidas ganó el Oscar en 2009 a la mejor película en habla no inglesa, un premio merecido pues no resulta fácil abordar el tema de la muerte sin caer en tópicos o en tonos macabros, pero el buen hacer fílmico de Takita consigue sortear con nota esos escollos. De hecho nos muestra una poética, emotiva y esperanzada narración en la que la muerte no tiene la última palabra y los conflictos familiares encuentran solución gracias a la comprensión y el perdón.

El ritmo del filme es pausado, oriental, muy ceremonioso, como ese rito en el que con extremo respeto se amortaja al cadáver. Sin embargo, no se escatiman algunos momentos simpáticos que incluso logran sacar alguna sonrisa del espectador.

STILL WALKING

2009-06-04T12:51:00.005+02:00

País: Japón. Dirección y guión: Hirokazu Koreeda. Intérpretes: Hiroshi Abe, Yui Natsukawa, You, Kazuya Takahashi, Shohei Tanaka, Kirin Kiki, Yoshio Harada. Música: Gonchichi. Fotografía: Yutaka Yamasaki. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 114 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 7 años. Género: Drama. Estreno: 05-06-2009.

Un hogar japonés

Una familia se reúne para recordar el aniversario del fallecimiento, hace quince años, del hijo mayor. En la celebración se dan cita tres generaciones: los abuelos, en cuya casa se lleva a cabo la fiesta, la hija, parlanchina y espontánea, y que aspira a mudarse con su marido cachazudo y sus dos alocados hijos a vivir allí, y el hijo menor, que se acaba de casar con una joven viuda que tiene un hijo de su anterior matrimonio. El abuelo es un médico jubilado, orgulloso y arisco, que añora a su hijo muerto y maltrata a su segundo hijo por considerarlo un inútil (se dedica a la restauración de cuadros), pues nunca eligió lo que su padre tanto deseaba: ser otro médico. La abuela es un ama de casa dicharachera pero que no ve con buenos ojos a la viuda y a su niño.

Still walking trascurre en apenas 24 horas y en la vivienda familiar, pero Koreeda filma con maestría ese reducido espacio y nos muestra con detalle, pero a la vez con frescura y simpatía, las costumbres cotidianas del Japón (desde la visita a una tumba o la preparación de una comida hasta el sencillo hecho de tomarse un baño). Y a pesar del tono agridulce del conflicto familiar que se nos cuenta en esta sencilla película, el director nipón nos brinda una visión esperanzada y positiva de la familia.

Still walking recuerda a los filmes del clásico Ozu pero actualizados al Japón del siglo XXI, por tanto, una pequeña joya del séptimo arte.

TERMINATOR SALVATION

2009-05-28T15:15:00.004+02:00

País: Alemania, EE.UU., Reino Unido. Dirección: McG. Intérpretes: Christian Bale, Anton Yelchin, Sam Worthington, Bryce Dallas Howard, Moon Bloodgood, Common, Helena Bonham Carter, Michael Ironside. Argumento: James Cameron (Personajes), John D. Brancato (Historia), Michael Ferris (Historia), Gale Anne Hurd (Personajes), David C. Wilson (Historia). Guión: John D. Brancato, Michael Ferris. Música: Danny Elfman. Fotografía: Shane Hurlbut. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 118 min. Público apropiado: Mayores de 13 años. Género: Acción, Ciencia ficción. Estreno: 05-06-2009. Contenidos: V.

Salvar el futuro

Año 2003. Un condenado a muerte cede su cuerpo a la ciencia. Año 2018, después del día del juicio final, Skynet se ha hecho con el control de la Tierra, pero los humanos no se resignan a vivir dominados por la máquinas y entablan una feroz resistencia para lograr su libertad. Para ello cuentan con un líder, John Connor, que ahora está casado y espera su primer hijo, a la vez que repasa a diario las notas grabadas que le dejó su madre Sarah, con el fin de hallar una guía segura que le permita vencer en la batalla final.

Pero el futuro no es exactamente tal y como su madre había previsto, lo que hace difícil decidir qué estrategia seguir. La trama da un giro imprevisto cuando aparece prisionero en la sede de Skynet el individuo que fue ejecutado y entregó su cadáver a los científicos quince años antes.

Terminator Salvation supone la cuarta entrega de la saga y nos ofrece un recital espectacular de acción, explosiones, luchas entre humanos y terminators, algún que otro giño al actor más famoso de la saga (que no actúa en ésta pues sus obligaciones políticas se lo impiden), y un futuro desolador, como viene siendo habitual en el cine futurista desde los tiempos de Blade Runner.

Se echa en falta, sin embargo, un guión más trabajado, sobre todo en la definición de personajes y algo más de hondura dramática. No defraudará a los fans, pero me parece que todavía no se ha logrado superar la excelente Terminator 2.

ÁNGELES Y DEMONIOS

2009-05-11T17:40:00.008+02:00

País: EE.UU. Dirección: Ron Howard. Intérpretes: Tom Hanks, Ayelet Zurer, Ewan McGregor, Stellan Skarsgård, Armin Mueller-Stahl, Nikolaj Lie Kaas. Guión: David Koepp, Akiva Goldsman. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Salvatore Totino. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 138 min. Público apropiado: Mayores de 16 años. Género: Thriller. Estreno: 15-05-2009. Contenidos: V.

Conspiración de silencio

Varios días después de la muerte del Papa se reúne el cónclave de cardenales para la elección del futuro Sumo Pontífice. Pero el secuestro de cuatro purpurados considerados favoritos en la votación crea una crisis en el Vaticano, sobre todo al saberse que los autores del suceso se atribuyen el nombre de una antigua sociedad secreta, Los Illuminati, hostil a la Iglesia y que ha colocado una bomba de antimateria en las grutas vaticanas. Para evitar una tragedia, los agentes de la guardia suiza solicitan la ayuda de un profesor agnóstico, Robert Langdon, y de una joven científica italiana.

Ángeles y demonios se presenta como una secuela de El Código da Vinci pero en realidad es una precuela, pues fue escrita hace diez años por Dan Brown y sólo tras el éxito del Código se ha reeditado y llevado al cine. Por tanto, con Ángeles y demonios volvemos a tener más de lo mismo: tramas inverosímiles, errores históricos apabullantes, descripciones grotescas sobre la Iglesia, etc. Y aunque Ron Howard ha intentado eliminar algunas de las más sonoras patochadas de Brown no se ha librado del todo de la arrogante ignorancia (¿o es malicia?) del novelista.

Religión y ciencia

En Ángeles y demonios aflora una visión muy pobre del supuesto conflicto entre fe religiosa y ciencia: aquella que ve a la Iglesia como una institución intolerante y enemiga del progreso científico. Un tema que daría para mucho, pero para no aburrir al lector me limito a mencionar dos hechos históricos que el tándem Howard-Brown tal vez desconozca (¿o conspira para ocultarlos…?): a) Los más prestigiosos historiadores de la ciencia reconocen que ésta surge en el Renacimiento gracias a la idea de que el cosmos es racionalmente comprensible y es un único sistema de fuerzas, conceptos que se derivan de la creencia judeocristiana en un único ser racional como creador del universo: Dios; y b) cuando se apela al Big Bang como alternativa a Dios me dan ganas de reír a mandíbula batiente: ¿quién fue uno de los primeros en formular esa hipótesis? George Lemaître, un sacerdote y astrónomo belga. ¿Lo sabían? Esto sí que es conspiración de silencio.

La conjura de los necios

Y la verdad es que películas como Ángeles y demonios parecen ser un claro reflejo de nuestra sociedad posmoderna, caracterizada por la ausencia de reflexión (algo a lo que contribuye enormemente el ritmo endiablado del filme) y por una supina ignorancia no solo en temas de religión sino también de historia, arte, ciencia o filosofía. Y a ese público carente de gusto cinematográfico, y representante de aquel grupo de infinitos necios de los que hablaba el sabio semita, va dirigida Ángeles y demonios. Un público que, parafraseando a Chesterton, ya no cree en Dios pero sí cree en cualquier sandez.

Con Ángeles y demonios Ron Howard confirma su incapacidad para llegar a ser un autor cinematográfico, y parece decirnos que se conforma con ser un simple artesano que sólo acierta cuando filma historias reales y profundas como El desafío, Apolo XIII o Una mente maravillosa, y no bodrios increíbles de religión ficción.

X-MEN ORÍGENES: LOBEZNO

2009-04-29T16:34:00.003+02:00

Título original: X-Men Origins: Wolverine. País: Australia, EE.UU., Nueva Zelanda. Dirección: Gavin Hood. Intérpretes: Hugh Jackman, Ryan Reynolds, Liev Schreiber, Dominic Monaghan, Lynn Collins, Danny Huston, Daniel Henney, Taylor Kitsch, Kevin Durand, Tahyna Tozzi, Stephen Leeder. Guión: David Benioff, Skip Woods. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Donald McAlpine. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 107min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Acción, Cómic, Fantástico. Estreno: 30-04-2009. Contenidos: V.

El lobo enamorado de la luna

Esta precuela de la serie X-Men narra el origen de Logan y cómo llega a convertirse en Lobezno. Para ello, el filme nos ofrece una trepidante aventura desde finales del siglo XIX, pasando por las dos guerras mundiales, Vietnam, etc., hasta llegar a nuestros días en los que Logan se ha retirado a vivir en como leñador en una tranquila aldea con su amada, una maestra de pueblo. Para ese paraíso será roto por una desagradable e inesperada visita.

X-Men Orígenes: Lobezno dirigida por el ganador de un Oscar Gavin Hood (Tsotsi), tal vez no defraude a los incondicionales del género, pues ofrece acción a raudales y una explicación plausible del origen de la saga. Pero se echa en falta un mejor trabajo de guión y más definición en los personajes.

THE INTERNATIONAL (Dinero en la sombra)

2009-04-21T16:50:00.003+02:00

País: Alemania, EE.UU., Reino Unido. Dirección: Tom Tykwer. Intérpretes: Clive Owen, Naomi Watts, Armin Mueller-Stahl, Ulrich Thomsen. Guión: Eric Singer. Música: Reinhold Heil, Johnny Klimek, Tom Tykwer. Fotografía: Frank Griebe. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 118 min. Público apropiado: Mayores de 13 años. Género: Thriller. Estreno: 24-04-2009. Contenidos: V.

Bancos y tráfico de armas

Salinger, agente de la Interpol y Whitman, una ayudante del fiscal del distrito en Nueva York, siguen la pista de un poderoso banco de Luxemburgo que sirve de tapadera para el negocio de armas en el tercer mundo. Pero uno a uno, todos sus confidentes, son asesinados por criminales profesionales que no dejan huella alguna y con la complicidad de agentes corruptos y del sistema financiero internacional. Pero el agente Salinger no se detendrá ante nada, incluso violará la ley, para dar con el responsable principal de ese complot.

The International es un thriller de fondo financiero (¡y eso que estamos en tiempos de crisis!, ¿cómo se lo tomarán los bancos?) rodado con agilidad por el alemán que hace años nos sorprendió con Corre, Lola, corre. No faltan escenas espectaculares, como el tiroteo en el museo Guggenheim de Nueva York, y un reparto internacional, vaya redundancia, que cumple con solvencia. Tal vez se eche en falta una mayor definición en el guión de algunos personajes, sobre todo los correctamente interpretados por Naomi Watts y el actor danés Ulrich Thomsen (Celebración, Hermanos).

25 KILATES

2009-04-21T16:43:00.002+02:00

País: España. Dirección y guión: Patxi Amézcua. Intérpretes: Aida Folch, Francesc Garrido, Manuel Morón, Joan Massotkleiner, Héctor Colomé. Música: Francis Amat. Fotografía: Sergi Gallardo. Distribuye en Cine: Golem. Género: Thriller. Duración: 86 min. Público apropiado: mayores de 16 años. Estreno: 24-04-2009. Contenidos: VX.

Cine negro español

Abel es un boxeador con un futuro prometedor al que un suceso trágico obliga a buscarse la vida como cobrador del frac. Kay es una joven a la que su padre ha educado desde niña para ser cómplice de sus trapicheos. Garro es un policía corrupto de la brigada antirrobos que obtiene beneficios del material incautado en las detenciones. En definitiva, unas personas bastante desorientadas cuyos encuentros por la ciudad de Barcelona provocarán giros inesperados.

25 kilates está narrada con gran agilidad -puro cine de género al estilo de las películas policiacas de los años 40 y 50, pero puesto al día-. Por eso, aquí no encontraremos detectives solitarios o mujeres fatales, sino que todos los personajes tienen unos vínculos familiares a los que no pueden renunciar. Esa humanización de los personajes viene acompañada por el uso de la elipsis, que otorga ritmo a la cinta y evita caer en las tópicas escenas de sexo (salvo en la breve secuencia inicial) que no aportan nada, como reconoció el director del filme en una rueda de prensa.

25 kilates es la opera prima del navarro Patxi Amézcua que después de haber recibido varios premios en diversos certámenes, participa en el festival de cine de Málaga. Y la verdad es que ha sido una grata sorpresa encontrar una realización atípica en el panorama del cine español actual, que huye de los tópicos al uso y que a pesar de su crudeza deja una puerta abierta a los conflictos que plantea.

TESTIMONIO

2009-04-16T17:29:00.016+02:00

Director: Pawel Pitera. Guión: G. Franco Svidercoschi y P. Pitera basado en el libro “Una vida con Karol” del cardenal Dziwisz. Narrador: Michael York. Música: Vangelis. País: Polonia. Género: Documental. Duración: 97 min. Público adecuado: Todos. Venta en DVD: 08-04-2009. Distribuye: Tripictures.

Un hombre para la eternidad

Aparece en DVD el documental estrenado el pasado octubre en el Vaticano y que recrea momentos públicos, junto a otros privados y entrañables, del papa Juan Pablo II. Testimonio está basado en las memorias del que fue su secretario personal durante casi cuarenta años: Estanislao Dziwisz. La película ofrece algunos detalles inéditos como las salidas de incógnito que el papa hacía, sin escolta, fuera de los muros del Vaticano o el exorcismo realizado a una mujer.

El documental intercala entrevistas al secretario del papa polaco con imágenes inéditas de Karol Wojtyla o recreaciones tanto de su infancia como de hechos de su pontificado, acompañados por la narración del actor Michael York.

Testimonio es una cinta de ritmo ágil, y con la excelente banda sonora de Vangelis, que gustará tanto a los que ya conocen bien la vida de Juan Pablo II como a los que sólo tienen una vaga idea acerca del hombre que llevó la luz del evangelio a un mundo en tinieblas.

GRAN TORINO

2009-03-26T12:48:00.012+01:00

País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Intérpretes: Clint Eastwood, Geraldine Hughes, John Carroll Lynch, Cory Hardrict, Dreama Walker, Brian Haley, Bee Vang, Ahney Her. Argumento: Dave Johannson, Nick Schenk. Guión: Nick Schenk. Música: Kyle Eastwood, Michael Stevens. Fotografía: Tom Stern. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 116 min. Público apropiado: No recomendada para menores de 13 años. Género: Acción, Drama. Estreno: 06-03-2009. Contenidos: VD.

El mejor Eastwood

Sucede en algunos directores que al llegar a su vejez decae su talento creativo, o pierden el control de sus producciones que acaban en manos de otros individuos menos geniales, con lo que el resultado final acaba siendo deplorable. No es el caso de Clint Eastwood que, como el buen vino, mejora con el tiempo.

Gran Torino relata las peripecias de un jubilado, Walt Kowalski (un apellido muy cinematográfico, por cierto, recuerden a Marlon Brando en Un tranvía llamado deseo y al replicante Leon en Blade Runner). Wally, el apelativo cariñoso que le asigna una vecina, combatió en Corea y trabajó en la fábrica Ford. Ahora acaba de enviudar y gasta sus horas gruñendo ante la invasión de inmigrantes que padece su barrio y las pésimas relaciones que mantiene con sus hijos. Una rutina que será alterada por una peculiar relación con dos de sus vecinos, Sue y su hermano Thao, de la etnia hmong. Y otra no menos llamativa que mantiene con el padre Janovich, un joven sacerdote que prometió a la mujer de Walt, en su lecho de muerte, que haría todo lo posible para que su marido acabara confesándose.

Puede que Gran Torino no sea, desde el punto de vista formal o estético, el mayor logro de este cineasta de casi ochenta años, pero sí me parece que lo es desde el punto de vista antropológico, ético y religioso. Clint Eastwood ha dado un vuelco radical después de ofrecernos a lo largo de su extensa filmografía una serie de personajes a la deriva, auténticos antihéroes que ante un conflicto dramático –que exige de ellos una respuesta ponderada– se bloquean, acaban sacando a flote su lado más débil y terminan por hundirse en el abismo que ellos han escogido.

De antihéroe a héroe mesiánico

Por el contrario, Gran Torino al tiempo que nos brinda con el personaje de Walt uno de los cascarrabias más entrañables de los últimos tiempos –hay situaciones y diálogos divertidísimos– ofrece un giro admirable en la trayectoria del realizador americano al mostrar a un personaje que, ante el dilema de su vida, acaba convirtiéndose en un héroe que da sentido a su existencia y a la de los otros.

Hemos pasado del fatalismo de Million Dollar Baby a la plenitud antropológica y religiosa de un personaje que adquiere tintes mesiánicos. Eastwood no ha esquivado inspirarse en el héroe redentor por antonomasia: Cristo. Lo cual se refleja también en la entrañable figura del joven sacerdote, algo impensable en nuestra filmografía, salvo gloriosas excepciones como Gracia Querejeta (Héctor) o Ángeles González Sinde (Una palabra tuya), ¡que tomen nota Amenábar, Cuerda y Fesser!

Gran Torino es una gran lección para todos los nihilistas de turno que viven de esa rancia pose; ya va siendo hora de que nos ofrezcan un cine más esperanzador. ¡Enhorabuena por esa trasformación, señor Eastwood! ¡Felicidades por este grandioso testamento fílmico!

LOS ABRAZOS ROTOS

2009-03-15T00:14:00.004+01:00

País: España. Dirección y guión: Pedro Almodóvar. Intérpretes: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, Ángela Molina, Rossy de Palma, Lola Dueñas, Chus Lampreave, Carmen Machi, Kiti Manver. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Rodrigo Prieto. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 125 min. Público apropiado: Adultos Género: Drama. Estreno: 18-03-2009. Contenidos: XD.

Más cine, por favor

Madrid, 2008. Harry Caine es el alias de un director de cine (Mateo Blanco) que perdió la vista, y a la mujer que amaba, en un trágico accidente catorce años antes. Ahora sobrevive escribiendo guiones con la ayuda de Diego, el hijo de Judit su antigua productora, a la vez que intenta evadirse de su angustia con las fugaces aventuras eróticas que mantiene con desconocidas. Caine pretende haber sepultado su pasado (por eso emplea este seudónimo) pero un día sus peores pesadillas reaparecen en la persona de un siniestro aspirante a director: Ray X. Tal encuentro le forzará a rendir cuentas con su vida y su obra fílmica.

Pedro Almodóvar rinde homenaje en Los abrazos rotos a su gran amor: el cine; y a sus géneros favoritos: la comedia, el melodrama y el cine negro. Por todo ello, el realizador manchego se permite la autocita (Mujeres al borde de un ataque de nervios) y crea un alter ego en la figura del director Mateo Blanco, interpretado por Lluis Homar y vestido con el atuendo que el propio Almodóvar usaba en los noventa. También maquilla y viste a Penélope Cruz como Audrey Hepburn, y en alguna escena la actriz madrileña adopta un gesto que recuerda remotamente al de Sean Young en Blade Runner.

Junto a todo esto, tampoco se resiste el manchego a hacer guiños a diversos realizadores como Rossellini (Te querré siempre), Louis Malle (Ascensor para el cadalso) o Woody Allen (Un final made in Hollywood). Tres filmes que aluden a los temas centrales de Los abrazos rotos: el amor, incluso obsesivo (¿o la ley del deseo?), la muerte y la creación artística.

Con esta producción, que no llega a la altura de otras películas suyas (como Volver o Todo sobre mi madre), Almodóvar dirige la mirada hacia sí mismo (señaló en la rueda de prensa de presentación del filme que en la medida en que se va haciendo mayor le gusta más una vida de interiores, sin tanto ajetreo exterior) y vuelca sus temas y obsesiones centrales en una trama que, salvo en los primeros minutos, carece de fuerza y trascendencia. Tal vez el motivo sea haber dejado de lado la dimensión misteriosa que envuelve al amor, la muerte y la creación. Cuando presentó su anterior filme, Volver, aseguró que se había enfrentado al enigma de la muerte, pero a costa de negar todo misterio al respecto; algo que resulta palpable tras su visionado.

Eros y thanatos

Por tanto, al esquivar toda incógnita sobre el más allá (Almodóvar también confesó, en la rueda de prensa citada, el siguiente contrasentido: rezo aunque no soy creyente ¿?) la vida queda sometida ¡cómo no! a la “ley del deseo”. Un deseo, por otra parte, muy cercano a la muerte. “Por razones que desconozco, afirmó Buñuel, he encontrado siempre en el acto sexual una cierta similitud con la muerte, una relación secreta pero constante”. Y no es casualidad que en Los abrazos rotos se aprecie esta conexión entre eros y thanatos, incluso de manera explícita en alguna escena.

La explicación de este fenómeno hay que buscarla en la negación de la autotrascendencia de la existencia humana. Dicho de forma positiva: el ser humano, advierte Frankl, se autorrealiza en la medida en que se trasciende al servicio de una causa o en el amor a otra persona. Es decir, el hombre sólo se humaniza plenamente cuando se pasa por alto y se olvida de sí mismo.

Sin embargo, las escenas eróticas de Los abrazos rotos carecen de estas cualidades, más bien parecen ser meros desahogos físicos, que en el mejor de los casos dejan una cierta vinculación sentimental más o menos obsesiva (el amor fou) pero con el regusto amargo del vacío y de la muerte al acecho. Los personajes de Almodóvar, como los del mundo real, participan en una carrera imparable de obstáculos impulsados por sus deseos. No cesan de anhelar nuevos objetos y nuevas personas que una vez obtenidos les dejan de nuevo insatisfechos. Aquí radica el misterio de la felicidad. Un enigma que no se puede anular a no ser que se quiera reducir al hombre a una pasión inútil.

Pues si resulta que poseemos una capacidad infinita de querer y advertimos que tras esa voluntad inextinguible late una verdadera apertura a la trascendencia, el absurdo se transforma en misterio: un Bien infinito nos atrae. Todo esto sería imposible dentro del ámbito de la finitud. Ese bien ilimitado no se sustituye con una infinitud de bienes caducos y pasajeros. Almodóvar no llega a vislumbrar que en el encuentro en el que consiste el amor personal también se entrevé una vía al absoluto. El amor personal no se reduce a un mero intercambio de fluidos o placeres, sino que es un acontecimiento de participación en un Bien mayor.

Amor y eternidad

El amor y la entrega totales forjan a la persona, de ahí que todo amor verdadero anhele la eternidad, y no conciba su final como algo lógico. Marcel lo expresó diciendo que amar a una persona es manifestarle que no morirá jamás. Y Ortega y Gasset explicaba que querer a alguien supone no poder concebir un universo donde esa persona no esté presente (una idea que refleja el desenlace de Inteligencia artificial, de Spielberg). Por eso el amor pide de suyo eternidad. La supervivencia del amor más allá de la muerte es un tema recurrente también en el cine, como se puede observar en Always, Más allá de los sueños o El sexto sentido, por citar unos pocos ejemplos. Incluso el filme de Rossellini citado por Almodóvar (Te querré siempre) pierde su fuerza en el contexto agnóstico de Los abrazos rotos.

Si se niega la trascendencia toda narración vital, y en concreto el argumento amoroso, queda reducida a una farsa, a una pasión inútil. Todo se resumiría en una representación que esconde la nada y el absurdo tras sus artificios. Cualquier realización valiosa de la persona estaría sometida a la fugacidad de las apariencias y destinada a ser aniquilada. Si la persona se reduce a un puñado de átomos reunidos al azar, en el fondo no existe nadie, nunca existió ningún sujeto. La muerte revelaría un vacío que siempre estuvo ahí.

Fotos y abrazos rotos

Declara Almodóvar la consabida idea de que la vida es dura, terrible y caótica pero que el arte confiere a lo real una finalidad, un orden, un sentido del que carece por sí mismo. Un concepto que se expresa en Los abrazos rotos con la metáfora de la foto descompuesta en mil pedazos y que uno de los personajes intenta recomponer (un símil ya visto, por ejemplo, en Amelie).

De todos modos este tópico no resiste un análisis riguroso porque el arte forma parte de la vida y si podemos dar orden a nuestras historias (o recomponer una fotografía) tal vez sea porque esa misma vida ya tiene una cierta configuración y sentido, aunque no sea fácil descubrirlo, sobre todo en los momentos más trágicos de nuestra existencia, como refleja el filme de Richard Attenborough Tierras de penumbra.

Habría que sugerir, más bien, que este sentido no es creado por el hombre, más bien es algo o alguien que encuentra en su vida. Por eso el amor, el trabajo creativo, la religión e incluso el sacrificio constituyen aspectos de la realidad que otorgan significado y sentido a la vida humana.

Incluso la creación artística, otro de los asuntos sobre los que reflexiona Almodóvar en Los abrazos rotos, al ser una expresión de nuestros anhelos, no se puede entender sin la referencia al misterio de la trascendencia. En ella comparece lo simbólico, y el símbolo, decía Ricoeur, da que pensar. El símbolo, por tanto, es el medio en el cual se puede exponer, de un modo sensible, la dimensión sagrada y religiosa del ser humano. Mediante lo simbólico puede llevarse a cabo una creación artística que manifieste lo sagrado. Por eso Eugenio Trías afirma que el arte,

“sin ese referente (sin la compleja presencia/ausencia de lo sagrado), no puede desplegar su vocación y su designio: el de bañar con una aureola de resplandor aquello en lo cual interviene: un espacio urbano o monumental, o un argumento musical o narrativo, o una instantánea poética, o un poema visual capaz de plasmarse en una imagen pictórica. (...) El gran arte moderno resiste siempre en relación al flujo y reflujo de esa marea (nihilismo). Se aviene mal con el grito de guerra del profeta nietzscheano (“Dios ha muerto”). El referente sagrado existe, insiste y resiste (...). El arte es, de hecho, una protesta de sentido en relación a la muerte. Postula una vida nueva resucitada, recreada” (Pensar la religión, Destino, Barcelona 1997, pp.118, 120).

¡Ojalá Almodóvar nos brinde algo así en sus futuras producciones!

R.A.F. FACCIÓN DEL EJÉRCITO ROJO (Der Baader Meinhof Komplex)

2009-03-12T14:58:00.007+01:00

País: Alemania, Francia, República Checa. Dirección: Uli Edel. Intérpretes: Martina Gedeck, Moritz Bleibtreu, Johanna Wokalek, Nadja Uhl, Jan Josef Liefers, Stipe Erceg. Argumento: Stefan Aust (Libro). Guión: Bernd Eichinger, Uli Edel. Música: Peter Hinderthür, Florian Tessloff. Fotografía: Rainer Klausmann. Distribuye en Cine: Aurum. Duración: 150 min. Género: Drama Histórico. Estreno: 13-03-2009. Público apropiado: Adultos. Contenidos: VXS.

El vértigo del terrorismo

República Federal Alemana 1967. Una periodista de prestigio, Ulrike Meinhof, casada y con dos hijas gemelas, y Andreas Baader, un vulgar y violento delincuente, fundan una organización para protestar contra la opresión de los gobiernos capitalistas, la guerra de Vietnam y los sufrimientos del pueblo palestino. Y como suele suceder en estos casos, lo que en un principio se limitaba a boicots y reivindicaciones más o menos virulentas, acaba convirtiéndose en terrorismo puro y duro (bombas, asesinatos, secuestros, etc.).

R.A.F. Facción del Ejército Rojo aunque estuvo nominada a los Oscar, y ha sido producida por miembros del equipo de El Hundimiento, no llega a la altura de este interesante filme histórico sobre Hitler. Pesa en su contra su excesivo metraje, la caída de ritmo en la segunda mitad del filme, después de un arranque trepidante y ágil, y la machacona insistencia en mostrar sin tapujos el estilo de vida amoral y exhibicionista de los miembros de la banda, que si bien manifiesta su degradación moral, en algunos momentos puede hacerse molesto.

En cuanto a los aspectos positivos, aparte de lo ya sugerido sobre la impactante realización de las secuencias de acción, R.A.F. Facción del Ejército Rojo ofrece una visión nada idealizada de estos comandos terroristas herederos de mayo del 68, y aporta una interpretación convincente, que echa abajo algunos mitos y rumores, sobre el final de la banda.

A CIEGAS (BLINDNESS)

2009-03-12T13:49:00.006+01:00

País: Brasil, Canadá, Japón. Director: Fernando Meirelles. Argumento: José Saramago (Novela "Ensaio Sobre a Cegueira"). Guión: Don McKellar. Intérpretes: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Yusuke Iseya, Danny Glover. Fotografía: César Charlone. Distribuye en Cine: Notro Films. Duración: 120 min. Género: Drama. Estreno: 13-03-2009. Público apropiado: Adultos. Contenidos: XDS.

Si un ciego guía a otro ciego…

Un día cualquiera en una ciudad cualquiera la epidemia brota de un modo imprevisto. La gente se queda ciega de repente, sin previo aviso, con una ceguera blanca, lechosa. Las autoridades alarmadas encierran a los contagiados en un desvencijado hospital. Pero pronto la epidemia causará estragos en toda la población y el caos, el pillaje y las pasiones más rastreras harán presencia en esa ciudad desolada. Sólo una mujer conserva de modo secreto (únicamente su marido lo sabe) la capacidad de ver en ese antro de invidentes.

Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El jardinero Fiel) adapta a la pantalla la novela del premio nobel portugués José Saramago, y si esta nos brindaba un retrato abrumador, horrible e indigesto de las bajezas humanas, algo similar nos ofrece el filme del director brasileño, a pesar de sus esfuerzos por mitigar algo ese radical pesimismo en el tramo final del filme. Otro asunto es si uno puede llegar intacto a esa última etapa de A ciegas, después de dos horas angustiosas, insoportables y reiterativas, en las que parece reflejarse aquella frase de Hobbes que asumen los nihilistas y pesimistas como Saramago: el hombre es un lobo para el hombre.

Y es que una sociedad y una ética que no se fundamenta en valores consistentes, y carece de una referencia a un fundamento metafísico (más o menos consciente) en el ser Absoluto (Dios) deriva en la afirmación de una voluntad arbitraria, con todos los problemas que esa tesis conlleva (no olvidemos que Saramago se proclama ateo). Si todos tenemos una libertad sin límites, buscaremos a toda costa ser los protagonistas exclusivos de nuestra vida, sin admitir el papel de los demás o las exigencias de los otros. El mundo de los demás será, como refleja el filme A ciegas, parafraseando a Sartre y Hobbes, un infierno plagado de lobos.

LOS DELIRIOS DE JAVIER FESSER

2009-02-12T14:07:00.007+01:00

Me permito escribir sobre tu premiada película (¡enhorabuena por los seis premios Goya!), Camino, porque sí la he visto, y a pesar de tus afirmaciones: “siempre he tratado de dialogar con aquél que ha intentado entender la película”, he descubierto que no facilitas el diálogo con aquel que no piensa como tú.

De todos modos, comprendo perfectamente tus declaraciones a la prensa, pues son el lógico corolario de tu relativismo: no existe la verdad, por tanto todo es verdad o mentira según sirva a mis intereses personales. Eso sí, como todo relativista tienes una doble estrategia: de cara a la galería exhibes un talante abierto, pero de puertas para adentro te crees en posesión de la única interpretación válida de fenómenos que apenas conoces: la vida de Alexia, a la que nunca conociste –leí una de sus biografías después de ver Camino y aluciné con tu capacidad de manipulación: ¡enhorabuena, eres un genio!–; y por supuesto, conoces el Opus Dei mejor que nadie, aunque nunca hayas visitado un centro de la Obra, pues ni siquiera estas al tanto –como se puede apreciar en tu película– de algo tan básico como su estilo de mobiliario o cómo se desarrolla una comida en un centro del Opus Dei.

Eso sí, prosiguiendo con tu táctica sibilina no temes contradecirte, por eso, a la vez que aseguras que te “irrita el hecho de que una institución básicamente dañina se llame la obra de Dios”, también afirmas, tras recibir el Goya, que “estoy aquí por mis padres que me han criado con amor, cariño y buen humor”; y eso por qué, ¿es que son ateos? ¿O más bien todo lo contrario, son creyentes o tienen alguna relación con el Opus Dei? No oculte la verdad, señor Fesser.

“Después de conocer un poco lo que es el Opus Dei, encuentro muy poca relación entre Dios y lo que ellos llaman la obra de Dios”. ¿Sabes algo de Dios, aparte de decir que no existe? Viendo tus películas, da la impresión de que aparte de la broma fácil e irreverente, poco más puedes decir de Dios. Entonces, ¿por qué juzgas la concepción que otros tienen de Él? ¡Déjalos en paz, hombre!

El Opus Dei no ha “monopolizado una idea que no les pertenece”, pues para cualquier creyente todo es Obra de Dios, aunque no para ti que piensas que la única salida para el sufrimiento de una joven es la evasión onírica.

Afirmas que “su idea de Dios está basada en la coacción” y te quedas tan ancho. Si por lo menos tuvieras el rigor de John Allen o de Messori, que sí les interesaba la verdad sobre el Opus Dei –no a ti– y por eso preguntaron a mucha gente y vivieron en centros de la Obra durante su investigación, tu testimonio sería creíble. Pero te has limitado a cuatro testimonios de gente más o menos resentida: a eso se reduce tu radiografía del Opus Dei.

El colmo de tus delirios de grandeza llega con esta frase: “Gracias a la película, dos numerarias se han liberado de algo que no las hacía felices”. No sé si reír o llorar ¿De verdad te crees lo que dices? Hemos tenido que esperar al mesías Fesser para poder irnos del Opus Dei con libertad. ¡¡Eres el as de la comedia, has conseguido que me ría a mandíbula batiente!!

Si llegas a leer esta carta, tal vez pienses de nuevo que te atacan con violencia o te lanzan dardos envenenados. Lo cual me recuerda la actitud del coronel nazi que interpreta Christopher Plummer en la película Púrpura y negro, en la escena en la que está torturando a un sacerdote italiano, mientras le pide: “padre, ayúdeme a terminar con la violencia”. Tú has violentado en primer lugar la verdad y la realidad sobre Alexia y el Opus Dei, ¿y te extraña que los ofendidos denuncien tus mentiras? ¿A eso lo llamas violencia? ¡Menuda jeta!

VALKIRIA

2009-01-28T14:01:00.006+01:00

Título original: Valkyrie. País: Alemania, EE.UU. Dirección: Bryan Singer. Intérpretes: Tom Cruise, Kenneth Branagh, Bill Nighy, Tom Wilkinson, Carice van Houten, Thomas Kretschmann, Terence Stamp. Guión: Christopher McQuarrie, Nathan Alexander. Música: John Ottman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 115 min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Bélico, Histórico. Estreno: 30-01-2009

Misión: matar al tirano

El coronel alemán, de origen aristocrático, Claus von Stauffenberg resulta herido en el frente africano en 1943. Allí pierde un ojo y una mano por lo que es condecorado junto con su batallón. Al ser trasladado a Berlín se le asciende a Jefe del Estado Mayor de la Reserva, un cargo que le permitirá despachar directamente con Hitler, al que precisamente no guarda demasiado afecto. Incluso el joven coronel no se ha mordido la lengua a la hora de criticar los excesos del régimen nazi, su violencia y crueldad con civiles, prisioneros rusos y judíos.

Stauffenberg descubre que no está solo en esa oposición al dictador. Otros oficiales como el general Olbricht, el coronel Mertz von Quirnheim, el general Beck o el Mayor von Tresckow, y civiles como el Dr. Carl Friedrich Goerdeler, coinciden con él en lo tocante a la necesidad de tomar una medida drástica que pare los pies definitivamente a esa bestia negra llamada Adolf Hitler.

Todos deciden que Von Stauffenberg asuma la organización de la operación, pues su nuevo cargo le permite acceder a los documentos de la llamada Operación Valkiria: un protocolo ideado por Hitler para evitar un golpe de Estado en caso de muerte repentina del Führer. Pero los conspiradores conseguirán dar la vuelta a ese documento en su favor.

La justificación ética del tiranicidio

La decisión que van a tomar los integrantes de ese complot para eliminar a Hitler supone una seria y grave reflexión moral que en el filme solo se apunta colateralmente. Von Stauffenberg parece seguir en sus decisiones la clásica teoría, sostenida por filósofos antiguos, medievales y renacentistas, que justifica el tiranicidio. Según estos autores, entre los que se encuentra el español Domingo de Soto, en ciertas condiciones extremas y cuando se han agotado los recursos pacíficos, es legítimo derrocar al tirano que ha usurpado el poder o violado los derechos humanos gravemente y de manera continuada. Supondría, por tanto, una aplicación del principio de legítima defensa, que en algunos casos conlleva la misma muerte de injusto agresor.

Cine y nazismo: una veta inagotable

Valkiria, como sucede con las recientes películas sobre el nazismo (El niño con el pijama de rayas, El último tren a Auschwitz, El hundimiento o Sophie Scholl) vuelve a sorprendernos cuando parecía que ya no se podían contar más historias sobre la Segunda Guerra Mundial. Para ello recurre, como sus antecesoras, a un punto de vista original: en este caso la resistencia a Hitler de algunos oficiales y civiles alemanes influyentes (llegaron a ser cientos, aunque la película sólo se centre en unos pocos).

Por otra parte, el director del filme, Bryan Singer (Sospechosos habituales, X-Men) consigue mantener el suspense y la emoción hasta el final, aunque uno conozca el desenlace de los hechos históricos que se narran en Valkiria. Para ello cuenta con un reparto lleno de secundarios de lujo (tanto americanos e ingleses como alemanes) y un Tom Cruise que intenta recuperar su prestigio con la sobria, pero certera, interpretación de un héroe nacional germano, y además católico, lo que no ha dejado de provocar cierta polémica e indignación en Alemania por la militancia de Cruise en la controvertida secta de la Cienciología.

LA CLASE

2009-01-12T12:40:00.010+01:00

Título original: Entre les murs. País: Francia. Dirección: Laurent Cantet. Intérpretes: François Bégaudeau, Franck Keïta, Wei Huang, Esmeralda Ouertani, Rachel Régulier, Olivier Dupeyron. Guión: Laurent Cantet, François Bégaudeau, Robin Campillo. Fotografía: Pierre Milon. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 128 min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Cine social, Drama. Estreno: 16-01-2009.

El profesor Keating visita París

François es un joven profesor de lengua de un Instituto conflictivo de París. Sus alumnos, como ya va siendo habitual en nuestras aulas, pertenecen a diversas razas y países, y a diversas tribus urbanas. Todo ello crea un ambiente conflictivo y apático en el aula debido a la convicción, por parte de algunos docentes y de no pocos muchachos, de que esos estudiantes no tienen muchas aptitudes académicas y su vida no les deparará especiales logros profesionales. Pero el profesor de lengua no es de esa opinión, por lo que intentará elevar la moral de sus alumnos y no limitarse a que asimilen unos rudimentos de lengua o literatura. Para ello decide involucrarse en los problemas personales de esos adolescentes y hacerles reaccionar. Y aunque en algunos casos François tome medidas discutibles, o incluso erróneas, su labor no dejará indiferente a nadie.

La clase es una de las recreaciones más realistas de la labor docente que se hayan visto nunca en la gran pantalla. Hasta qué punto lo que nos muestra este filme francés es ficción o realidad –teniendo en cuenta que el reparto del filme no está formado por actores profesionales sino por docentes y discípulos– tendrá que decirlo el espectador, sobre todo si es educador o la ha sido. En cualquier caso, y sin lugar a dudas, disfrutará con este filme casi documental, pero con una trama llena de conflictos muy bien narrados.

La clase trae a nuestra memoria filmes recientes como Diarios de la calle, La ola o Los chicos del coro, y otros ya clásicos como El club de los poetas muertos, pero de los que se diferencia por su puesta en escena, sobria y sencilla (todo transcurre entre los muros del instituto, no se nos muestra lo que ocurre una vez que todos abandonan las aulas, aunque lo intuimos).

BELLA

2008-11-03T10:58:00.013+01:00

País: EE.UU., México. Dirección: Alejandro Gómez Monteverde. Intérpretes: Eduardo Verástegui, Tammy Blanchard, Manny Perez, Ali Landry, Angélica Aragón, Jaime Tirelli, Ramón Rodriguez, Tawny Cypress, Sophie Nyweide.. Guión: Patrick Million, Leo Severino, Alejandro Gomez Monteverde. Música: John Reese. Fotografía: Andrew Cadelago. Duración: 91 min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Drama, Romántico. Estreno: 07-11-2008.

¡Qué bello es vivir!

José es un prestigioso futbolista mexicano con un futuro prometedor, pero un trágico suceso cambió su vida. Ahora trabaja en Nueva York, como chef en el restaurante de su hermano Manny. El negocio es prestigioso, pero José no ve con buenos ojos el tono de excesiva exigencia que su hermano ejerce con los empleados. Su paciencia llega a un límite cuando Manny despide a una de las camareras, Nina, por llegar tarde al trabajo. Ante el estupor de todos, José abandona la cocina y sale en búsqueda de Nina, la cual le confiesa que el motivo de sus retrasos es algo que acaba de descubrir y para lo que no está preparada: un embarazo.

Bella es una película sencilla, de bajo presupuesto pero con una gran carga de humanidad, y que afronta con valentía, pero sin estridencias ni beligerancia alguna, el drama del aborto en nuestra sociedad. Todo ello con una visión optimista de la existencia, fruto de la cultura de la vida, y abierta a la trascendencia. Una actitud vital que se propone con naturalidad y sin humillar al que piensa de modo diferente.

Bella es la primera película de Metanoia Films, una productora independiente fundada por Eduardo Verástegui (actor), Alejandro Monteverde (director, que también ha colaborado en el simpático cortometraje Historia de un letrero http://en.zappinternet.com/video/nilSqaMboM/HISTORIA-DE-UN-LET) y Leo Severino (productor), con el propósito de fomentar en el cine los valores positivos y la dignidad humana como un pilar básico de la sociedad. Por otra parte, también pretenden reivindicar la auténtica cara, costumbres y tradiciones de la comunidad Latina. Por eso Bella está basada en testimonios de inmigrantes que viven en Estados Unidos.

Bella se ha exhibido en 15 festivales y ha recibido galardones como el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto del 2006, el de mejor fotografía y mejor actor del MovieGuide en 2008 y el Premio Legacy del Instituto Smithsonian Latino Center, entre otros.

El aborto en el cine

En estos últimos años están proliferando largometrajes que abordan el conflicto que se le plantea a una mujer ante una situación de embarazo no deseado. De un modo más o menos explícito, estos filmes se cuestionan la temática del aborto como única salida a ese trance por el que pasa la protagonista. Y salvo algunas excepciones, todos apuestan por una salida creativa que beneficie a todos. Es el caso de películas como la citada Bella, Juno, Solas o incluso la aparentemente ambigua película rumana 4 meses, 3 semanas, 2 días, cuyas duras imágenes hacen reflexionar sobre las consecuencias, para la mujer y para el feto, de la decisión de abortar.

He citado, a propósito, películas de directores ideológicamente muy diversos (los hay tanto de izquierdas como de derechas, progresistas o conservadores, por emplear una terminología que detesto), pero que ofrecen la misma solución humana y creativa al dilema de la mujer embarazada. Con ello el séptimo arte nos enseña que la problemática del aborto no es una cuestión tan sólo de creencias o de posiciones políticas, sino de respeto a la ley natural y de soluciones constructivas.

Sí el cine hace esto, ¿por qué algunos políticos y médicos pretenden convencernos de lo contrario? Sólo se me ocurre una explicación: que el cine, y el arte en general, suele ser más sensible ante el misterio de la vida humana, y en cambio muchos dirigentes y científicos sucumben ante el poder (político, económico y científico) que les presta la tecnología disponible.

Nadie duda de que el dominio científico-técnico de lo real es necesario y conveniente. La calidad de nuestra vida ha mejorado gracias a ello. Hemos derrotado muchas enfermedades y poseemos un sinfín de artefactos que hacen más confortable nuestra vida. El peligro estriba en que confiemos sólo en las soluciones técnicas para resolver los problemas humanos. Recurrir al poder destructor de los instrumentos quirúrgicos es mucho más pobre e inhumano que ofrecer una salida positiva a la mujer que no encuentra soluciones para su problema. Todas las películas citadas ofrecen esa salida, baste citar tan solo la genial oferta de Zambrano en Solas: la sorprendente aparición de un abuelo adoptivo.

Y es que una sociedad hipertécnica como la nuestra corre el peligro de convertir a las cosas en categoría modélica para juzgar casi todo. Tal tendencia dominante pretende eliminar todo lo que no sea cosa, tanto en el pensamiento como en la conducta. Una de estas consecuencias, advertía Julián Marías, consiste en considerar al niño engendrado y concebido como una ‘cosa’, ‘un puñado de células'. Olvidando de ese modo la comunicación incipiente que existe entre la madre embarazada y su hijo.

Igualmente, los partidarios de la cultura de la muerte, en su afán por borrar del diccionario social la noción de persona y hablar solo de individuo, también pretenden que ni siquiera veamos el cuerpo humano como algo personal, puesto que se puede ‘decidir’ sobre él, como si fuero un objeto de usar y tirar. Pero para los defensores de la cultura de la vida, el ser humano no tiene un cuerpo, sino que también es corpóreo, porque éste es un ámbito de manifestación de la persona y merece el mismo respeto que ella. Si debemos tratar a todo ser humano como un fin, también debemos hacerlo con su cuerpo, aunque éste se encuentre en fase de formación.

Conspiración del silencio y cultura de la muerte

Algunos dirigentes políticos, con la colaboración de ciertos medios de comunicación y ciertos colectivos minoritarios pero con mucha presencia mediática, no se conforman con eludir esa salida creativa para un embarazo imprevisto, sino que ocultan toda declaración que se mueva en contra de sus intereses de poder. Una estrategia que les deja el camino libre para difundir la cultura de la muerte.

En este sentido, el objetivismo informativo contribuye, a veces sin querer, a una conspiración de silencio. En ocasiones se sustituye la explicación de la noticia por el impacto visual, creando, al menos, una manipulación involuntaria de los hechos. En nuestros días se siente mucho y se reflexiona poco, lo que da lugar a la desorientación. Hay una especie de acceso visual instantáneo y universal a todo, pero sin espacio para el pensamiento. Resulta así una paradójica desproporción entre la razón científica y la razón ética: sabemos mucho sobre chismorreos y cotilleos de famosos, o sobre avances científicos y técnicos, pero muy poco sobre el sentido de la vida.

Parece que los medios solo dan cobertura a opiniones o posturas y no a razonamientos o argumentos. Se considera que todas las actitudes son iguales, o carecen de base y son la expresión de poderes ocultos. El objetivismo manipula la información omitiendo datos esenciales o enfatizando determinados aspectos y quitando importancia a otros. Por ejemplo, no se permite emitir en televisión un video sobre la realización de un aborto o una explicación real del mismo, para obtener el apoyo de la opinión pública con vistas a lograr –o ampliar– su aprobación legal.

La Psicología social habla de las presiones que determinados grupos de individuos ejercen sobre los demás generando el conformismo ante una supuesta opinión de la mayoría y demonizando a los que no piensan así (como la absurda polémica sobre las recientes declaraciones de la Reina de España sobre el aborto). Pero con el paso del tiempo se descubre que esa mayoría no era tal. Es de sobra conocido que, tanto en Francia como en USA, la campaña a favor de la legalización del aborto manejó cifras falsas. Lo reconocieron años más tarde el Instituto Nacional de Estudios Demográficos y uno de los autores de la campaña, el doctor Nathanson.

RED DE MENTIRAS

2008-10-30T14:12:00.003+01:00

Título original: Body of Lies. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Russell Crowe, Mark Strong, Golshifteh Farahani, Carice van Houten, Oscar Isaac. Guión: William Monahan. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: Alexander Witt. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 128 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Género: Drama, Thriller. Estreno: 07-11-2008.

Infiltrados en Oriente Medio

Ferris es un agente infiltrado de la CIA en Iraq, Jordania y donde le envíen su jefe, Ed Hoffman. A veces, se hace pasar por árabe, gracias a su barba y su dominio de la lengua de Arabia. Pero para localizar y atrapar a un dirigente islamista que ordena atentados en Europa necesita el apoyo de los servicios de inteligencia jordanos, cuyo jefe le exige como prueba de confianza poder acceder a toda la información que posea el americano. Pero su inmediato superior en la CIA no está dispuesto a desvelar todas sus cartas a los jordanos. Ferris se encuentra atrapado entre dos mundos.

Ridley Scott nos ofrece un filme que como ya sucedió con American Gangster y el mundo del narcotráfico, no ofrece nada nuevo sobre el gran problema del terrorismo internacional. Eso sí, el director de Blade Runner nos entrega un excelente producto comercial lleno de acción, explosiones, persecuciones, torturas y con unas interpretaciones notables y una excelente factura visual (su sello característico como director). Además, Red de mentiras, aunque cae en cierto pesimismo sobre la condición humana también denuncia las violaciones de los derechos humanos por parte de unos (algunos occidentales) y otros (algunos orientales).

TRANSSIBERIAN

2008-10-24T17:54:00.005+02:00

País: Alemania, España, Lituania, Reino Unido. Dirección: Brad Anderson. Intérpretes: Woody Harrelson, Emily Mortimer, Kate Mara, Eduardo Noriega, Thomas Kretschmann, Ben Kingsley, Etienne Chicot. Guión: Brad Anderson, Will Conroy. Música: Alfonso Vilallonga. Fotografía: Xavi Jiménez. Distribuye en Cine: Filmax. Duración: 111 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Género: Thriller. Estreno: 24-10-2008.

El tren de la droga

Un joven matrimonio americano visita China para ayudar a una ONG que recoge niños abandonados con el patrocinio de la iglesia a la que pertenece el marido (Roy). Para el regreso deciden utilizar el tren (El famoso Transiberiano) y así hacer algo de turismo y superar sus crisis conyugales. En el mítico ferrocarril ruso, Roy y Jessie conocen a otra pareja (Carlos y Abby) que vienen de Japón, donde han impartido clases de español, y aunque es una extraña pareja, con no muy buena pinta, al final hacen amistad con ellos. También viaja en ese tren el inspector de narcóticos Gringo, un hombre muy peculiar.

Transsiberian consigue mantener la intriga en varios momentos y tiene algunas escenas de acción aceptables, pero cae en lo desagradable y violento en varias ocasiones. La trama tiene unos giros poco creíbles, aunque pretendan sorprender al espectador, y Eduardo Noriega vuelva a interpretar un papel tosco, endeble y totalmente amoral. Sólo se salvan las interpretaciones de Emily Mortimer y Ben Kingsley.

CAMINO

2008-10-09T14:43:00.022+02:00

País: España. Dirección: Javier Fesser. Intérpretes: Nerea Camacho, Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés, Pepe Ocio, Ana Gracia, Lola Casamayor, Jordi Dauder. Guión: Javier Fesser. Música: Rafael Arnau, Mario Gosálvez. Fotografía: Alex Catalán. Distribuye en Cine: Altafilms. Duración: 143 min. Género: Drama. Publico apropiado: Adultos. Estreno: 17-10-2008.

Un cóctel indigesto

Javier Fesser asegura que se ha inspirado, para rodar Camino, en la vida de Alexia González-Barros, una muchacha que falleció con fama de santidad en 1985 tras una dolorosa enfermedad causada por un tumor maligno. El heroísmo, entereza y serenidad de la muchacha ante el dolor, y el gran número de devotos que suscitó (y sigue suscitando) su vida y su muerte, dieron lugar a que se iniciara el proceso canónico para su beatificación y canonización.

La historia de Alexia es una epopeya de fe, amor y sacrificio (recomendamos visitar su web http://www.alexiagb.org/) no así la película de Javier Fesser, que afirma no creer en la verdad (todo es relativo para el realizador madrileño), no comprende la visión cristiana de la enfermedad y el sufrimiento, y me queda la curiosidad, después de ver la película, de qué entiende Fesser por amor. Y mi perplejidad aumenta cuando le oigo declarar que no entiende el significado de ofrecer el dolor por amor (¿desde cuándo el amor y el sacrificio no tienen nada que ver entre sí?).

También sorprende el cambio de registro que esta película supone en la filmografía del autor, pues salvo su último cortometraje (Binta y la gran idea), todo su trabajo se mueve en el ámbito de la comedia y la parodia (El milagro de P. Tinto, La gran aventura de Mortadelo y Filemón). Tal vez por eso, cuando aborda un drama como Camino el resultado sea una película desmesurada y con un metraje excesivo (143 minutos).

Parece que cuando le sacan del gag ingenioso, irreverente o sarcástico, Fesser no se encuentra a sus anchas contando una historia que, como sucede en este caso, le viene muy grande. Tal vez por eso tiene que recurrir cada dos por tres a parches (escenas demasiado largas, morbo en las escenas de quirófano, insertos de películas de animación como la Cenicienta, etc.) para disimular la falta de ritmo de su historia.

Grandes maestros y pequeños burlones

Se echa en falta, tras el visionado de Camino, el talante y la cultura humanística de realizadores cinematográficos de la talla de Wim Wenders (no hace falta más que comparar la grotesca y rancia visión de los ángeles que nos ofrece el director español, con la audaz y genial del alemán en Cielo sobre Berlín) o Richard Attenborough en su genial retrato del sentido del dolor en Tierras de penumbra, un biopic sobre el escritor inglés C.S. Lewis. También se encuentra Fesser a años luz de ese canto a la vida y a la dignidad de la persona (incluso gravemente enferma) que es Despertares. El director de Camino, por el contrario, se encuentra más cerca de directores que exhiben una antropología precaria, de andar por casa, como les sucede a Amenábar (Mar adentro) o Jeunet (Amelie).

Otra actitud ausente en Fesser es la de los grandes directores clásicos (Zinneman, Pasolini, Rossellini, Bergman, etc.) caracterizados por su respeto y comprensión (no identificación) hacia los personajes retratados por sus filmes, sobre todo si eran históricos (santos, o incluso el mismo Jesucristo) y el director no compartía sus creencias o incluso era ateo. Con citar unos pocos títulos, entre cientos, será suficiente: Francesco, juglar de Dios, El Mesías, El evangelio según san Mateo, El séptimo sello, El manantial de la doncella o Un hombre para la eternidad.

La óptica de Fesser se asemeja más a la de Ray Loriga en la fallida Teresa, el cuerpo de Cristo. Una visión que no intenta comprender el fenómeno relatado sino adaptarlo y comprimirlo a su particular visión beligerante. Tales posturas reflejan lo que el director de cine ruso Andrei Tarkovski denunciaba en su ensayo Esculpir en el tiempo, cuando advertía que el “arte moderno ha entrado por un camino errado, porque en nombre de la mera autoafirmación ha abjurado de la búsqueda del sentido de la vida. Así, la llamada tarea creadora se convierte en una rara actividad de excéntricos, que buscan tan sólo la justificación del valor singular de su egocéntrica actividad”.

(¡Lástima de talento visual desperdiciado (el de Fesser y el de Loriga) por culpa de una actitud tan poco comprensiva con el otro! Podrían haber sido dos grandes películas, pero...).

Machismo progre

Además de su perspectiva escéptica, toda la película destila cierto machismo. Los dardos de Fesser apuntan innegablemente a las mujeres del Opus Dei. Casi todas las ironías y críticas se vierten sobre ellas. Da la impresión de que Fesser ha bebido en aguas demasiado turbias y no se ha preocupado por examinar la vida real de tantas mujeres que representan la normalidad dentro de esa institución de la Iglesia Católica. Incluso se atreve a decir que realiza una radiografía del Opus Dei, pero una radiografía, habría que matizar, hecha a despojos o esqueletos, no a un ser real, vivo y de carne y hueso.

Tampoco le parece relevante a Javier Fesser respetar la libertad de la mujer para elegir el tipo de vida que quiera y renunciar, si es el caso, a un marido. Tras el visionado de la película podría deducirse que sin el hombre la mujer no es nada. Y resulta cuanto menos curioso que el director de Camino no se atreva a señalar lo que Santa Teresa de Jesús decía con orgullo acerca de su condición y libertad de mujer célibe, una elección personal que le otorgó una independencia superior a la de muchas otras mujeres de su tiempo. Y aunque Fesser cite a la santa en la película, una vez más demuestra no comprenderla.

¿Todo es relativo?

El relativismo es el dogma incuestionable de lo políticamente correcto. Es cierto que no es fácil hablar de la verdad en nuestros días. En periódicos, debates televisivos, chats o tertulias radiofónicas cualquiera puede defender su opinión con la condición de no que pretenda poseer la verdad. Se defiende la tolerancia, no como respeto a la persona independientemente de sus opiniones, sino como velada aceptación del relativismo: “todo vale y todo es verdad”. Lo contrario podría tomarse como un acto de violencia, pues enfrentarse al relativismo se considera fundamentalismo o conservadurismo.

Pero decir que ‘algo es verdad para ti’, o ‘que todos tenemos la verdad’, viola una norma básica de nuestro pensamiento y de la realidad: el principio de no-contradicción. Si todas las opiniones son válidas resulta que una misma realidad sería verdadera y falsa a la vez, buena y mala, bella y fea. El hombre sería libre y no-libre; el asesino, culpable y no-culpable; el embrión, humano y no-humano, etc. Parece mucho más sensato, y honesto, superar las opiniones subjetivas, como dice Antonio Machado:

¿Tu verdad? No, la Verdad,
y ven conmigo a buscarla.
La tuya, guárdatela.

Si todo es relativo, como pretende el director de Camino, también el relativismo lo es. De igual modo que si todo es mentira, es verdad que todo es mentira. El escepticismo y el relativismo no tienen salida, son una jaula para locos. Si no se pudiera conocer la verdad, no tendríamos experiencia del error. Está claro que las circunstancias históricas y sociales o la educación recibida pueden influirnos en nuestras opiniones y juicios. Pero esa cárcel de los prejuicios tiene una salida, como también la tienen la caverna platónica y el mundo virtual de Matrix.

El subjetivismo, en la práctica, lleva a transformar las normas morales según el propio gusto, provocando la desaparición de todo punto de referencia y creando una situación de desconcierto moral y hasta psicológico. Actualmente, para salvar su ‘autenticidad’, muchos afirman no estar arrepentidos de nada. Pero algunos psiquiatras advierten que esta es la causa de muchas de las neurosis actuales.

Quizás por eso, nuestra sociedad necesita, para su buena salud psíquica, de los grandes sinvergüenzas: unos personajes ‘inauténticos’ que no cambiaban la realidad ni justificaban su conducta modificando a su gusto las normas éticas, más bien –nos recuerda Jacinto Choza– asumían el error de sus debilidades. Como prototipo de estos personajes encontramos a Lope de Vega, Carlos V o Felipe II, quienes arreglaban sus problemas de conciencia con sus confesores. Frente a ellos el ‘auténtico’ (y colérico) Enrique VIII, hizo pasar la conciencia de sus súbditos por las sábanas de su cama. Modificó la moral para tranquilizar su conciencia, pero no tuvo reparo en eliminar, no sólo a varias de sus esposas, sino a muchos de sus más cualificados amigos, Tomás Moro entre ellos.

Mr. Peebles y la verdad

Para Fesser da lo mismo hablar de Mr. Peebles (el enano mágico de Camino), que de un gnomo, un hada o Dios. En el fondo, todo sería producto de nuestra imaginación, o de nuestros deseos de placer o de poder sublimados. Pero más bien habría que decir que nuestra psicología profunda es mucho más rica que todo lo que las escenas oníricas de Camino pretenden: porque está abierta a la infinitud de lo real. No sólo nos interesa dominar o disfrutar. También la verdad, el amor y la belleza mueven al hombre.

Que la persona sea un misterio conlleva que el sentido de sus deseos e impulsos esté en la realidad y no en la subjetividad. Sería absurdo decir que la sed, por ejemplo, crea o se inventa el agua. Si existe la sed es porque hay agua (o algo similar que la calme). Lo mismo ocurre con el deseo de felicidad: tiene que haber una realidad que lo colme, pues en caso contrario no existiría la experiencia de la desesperación y el hombre sería un ser absurdo, una pasión inútil. Tal postura resulta casi imposible de sostener en la práctica (Sartre no pudo), pues en tal situación la vida no merecería la pena ser vivida. Pero desde el instante en que decidimos vivir, reconocemos implícitamente un sentido en nuestra existencia.

En definitiva, el psicologismo (y Fesser con él) parece no advertir que los deseos remiten más allá de ellos mismos. No podemos reducir el misterio del hombre a lo que se encuentra en su inconsciente (expresado por las escenas surrealistas de Camino, que pretenden descubrir un mundo imaginario en el que la protagonista es feliz). Es necesario salir de ese reducido ámbito de nuestra psicología y advertir que la fuente que sacia nuestros anhelos está fuera de nosotros, tal y como lo descubrió Alexia en su vida real. De ahí que muchos psicólogos humanistas actuales (Viktor Frankl, Daniel Goleman, Oliver Sacks, Lou Marinoff o Enrique Rojas) hayan superado las deficiencias del psicoanálisis al reconocer que la madurez humana no se basa en el equilibrio obtenido por la satisfacción de los impulsos primarios (el célebre y triste tópico: ¡comamos y bebamos que mañana moriremos!), sino en el esfuerzo por trascenderse, ir más allá de sí mismo y buscar un sentido a la vida.

Este sentido no es creado por la persona, más bien es algo o alguien que encuentra en su vida. A Fesser se le escapa que el amor, el trabajo creativo, la religión e incluso el sacrificio constituyen aspectos de la realidad que otorgan significado y sentido a la vida humana.

El supuesto ateísmo de Fesser

Javier Fesser es muy libre para alegar que no existe la verdad, o que no cree en ningún ser trascendente a este mundo. Lo que sí se le puede exigir es que sea consecuente con esas afirmaciones y no las esgrima como si fueran algo tan inocente e inocuo como cualquier otra opinión.

La verdad es que muchos ateos son muy hábiles en el juego de tirar la piedra y esconder la mano. Por fortuna, algunos pensadores de nuestra historia más o menos reciente reconocen las consecuencias que acarrea para la vida humana la negación de Dios. “Si Dios no existiera, todo estaría permitido”, se afirma en la novela de Dostoievski Los hermanos Karamazov. La negación del Absoluto hace que todo se vuelva relativo. A la misma conclusión llegan Nietzsche y Sartre.

Estos autores irrumpen en el escenario de la historia de nuestra cultura como lúcidos delatores de las incongruencias de una ética basada en la negación de la existencia de Dios. Sirva de ejemplo el caso de Sartre: “El existencialismo se opone decididamente a cierto tipo de moral laica que quisiera suprimir a Dios con el menor gasto posible.(...)El existencialista, por el contrario, piensa que es muy incómodo que Dios no exista, porque con él desaparece toda posibilidad de encontrar valores en un cielo inteligible; ya no se puede tener el bien a priori, porque no hay más conciencia infinita y perfecta para pensarlo; no está escrito en ninguna parte que el bien exista, que haya que ser honrado, que no haya que mentir” (El existencialismo es un humanismo).

La única norma que regiría las conductas sería la voluntad del más fuerte: llámese ciencia, opinión pública o política. Por eso la muerte de Dios anunciada por Nietzsche, dio lugar a la muerte del hombre anunciada por los filósofos estructuralistas y llevada a cabo en los genocidios nazis y soviéticos. El siglo XX tal vez pase a la historia como uno de los más crueles que haya habido nunca. Y los inicios del XXI no están siendo muy halagadores al respecto.

El nihilismo ateo (a veces disfrazado de verborrea religiosa o nacionalista) y el subjetivismo producen conductas como la del terrorista que disimula su horrenda masacre con la sofística afirmación de que actúa en nombre de Dios o de la nación. El miembro suicida de una secta cree que está haciendo un acto meritorio para llegar al más allá, cuando nadie es dueño absoluto de su propia realidad. También el defensor de la eutanasia cae en el subjetivismo cuando opina que el enfermo terminal ya no puede encontrar un sentido para su vida.

Si Dios no existiera –algo de lo que Fesser pretende convencernos con su filme– nuestros derechos serían muy precarios, por no decir inexistentes. El ser humano más débil (no nacido, anciano o enfermo terminal) dependería siempre de la decisión de los demás para conquistar su derecho a existir. Es algo que empieza a ser habitual en la coyuntura presente, en la que cierta parte de la sociedad, y algunos parlamentos, han asumido el papel de la divinidad. Pero nuestro mundo no tendrá la suficiente fuerza moral para salir del infierno iniciado en el siglo pasado –y llegar a respetar el valor incondicional de toda vida humana– mientras no se reconozca que el fundamento último de esa vida es un ser personal absoluto y trascendente: Dios.

EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS

2008-09-13T11:56:00.005+02:00

Título original: The Boy in the Striped Pyjamas. País: EE.UU., Reino Unido. Dirección: Mark Herman. Intérpretes: Vera Farmiga, David Thewlis, Rupert Friend, Jim Norton, Sheila Hancock, Asa Butterfield, Jack Scanlon, Cara Horgan. Guión: Mark Herman. Música: James Horner. Fotografía: Benoît Delhomme. Distribuye en Cine: Walt Disney. Género: Drama. Público adecuado: Jóvenes. Estreno: 26-09-2008

El horror visto por un niño

¿Qué pasaría si el hijo del comandante jefe de Auschwitz se hiciera amigo de un niño judío prisionero en ese horrible campo de concentración? Esta es la premisa dramática de la película que adapta el bestseller del mismo título escrito por John Boyne.

Bruno, es un niño alemán de ocho años ajeno a los horrores de la Segunda Guerra mundial, en los cuales participa su padre como oficial de las temidas SS. Pero su felicidad infantil se ve truncada cuando la familia debe abandonar su preciosa casa de Berlín para trasladarse a un lúgubre caserón del campo, un traslado que Bruno no entiende, pues le priva de sus amigos y le somete a una monótona existencia. Todo cambia cuando un día conoce a Schmuel, un muchacho de su misma edad, pero desnutrido y sucio, y que viste un extraño pijama de rayas con un número en el pecho.

Cuando parecía que ya no se podían contar más historias sobre el Holocausto provocado por los nazis, aparece esta sencilla historia que no aporta nada nuevo a lo ya sabido por los libros o las múltiples películas sobre el tema. ¿Qué es pues lo original de El niño con el pijama de rayas? El punto de vista infantil. Una perspectiva que la novela nunca abandona, pero la película se permite hacerlo en algunas breves ocasiones. De todos modos, la versión cinematográfica agradará a los que leyeron la breve novela, y sorprenderá a los que descocían el emotivo y duro relato.

EL CABALLERO OSCURO

2008-08-01T13:51:00.007+02:00

País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Intérpretes: Christian Bale, Michael Caine, Heath Ledger, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Morgan Freeman, Aaron Eckhart. Guión: Jonathan Nolan, Christopher Nolan. Música: James Newton Howard, Hans Zimmer. Fotografía: Wally Pfister. Distribuye en Cine: Warner. Duración: 152 min. Público apropiado: Jóvenes. Género: Thriller, Acción, Cómic. Estreno: 13-08-2008.

Acción con fondo

La ciudad de Gotham sigue dominada por la corrupción (incluso en la fiscalía y el cuerpo policial) y la Mafia que maneja casi todo el dinero de la zona (a excepción de la fortuna de Bruce Wayne, alias Batman). Con la llegada de un nuevo fiscal, Dent, del jefe de policía Gordon, y del eficaz ayuda del hombre de negro, parece que todo la ciudad volverá a ver la luz. Sin embargo, la aparición de un siniestro personaje que tiene su cara pintada como si fuera un payaso, Joker, dará al traste con esas esperanzas.

El caballero oscuro es una secuela magistral, algo que no suele ser muy corriente, con un guión casi perfecto, un ritmo trepidante y que no decae en ningún momento, unos efectos especiales que muestran una Gotham real (y no de cartón piedra digital), y una interpretación excelente de todo el sensacional reparto, pero sobre todo la del malogrado Ledger, que interpreta al Joker.

El caballero oscuro no decepciona ni a los incondicionales del género, ni a los que pedimos al cine algo más que puñetazos y persecuciones. Los personajes no son nada tópicos y lo conflictos son muy interesantes. ¿Qué ocurrirá con Bruce y su antigua novia? ¿Debe un superhéroe tener mujer o no? ¿Qué precio debe pagar alguien para poder salvar a otros?

Junto a todo esto, El caballero oscuro hace una esperanzadora defensa de la bondad humana y su capacidad de redención.

La tarea del héroe frente al mal

Toda la espectacularidad visual de El caballero oscuro esconde una reflexión sobre la violencia y sus consecuencias, a la vez que propone un discurso pacifista. En él se nos plantea la creatividad y la entrega del héroe que carga o asume el mal de los demás para eliminarlo, como fuerza que supera el odio.

Algunos filmes muestran violencia explícita y otros no, lo definitivo reside en la actitud que provocan en el público (creativa o no) y el mensaje conceptual que aportan. Por un lado, la excesiva inmediatez en el tratamiento del mal nos abruma y paraliza. Se trata de películas que dejan sin respuesta al espectador y le sumen en la desesperación. Pueden provocar en el público, sobre todo si es emotivamente frágil, efectos negativos; además, tales filmes muestran un pesimismo radical sobre la condición humana.

Por el contrario, las que provocan una actitud de encuentro, que conjuga inmediatez y distancia ante el misterio del mal, como es el caso de El caballero oscuro, producen una catarsis en el espectador que le permite ver con luces nuevas el enigma del dolor y darle un sentido. Estas películas pueden ser duras, pero también esperanzadoras y optimistas.

CINTURÓN ROJO

2008-08-01T13:44:00.005+02:00

País: EE.UU. Dirección: David Mamet. Intérpretes: Chiwetel Ejiofor, Tim Allen, Alice Braga, Emily Mortimer, Joe Mantegna, Rebecca Pidgeon. Guión: David Mamet. Música: Stephen Endelman. Fotografía: Robert Elswit. Distribuye en Cine: Sony. Duración: 99 min. Género: Acción. Estreno: 08-08-2008.

Artes marciales, cine y ética

Mike Terry es un experto de jiu-jitsu, pero no quiere participar en competiciones oficiales y se limita a regentar una academia para ofrecer su experiencia en artes marciales a policías y guardaespaldas. Pero un día salva a un hombre de ser apaleado en un local de copas, y resulta que el individuo en cuestión es una estrella del cine que, en gratitud a su salvador, le ofrece colaborar en una de sus películas. Pero tras el ofrecimiento aparecerán una serie de turbios personajes sin escrúpulos que chocan con la integridad de Mike.

David Mamet es uno de los mejores guionistas de Hollywood y en algunas de sus películas (El caso Winslow, State and Main) arremete contra las inmoralidades del mundillo cinematográfico o de otras instituciones públicas. En Cinturón rojo aborda el mismo tema pero desde la óptica del boxeo y las artes marciales, como ya se hiciera en Million Dollar Baby o en Cinderella Man.

A pesar de esto el estilo cinematográfico de Mamet es muy diverso al de las películas citadas. Su punto fuerte son los personajes y los diálogos (no en vano procede el mundo teatral) y el sentido del honor, que recuerda a filmes japoneses clásicos como Los siete samuráis, pero en versión americana actual.

Necesidad de la Ética profesional

Parece que está de moda hablar sobre deontología profesional. Incluso el buen gusto se plantea como categoría no sólo estética, sino también ética. Sin embargo no basta con el buen gusto para que un trabajo creativo sea moralmente aceptable. A pesar de todo, el buen gusto puede ser el reflejo de una postura ética, que ha sido definida como el arte de la buena vida; ¿y en qué consiste esa vida ideal? La respuesta nos la ofrece la propia ética, un saber práctico que nos orienta en la búsqueda de esa meta.

Ética y creatividad

Se puede decir que la ética es una experiencia y un arte. Y como todo arte, está vinculada a la creatividad. ¿Qué creatividad? La que persigue descubrir cuál es la conducta digna, la mejor posible para el bien de la persona, y el esfuerzo por realizarla –como la decisión final de Rick Blaine en Casablanca–. Y como el arte, no busca dominar o utilizar, tan sólo busca descubrir el esplendor del bien y realizarlo en la vida.

La ética, antes que una teoría, es una experiencia, algo que se descubre en lo ordinario y se incorpora al vivir cotidiano. Pero también es una ciencia, un saber de tipo práctico que analiza la acción humana desde el punto de vista del bien y del mal, o dicho de otro modo, de lo que perfecciona o daña a la dignidad de la persona. Es la ciencia del deber ser, por tanto presupone el apoyo de otras ciencias que estudian el ser del hombre, como la antropología o la epistemología. Estas ciencias nos aportan conceptos básicos para la ética, como son: verdad, persona, fin y dignidad. También se distingue de cualquier técnica, pues se trata de conocimientos que buscan medios, no fines. La ética, en cambio, no se limita a describir o cuantificar actos, o a calcular los medios para ser más eficaz, sino a valorar tanto los actos humanos como los fines y los medios.

Honor versus utilidad

Hablar de ética equivale a reconocer que algunas actitudes enriquecen a la persona y otras le hacen daño, tanto a escala individual como social. Precisamente la alarma ética surge cuando se descubre, como hace Mike en Cinturón rojo, que algo nos impide alcanzar la finalidad propia de la persona: la felicidad y plenitud a que aspiramos. Y también cuando en el trabajo profesional se advierten conductas que dañan bienes de gran valor. Y hay algo que nos disgusta, aunque sólo sepamos intuirlo de un modo confuso, pues resulta más creativo respetar a la persona y tratarla como tal que reducirla a un medio para conseguir más audiencia, como ocurre con los combates que organizan algunos personajes de la película Cinturón rojo.

La ética profesional es precisamente la voz de la conciencia en la profesión; la ayuda fundamental para unificar la creatividad estética con la creatividad ética. Cuando existe una buena educación de la sensibilidad moral es más fácil identificar qué programas, anuncios o películas están mal porque nos dañan a nosotros y dañan a los otros. Constituye, sin más, la sabiduría práctica para ser creativos haciendo el bien.

Precisamente, quizá el mayor problema ético que detecta David Mamet en la sociedad actual proceda de poner la utilidad en primer lugar: otorgar tanta prioridad a la obtención de resultados que cualquier otra consideración caiga en el olvido. Porque si lo único que se busca es el aumento de audiencia, con frecuencia la ética no es el camino más corto. Sin embargo, para entender el discurso ético hay que situar la utilidad es su lugar, y supeditarla al bien. La ética está por encima de la utilidad; busca el bien, personal y social. Por eso el comportamiento ético siempre compensa a largo plazo: como refleja la emotiva escena final, que da título al filme, de Mike y su maestro en el cuadrilátero.

VENGANZA

2008-08-01T13:31:00.008+02:00

País: Francia. Dirección: Pierre Morel. Intérpretes: Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen. Guión: Luc Besson, Robert Mark Kamen. Música: Nathaniel Mechaly. Fotografía: Michel Abramowicz. Distribuye en Cine: Fox. Duración: 93 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Género: Acción, Thriller. Estreno: 08-08-2008.

Represalia contra el tráfico de mujeres

Liam Neeson, protagonista indiscutible de Venganza, interpreta a un espía americano retirado, y separado de su mujer, que debe volver a la acción cuando su hija es secuestrada durante un viaje a París. Ante la ineficacia de los servicios policiales, y movido por su amor de padre agraviado, se embarca en solitario en una arriesgada aventura para salvar a su hija. Una vez en París descubre que los captores son una banda de traficantes albaneses que se dedica a la venta de mujeres. Y averigua con horror que pretenden entregar a su joven hija como concubina para un sultán.

Venganza es una película de acción trepidante (no parece francesa), y con grandes dosis de violencia. Algunas secuencias de persecución son espectaculares, y otras algo increíbles. Pero además, el filme supone la recuperación del actor inglés para un papel protagonista.

A pesar del género, la película suscita la reflexión sobre el sucio negocio que convierte a las mujeres en pura mercancía. Una sociedad que no trata de impedir a toda costa la conversión de la mujer en objeto no está luchando en serio contra la violencia doméstica.

Sería de agradecer que nuestra ministra de Igualdad (Bibiana Aído) promoviera campañas para evitar que la televisión o la publicidad contribuyan a esa degradación de la mujer que la reduce a objeto posesivo, y de placer, para la mirada masculina.

Violencia contra la mujer

Un tema de rabiosa actualidad. Desgraciadamente, casi todas las semanas oímos alguna noticia trágica sobre un nuevo caso de violencia doméstica. Se trata de un terrible problema que tiene múltiples causas. Al hilo de la trama de fondo de Venganza, queremos centrarnos en el papel que desempeñan los medios audiovisuales en esta cuestión.

Es de sobra conocido el papel configurador de la sociedad que tienen los medios. La imagen de la mujer creada por el cine y la televisión puede tener una función relevante en este grave asunto. Así se entiende que el Instituto Oficial de Radio y Televisión (IORTV) publicara en el año 2002 un informe titulado Mujer, violencia y medios de comunicación. En dicho informe se realiza un análisis de las causas de la violencia doméstica y se proponen una serie de principios deontológicos sobre su tratamiento en los medios audiovisuales.

Un informe del IORTV

Si se desea acabar con la lacra de la violencia de género será conveniente eliminar de los medios audiovisuales los modelos femeninos que lesionen su dignidad:

“Las imágenes negativas, violentas o degradantes de la mujer, incluida la pornografía, y sus descripciones estereotipadas han aumentado en diferentes formas, recurriendo a nuevas tecnologías de la información en algunos casos, y los prejuicios contra la mujer siguen existiendo en los medios de difusión”. (Informe del Comité Especial Plenario del vigésimo tercer período extraordinario de sesiones de la Asamblea General. 2000. Naciones Unidas (ONU), p. 19)

El desnudo femenino se incrementó desde el 2% en los anuncios de las revistas en 1983, hasta el 6% en las de 1993. Pero el informe del IORTV sobre Mujer, violencia y medios de comunicación considera que no se debe confundir el morbo con el interés social. La imagen no lo es todo, se puede recurrir a la elipsis, a los recursos del lenguaje cinematográfico para que la imagen no adquiera un valor documental y se respete la dignidad de los actores.

Asimismo, la reconstrucción de los hechos que abunda en detalles escabrosos no ayuda a identificar el problema y sólo provoca el morbo o la conmiseración hacia la víctima. Es de agradecer que el filme Venganza, en general, siga las pautas del IORTV en su puesta en escena evitando caer en el morbo.

El documento del IORTV también recomienda que los medios de comunicación desarrollen buenas prácticas en este tema, y para ello deben evitar la utilización gratuita y deliberada del cuerpo de las mujeres como reclamo informativo, para aumentar los beneficios empresariales o para complacer la mirada masculina. Hay que hacer lo posible por evitar esos estereotipos.

Si se desea acabar con la lacra de la violencia doméstica será conveniente eliminar, de los medios audiovisuales, los modelos femeninos que lesionen la dignidad de la mujer, al convertirla en mero objeto de posesión o de placer del varón.

DEJAD DE QUERERME

2008-08-01T13:21:00.004+02:00

País: Francia. Dirección: Jean Becker. Intérpretes: Albert Dupontel, Marie-Josée Croze. Guión: Eric Assous, Jérôme Beaujour, Jean Becker, François d'Épenoux. Fotografía: Arthur Cloquet. Distribuye en Cine: Golem. Duración: 85 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Género: Drama. Estreno: 1-08-2008.

¿Dónde está la felicidad?

Antoine es propietario de una agencia de marketing que funciona a las mil maravillas. Su vida es feliz y acomodada. Pero sin razón aparente, un día se le cruzan los cables y ridiculiza a un cliente, abandona la agencia y vende su parte a otro socio. Para colmo, llega a su casa el día de su 42 cumpleaños y su mujer le acusa de infidelidad, él lo niega pero el clima se tensa y acaba arremetiendo contra los dibujos que sus hijos le regalan. Por si esto no bastara, durante la cena de cumpleaños, reprende con crueldad los defectos de sus amigos y acaba a puñetazos con uno de ellos. ¿Qué le ocurre a Antoine? ¿Es la crisis de los cuarenta? ¿O hay algo más?

Jean Becker es un director francés que nos ha regalado películas tan entrañables como La fortuna de vivir o Conversaciones con mi jardinero, en las que nos muestra unos personajes muy humanos que se debaten buscando un sentido a su vida.

Lo mismo hace, aunque con un resultado menos notable, en Dejad de quererme. Un filme que arremete con sinceridad sobre la sociedad hedonista y consumista de nuestro tiempo que piensa que en el dinero y el bienestar estriba la felicidad. Una crítica certera, al que tal vez le falte algo de trascendencia, pero que en cualquier caso resulta interesante y hace reflexionar al espectador.

Vacío existencial y tragedia

La extravagante conducta de Antoine se comprende como una reacción de hastío ante una sociedad autosatisfecha y egoísta. El hombre cegado por el hedonismo y el afán desmesurado de bienestar toma sus deseos como criterio supremo de acción y arrastrado por el placer pierde la libertad interior. No distingue entre experiencias fuertes y experiencias creativas. Arrastrado por la seducción del vértigo del poder o del placer, el individuo pierde la libertad para ser creativo, porque la creatividad exige una apertura a las realidades valiosas, y el hombre sometido a sus apetencias permanece enclaustrado en su interioridad egoísta (LÓPEZ QUINTÁS, A.: El amor humano, su sentido y alcance. Edibesa, Madrid, 1992, p.119).

El protagonista de Dejad de quererme se siente exaltado y eufórico pero acaba angustiado y vacío. Intenta eliminar ese misterio del dolor y la muerte que le abruma, o tiende a considerarlo un mero problema del que debe librar a su familia, lo cual le arrastra a una conducta de rechazo violento hacia todo lo que le rodea y ama.

Libertad y donación personal

Una de las causas principales del desajuste ético de nuestra época, muy bien reflejado por el filme de Jean Becker, radica en la ausencia de verdadero encuentro en la vida personal. Desde hace décadas el hombre occidental manifiesta una atracción hacia los modos de vida infrapersonales y pretende con ello llegar a fundirse con el entorno y con los otros, como si se tratara de objetos. Además se afirma que en esa fusión se encuentra la felicidad. Son vivencias en las que priman el componente sensual y sentimental, las emociones fuertes que agitan al sujeto hasta hacerle perder la conciencia.

Nos enfrentamos a un tópico que también aparece en el cine, la publicidad y en algunas obras literarias y musicales contemporáneas: la búsqueda de la fusión con lo que se ‘ama’, perderse en lo otro y en el otro, buscar una unión física, intensa y estremecedora, pero fugaz. Tal tendencia al contacto físico se convierte en un sucedáneo del verdadero encuentro amoroso: pegarse a la piel de otro o fundirse dos cuerpos en un intenso abrazo no implica necesariamente una estrecha unión personal.

Estos actos de comunicación humana corporal deben ser manifestación de algo más profundo, sin lo cual se vuelven fugaces y estériles, como se advierte en un par de escenas de la película que estamos comentando.

El amor desinteresado como sentido de la vida

El poder del amor permite superar todas las crisis, evitar el sentimentalismo y dar pleno sentido a una vida en apariencia anodina. Una lección olvidada por Antoine, el protagonista de Dejad de quererme.

Y es que el ser humano, en definitiva, se autorrealiza en la medida en que se trasciende al servicio de una causa o en el amor a otra persona. Un amor que suele ir acompañado por el dolor. Es decir, el hombre sólo se humaniza plenamente cuando se pasa por alto y se olvida de sí mismo (V. FRANKL, El hombre en busca de sentido), pero tal vez no sea necesario para ello huir de los que se ama, como hace Antoine, aunque esto, a la postre, le permita la reconciliación con su padre. Y es que el cine de Becker es realista pero no pesimista, está inundado de un irrefrenable deseo de vivir.

Pues como decía su compatriota Bergson, la alegría anuncia el triunfo de la vida. Y a veces se puede confundir la alegría y el entusiasmo con la mera euforia, lo cual es una banalización de la felicidad. La dicha no se alcanza cuando se persigue con obsesión y de modo individualista, como fruto de una mera complacencia o de instintos satisfechos, sino que brota del interior de quien se preocupa por buscar el sentido de su vida entregándose a los demás.